Des petits bouts d'éternité

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Finir un festival sur une note positive c'est aussi difficile à programmer que réjouissant quand ça se produit. Ce fut le cas avec Lovely Louise, véritable petite comédie-bonbon au gout acidulé qui réveille papilles et pupilles !

Dès les premières images du film, Bettina Oberli parvient à charmer le spectateur avec une scène pleine de douceur de complicité entre une mère et son fils. Qu'André ait la cinquantaine passée et vive avec sa mère Louise ne change pas grand chose à l'affaire. On découvre ainsi petit à petit ce duo particulier, lui dévoué à sa mère, elle coquette et pleine de tendresse qui abuse gentiment de ce fils aux petits soins.

La première partie est délicieuse, consacrée au quotidien de ce couple étonnant entre un vieux garçon assez éloigné du cliché de personnage typique, obtus et coupé du monde et sa mère, ancienne starlette qui minaude à l'évocation de la gloire qu'elle a jadis effleurée et abandonnée pour son fils. Puis vient le point de rupture, l'apparition d'un demi-frère, enfant illégitime élevé aux Etats-Unis et dont l'existence avait été soigneusement dissimulée à tous.

L'arrivée de ce 3e personnage va rompre l'équilibre si bien installé au fur et à mesure qu'il affiche, outre son imposante silhouette, sa gouaille à l'américaine et son affection exaltée pour une mère dont il a été privé. L'impact sur André, tout d'abord pesant et teinté de jalousie et de méfiance, va finalement lui permettre de prendre son envol, après moult péripéties plus ou moins convaincantes.

Lovely Louise n'est certes pas un film original : tout y est assez convenu, du scénario somme toute très prévisible dès lors que le 2e fils fait son apparition à la réalisation, sans fioritures ni effets de manches. Cependant le principal atout de film de Bettina Oberli n'est ni son scénario ni les péripéties de ses personnages, mais l'ambiance pleine de tendresse qui se dégage du duo/trio, ainsi que ses personnages construits avec soin. On échappe à la caricature tout en restant sur le fil et l'humour désuet qui se dégage de chacune des scènes est de celui qui provoque des sourires attendris.

On quitte la salle avec une bonne humeur revigorante, ravis d'avoir passé une heure et demie devant cette comédie douce : un vrai feel-good movie à la mode Suisse !

Lovely Louise, Bettina Oberli (pas de date de sortie France)

Avec Stefan Kurt, Annemarie Düringer, Stanley Townsend, Nina Proll - Suisse / Allemagne - 1h31

Synopsis

A 55 ans, André habite toujours chez sa mère, Louise, une actrice de théâtre et ex-starlette ayant tenté sa chance à Hollywood dans les années 30. Leur train-train est perturbé lorsque débarque tout droit des Etats-Unis Bill, un commercial charismatique, qui prétend être le fils de Louise. Celle-ci va devoir faire appel à sa mémoire pour répondre aux questions d’André et retrouver le nom de leur père…

L'Allemagne n'est pas le premier pays qui vient à l'esprit lorsqu'on évoque les fusillades de lycée, et pourtant il y a eu là-bas aussi quelques cas dramatiques qui ont laissé des traces. C'est à ce thème que Thomas Sieben a choisi de consacrer son film, et il le fait avec une approche quelque peu différente.

Pas de scène de classe, et aucune image de tuerie dans Le Barrage. Tout juste une certaine animosité de la part des habitants du village dans lequel Roman, assistant d'un procureur, vient récupérer des éléments d'enquête. Car le héros ici n'est pas le meurtrier mais un personnage extérieur qui n'a rien à voir dans l'histoire, si ce n'est qu'il enregistre les pièces du dossier.

Sur ce fond dramatique, Le Barrage s'intéresse à la rencontre de deux personnages perdus : d'un côté Roman qui ne parvient pas à s'intéresser à grand chose et vivote comme un vieil ado. De l'autre Laura, survivante de la fusillade, un peu perdue dans un complexe du survivant. Ces deux-là vont s'apprivoiser et se découvrir, puis finir par grandir grâce à l'autre.

Le Barrage est un film intéressant à plusieurs points de vue. Son parti pris d'aborder un sujet en se plaçant "après la bataille", sans même réellement s'intéresser aux conséquences si ce n'est sur Laura, déroute au premier abord. Mais c'est pour mieux captiver le spectateur sur le réel sujet du film, la transition entre adolescence et âge adulte et la confrontation parfois brutale des jeunes avec la société.

Au niveau formel, Thomas Sieben alterne avec tact les plans très serrés sur ses personnages et les plans très larges sur les magnifiques paysages montagneux. Mais s'ils constituent un bouffée d'oxygène bienvenue dans le rythme du film, ils n'apportent toutefois que peu d'ouverture : pas d'horizon dans le décor... La quasi absence de musique et le rythme très lent peut renforcer une impression d'austérité, qui n'est toutefois que trompeuse.

Un film aboutit et original, à découvrir !

♥♥

Synopsis

Roman, jeune adulte asocial, subsiste en travaillant pour un procureur qui le charge d’enregistrer des documents judiciaires. Des pièces manquent à un dossier, celui d’une tuerie dans une école de province, Roman est dépêché sur place. Il y rencontre Laura, une lycéenne qui a survécu au drame…

Projection dans le cadre du Festival Augenblick 2014
En présence du réalisateur, Thomas Sieben

Love Steacks démarre en douceur avec l'allure d'un film social traité avec légèreté et décontraction. On entre dans le récit en même temps que Clemens, fraichement recruté dans un spa, prend son poste et s'intègre, maladroit, à l'équipe.

Et puis petit à petit Love Steacks révèle sa vraie nature, en même temps que Clemens montre la sienne. Ni jeune en difficulté ou précaire à la dérive, il s'adapte à son nouvel environnement et se prend en charge sous les regards moqueurs des employés des cuisines. Car Clemens est masseur, un boulot de planqué aux yeux des cuistots et ce n'est pas son bec de lièvre qui va lui donner une image plus virile. Mais petit à petit Lara tombe malgré tout sous son charme et nous sous celui de cette jolie comédie tragico-romantique.

Car en fin de compte Love steaks sait brouiller les pistes et parler d'amour autant de dépendance, de pression sociale et managériale, d'économie et de rapports sociaux. Un vrai petit film polyvalent et enjoué qui parvient à déjouer les moments où la tension s'installe avec des pointes de légèreté ni grotesques ni déplacées.

C'est là tout le talent de Jakob Lass et de ses interprètes lumineux, réunis dans une jolie histoire d'amour entre deux être inadaptés qui se complètent et se tiraillent. Love Steacks recèle quelques belles scènes, mises en valeur par la musique et les ralentis, poésie moderne pleine de fureur et de tendresse, à l'image de ses personnages. Cocasse, décalé, léger et grave : dosage réussi !

♥♥♥

Love Steacks, Jakob Lass (pas de date de sortie France)

Avec Lana Cooper, Franz Rogowski - Allemagne - 1h30

Synopsis

Dans un hôtel de luxe de la côte baltique, Clemens, fraîchement employé comme masseur, rencontre Lara, commise de cuisine. L’un est timide, calme, souvent gêné ; l’autre nerveuse, provocante, presque sauvage. Les opposés s’attirent, ils s’essaient à l’amour et chacun tente de chasser les démons de l’autre.

Amour Fou est un drôle de film. Un film un peu fou, qu'à l'image de ses personnages, on n'est pas bien sûr d'aimer mais qui dévoile petit à petit des atouts qui parviennent à convaincre.

Sous des allures de film en costumes sur la haute bourgeoise oisive et engoncée dans ses privilèges, Amour Fou révèle, littéralement, une comédie romantique (question d'époque, plus que de thème) décalée. Jouant sur l'absurdité des situations et des dilemmes de ses personnages, Jessica Hausner propose un regard très neuf sur une époque qui ne l'est vraiment pas.

Inspirée par la mort de l'écrivain Heinrich Von Kleist, qui chercha désespérément un compagnon de suicide avant de se donner la mort, le film raconte le dilemme d'Henriette, épouse et mère comblée sans l'être réellement, à qui Heinrich propose de mourir avec elle. S'interrogeant alors sur le sens de sa vie, elle se met littéralement la rate au cours bouillon et tombe gravement malade. S'en suivront errements et quiproquos délicieux, le tout filmé dans un formalisme déroutant (plans fixes et décors bariolés) avec un humour absurde qui ne laissera pas indifférent.

Le rythme particulier dû au découpage en plans fixes peut rebuter au premier abord, mais pour peu que l'on parviennent à entrer dans le film et en apprécier le regard très distancié de Hausner, Amour Fou constituera une expérience inédite qui vaut le coup d'oeil !

★★★☆☆

Amour Fou, Jessica Hausner (sortie le 4 février 2015)

Avec Christian Friedel, Birte Schnölnk, Stefan Grossmann - Autriche/Allemagne/Luxembourg - 1h30

Synopsis

Berlin, à l’époque romantique. Le jeune poète Heinrich veut sublimer sa mort grâce à l’amour. Il tente de convaincre sa cousine Marie de contrer le destin en déterminant ensemble leur suicide, mais Marie refuse. Déprimé par le manque de sensibilité de sa cousine, il approche une jeune épouse, atteinte d’une maladie incurable, qui semble tentée par sa proposition.

Neuland raconte, de façon plutôt maladroite, le quotidien de jeunes immigrés arrivés en Suisse dans le Canton de Bâle et leur prise en charge dans une classe d'intégration afin d'apprendre la langue du pays et se forger un avenir professionnel. On suit ainsi le parcours d'une classe au long des deux années que va durer leur scolarité.

Le sujet est passionnant et aborde tout un tas de thèmes qui méritent que l'on s'y arrête : du déracinement à l'apprentissage d'une langue, en passant par la difficile intégration dans un pays libéral dont on ne maîtrise ni les codes ni la culture, ainsi que la combativité dont font preuves ces jeunes immigrés en quête d'une nouvelle vie et d'un nouveau départ.

On attend donc beaucoup de ce type de documentaire, qui peut montrer beaucoup de notre société au travers des yeux de ceux qui la rejoignent. On s'attend à découvrir des différences culturelles, des richesses, le point de vue extérieur sur le pays, les difficultés d'apprentissage de la langue ou tout du moins quelques confrontations culturelles entre les élèves aux parcours si différents. Il n'en est malheureusement rien dans Neuland, dont la caméra quitte à peine la salle de classe et se concentre un peu trop sur la certes bienveillante figure du professeur, Herr Zingg, qu'on a l'impression d'écouter parler pendant 1h30.

Peu d'intérêt donc, à regarder ce Neuland, qui n'évoque ni réellement le quotidien des élèves (comment vivent-ils en Suisse, quels sont leurs revenus, qui les prend en charge, quels sont leur rapports avec leur famille ?) ni leur vie personnelle, tout juste quelques mots sur le voyage qui les a amenés en Suisse (du simple vol direct pour certains à l'année entière de voyage accompagnés par des passeurs pour d'autres).

D'un autre côté, on ignore aussi tout de leur intégration en Suisse hors de la salle de classe. On réalise vite leurs difficultés à trouver un apprentissage tant leur niveau de maîtrise de la langue est faible, mais rien sur leur regard sur le pays, sa culture parfois étrange ou même sur la langue allemande somme toute particulière. Pas un mot non plus sur les structures de prise en charge et les solutions qui s'offrent à eux pour rester dans le pays, tout est survolé, à peine mentionné et sans jamais être approfondi.

C'est donc certes ému mais très frustré qu'on voit arriver le générique de fin qui clôt cette parenthèse de deux années au cours de laquelle on en a appris si peu.

En début d'année, un documentaire français, La Cour de Babel était consacré au même sujet de ce côté-ci de la frontière, avec un peu plus de réussite.

★☆☆☆☆

Neuland, Anna Thommen (pas de date de sortie France)

Documentaire avec Ehsanullah Habibi, Nazlije Aliji, Christian Zingg - Suisse - 1h33

Synopsis

Ehsanullah a fui la guerre en Afghanistan et gagné l’Europe sur un bateau gonflable ; Nazljie et Ismail, Albanais, ont été recueillis par leur oncle après la mort de leurs parents. Avec d’autres arrivants des quatre coins du monde, ils intègrent une classe destinée aux jeunes immigrés ayant dépassé l’âge de l’école obligatoire. Sous la tutelle de M. Zingg, ils ont deux ans pour apprendre langue et culture de leur pays d’accueil, espérant s’y construire un avenir.

Séance en présence de la réalisatrice, Anna Thommen
dans le cadre du Festival Augenblick 



Voir les photos officielles sur le site du festival

★★★★☆

Partout Ailleurs (Anderswo), Ester Amrami (pas de date de sortie France)
Avec Neta Riskin, Golo Euler, David Sachez Calvo -Allemagne - 1h27

Synopsis
Noa, israélienne, étudie à Berlin. Lorsque son projet de thèse est refusé, elle se sent incomprise et désorientée et décide de retourner en Israël pour faire le point. Bientôt son petit ami la rejoint. Deux mondes, soigneusement tenus à l’écart par la jeune fille, entrent alors en collision. A elle de choisir celui où elle veut construire son avenir.

Séance en présence de la réalisatrice, Ester Amrami,
dans le cadre du festival Augenblick 2014

Voir les photos sur le site du Festival

Love is strange raconte l'histoire d'un couple d'homosexuels de la soixantaine, qui se retrouve soudainement à la rue, l'un d'entre eux ayant été licencié en raison de leur récent mariage. Il vont devoir se résoudre à être hébergés par leurs proches. Avec un sujet pareil, Ira Sachs parvient à ne pas faire de son film un pamphlet LGBT. Et c'est probablement ce qui le rend un peu bancal, mais si doux.

Car sans la cause de leur soudain appauvrissement, l'histoire de ce couple aurait pu être celle de n'importe qui, hétéro ou non. Et c'est en filmant l'ordinaire, qu'Ira Sachs tente d'y débusquer l'extraordinaire.

En résulte un film plein de douceur et d'élégance, un portrait générationnel de la vie urbaine d'aujourd'hui : des espaces de vie confinés et de la liberté qu'on y puise toutefois ; de la difficulté de cohabiter avec les gens qu'on aime et de communiquer entre générations. On s'attache principalement au personnage de Ben, qui est hébergé provisoirement chez son neveu, sa femme et son fils, et aux difficultés que la présence de ces trois générations sous le même toit engendre. Les petits désagréments du quotidiens y sont montrés avec douceur, noyés dans l'amour qui transpire entre ceux-là, même lorsque la crise monte.

Les relations entre Ben et son époux font l'objet de quelques scènes émouvantes, jusqu'à l'avant-dernière scène qui parvient à en dire beaucoup avec une sobriété incroyable.

Love is Strange n'est certes pas un grand film, mais c'est un beau film, plein de tendresse et de charme, qui laissera son empreinte dans l'esprit de ceux qui auront passé un moment en sa compagnie.

♥♥

Love Is Strange, Ira Sachs (sortie le 12 novembre 2014)

Avec John Lithgow, Alfred Molina, Marisa Tomei, Charlie Tahan - USA - 1h38

Synopsis

Après 28 années de vie commune, Ben et George peuvent enfin se marier. Mais à leur retour de lune de miel, Ben perd son travail, et les jeunes époux sont contraints de quitter leur appartement pour aller vivre séparément ailleurs.

 Avec Une Nouvelle Amie, Ozon s'intéresse à un sujet d'actualité, les identités transgenres et propose sa vision des choses, certes bienveillante mais quelque peu chloroformée.

Comme souvent, il propose avec ses films une analyse sociétale et ses œuvres constituent de véritables marqueurs temporels d'une société en pleine évolution. Le problème avec Ozon, c'est que ses analyses relèvent plus de celles de M/Mme Toulemonde au Café du Commerce que de l'analyse sociologique. Mais c'est sa marque de fabrique : Ozon n'est pas un visionnaire, c'est un témoin.

Et le témoignage qu'il nous livre avec Une Nouvelle Amie est malgré tout très intéressant.

Il montre avec beaucoup de bienveillance, à défaut de finesse, le portrait d'un homme dont le deuil provoque une urgence de vie et la volonté d'assumer ses désirs jusqu'ici cachés. La rencontre de David/Virginia avec Claire  va provoquer chez chacun d'eux une prise de conscience qui mènera à l'affirmation de soi.

Romain Duris est absolument parfait dans le rôle de Virginia, dont il maîtrise la féminité balbutiante à la perfection, bien loin de la caricature et du ridicule que ce type de rôle, mal interprété, aurait pu susciter. Le parallèle entre son personnage et celui de Claire est une belle réussite et l'épilogue représente un joli pied de nez aux intolérants.

Ce n'est d'ailleurs probablement pas un hasard si les seules réactions par rapport à la transformation de David sont celles du mari de Claire, qui incarne à lui seul toute la beaufitude de la société. A aucun moment Virginia ne sera confrontée à ce que le monde extérieur (y compris Gilles) pense d'elle : elle ne vit que dans les yeux de Claire qui lui permettent d'exister, et réciproquement. En se focalisant sur les sentiments de ses personnages, Ozon leur donne une légitimité qui va au-delà de toute revendication. C'est habile, mais j'aurais trouvé plus intéressant de se positionner par rapport à une problématique sociologique, de même que la transidentité, polymorphe, de David, aurait gagné à être plus cadrée.

Reste qu'Une Nouvelle Amie est un beau film d'amour ; pas tant une romance qu'un film qui célèbre la découverte et l'amour de soi, assez fort pour affirmer qui l'on est même si cela va à l'encontre des normes établies.

♥♥♥

Une Nouvelle Amie, François Ozon (sortie le 5 novembre 2014)

Avec Romain Duris, Anaïs Demoustier, Raphaël Personnaz, Isild Le Besco - France - 1h47

Synopsis

À la suite du décès de sa meilleure amie, Claire fait une profonde dépression, mais une découverte surprenante au sujet du mari de son amie va lui redonner goût à la vie.

Je ne m'étais pas trop documentée sur Serena avant la séance, la présence de Susanne Bier au générique ayant suffit à motiver ma présence dans la salle. D'ordinaire très subtile dans ses analyses de la famille et de thèmes tels que la vengeance ou la justice, je m'attendais à un portrait de colons (USA, années 20) sous un angle intéressant.

Or Serena pour commencer, raconte l'histoire non de la femme dont il porte le nom, mais de son époux George, incarné par Bradley Cooper. Et ce qui aurait pu être une grande fresque romanesque et aventureuse se change très rapidement en huis clos sentimental étouffant, dont les décors se limitent à une poignée de baraquements et à quelques parcelles de forêt dense de Caroline du Nord.

Ce huis-clos représente bien entendu le couple, qui parait se suffire à lui-même mais étouffe sous le poids de deux personnalités imposantes. L'intrigue quant à elle mêle les relations destructrices du couple l'un envers l'autre avec celles qu'ils exercent tous les deux sur l'environnement. L'ensemble donne un gloubiboulga désagréable dont on peine à saisir le sens.

George en effet est un homme relativement détestable, que la réalisatrice présente néanmoins sous un jour le plus favorable possible. Chasseur "pour la gloire" (il veut tuer un puma et ne se satisfait pas de proies plus modestes), patron d'une exploitation forestière dédiée à la construction du chemin de fer, il exploite jusqu'à la lie les Smocky Mountains qu'il entend raser pour son profit, avant que l'Etat de Caroline du Nord ne puisse en faire un espace protégé, et sans faire grand cas de la sécurité de ses ouvriers sous-payés. Bref, une belle ordure qui a en plus la délicatesse de fuir une paternité non-désirée, laissant l'entière charge de l'enfant à la mère, tandis qu'il pille les fonds de sa propre société. Malgré tout, l'homme est présenté de façon presque positive : meneur d'hommes, travailleur acharné, il incarne le libéralisme dans toute sa splendeur et fait vivre tout un village. Patron charismatique, il est admiré et respecté.

Serena de son côté, ne bénéficie pas de la même bienveillance.
Véritable alter ego féminin de George et personnage à la féminité conquérante, elle s'impose comme partenaire professionnel autant que comme épouse et semble agir comme un révélateur sur son époux, qui commet des actes terribles sous son impulsion. Seuls contre tous, tel est le credo du couple et de Serena en particulier, qui voit d'un mauvais oeil toute concurrence, qu'elle soit féminine ou masculine. Loin de susciter la même admiration de la part de l'entourage de George, Serena est crainte par le reste du village. Et pour cause...

J'avoue que j'ai eu beaucoup de mal à saisir le propos du film. J'ai eu l'impression d'être face à une énième dénonciation de l'emprise que peuvent avoir certaines femmes sur leurs époux, notamment ces être néfastes que sont les femmes fortes qui ont l'outrecuidance de se croire égales aux hommes et qui vouent tout ce qui les entoure à leur perte... C'est en tout cas ce qui transpire du film, et c'est assez étonnant de la part de Susanne Bier. On peut y voir aussi une dénonciation du capitalisme et de ses dérives ; c'est clairement un élément du film aussi, mais dont on ne saisit pas bien le lien avec le couple, qui est mis en avant dans l'intrigue.

Bref un film au sujet confus, à l'ambiance étouffante et dont le jeu des acteurs peine à relever le niveau, Jennifer Lawrence en tête, que l'on a affublée de scène ridicules de gros plan larmoyants. Dommage, diablement dommage pour cette équation si prometteuse sur le papier et dont la résolution semble à côté de la plaque.

★☆☆☆☆

Serena, Susanne Bier (sortie le 12 novembre 2014)

Avec Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Toby Jones, Rhys Ifans - USA - 1h45

Synopsis

À la fin des années 20, George et Serena Pemberton, jeunes mariés, s’installent dans les montagnes de Caroline du Nord, où ils sont décidés à faire fortune dans l’industrie du bois. Dans cette nature sauvage, Serena se montre rapidement l’égale de n’importe quel homme et règne d’une main de fer avec son mari sur leur empire. Lorsque Serena découvre le secret de George alors qu’elle est elle-même frappée par le sort, leur couple passionné et impétueux se fissure. Leur destin les entraîne vers la plus terrible des tragédies…

Chemin de Croix, projeté dans le cadre du festival Augenblick à Strasbourg, peut paraître, sur le papier, particulièrement austère. Film sur la foi, en allemand, découpé en chapitres qui suivent les 14 étapes du Calvaire de Jésus, le tout filmé en 14 plans fixes... austère disions-nous ?

Et pourtant, il se dégage du film de Dietrich Brüggemann une lumière assez fascinante et très particulière. On retrouve, littéralement, à l'écran, le tiraillement de la jeune Maria, de l'enfermement intellectuel dicté par des croyances d'un autre âge à la lumière divine dans laquelle elle aspire à se noyer.

Spectateur d'un drame qui se joue, le film ne juge pas la foi de son héroïne, mais se contente de montrer un destin tragique dû à l'aveuglement. Les croyances, anachroniques, de cette famille sont disséquées et mise en relation avec celles d'autres personnages, plus en phase avec leur époque.

Chemin de Croix constitue ainsi un exercice de style particulièrement maîtrisé et construit, dont la forme rejoint parfaitement le fond et illustre, dans un film loin d'être ennuyeux ou plombant, un certain jusqu'au-boutisme intellectuel qui pourrait sembler effrayant (le charisme du jeune prêtre dans la 1ere scène est assez perturbant) s'il n'était pas si éloigné de la réalité de la vraie vie.

Le bémol à poser sur ce film est à mon sens qu'on n'en saisit pas bien l'objectif.
S'il s'agit d'une dénonciation, elle est bien vaine tant tout le monde s'accordera sur le fait que les personnages sont extrémistes (et ceux qui ne le pensent pas n'ont aucune chance de se retrouver dans la salle), y compris les plus pieux des catholiques. J'y vois pour ma part un parallèle avec d'autres extrémismes, pour montrer que toute religion peut avoir ses dérives fanatiques, qui ne sont pas dues à une confession en particulier mais à la religion elle-même.

Cela reste toutefois assez flou et le résultat est un film certes maitrisé à la perfection mais qui traite d'un sujet finalement peu inspirant ou de façon peut-être trop caricaturale pour atteindre ses objectifs.

♥♥♥

Chemin de Croix (Kreuzweg), Dietrich Brüggemann (sortie le 1er octobre 2014)

Avec Lea van Acken, Franziska Weisz, Klaus Michael Kamp - Allemagne - 1h50

Synopsis

Maria, 14 ans, vit dans une famille catholique fondamentaliste. A la maison comme à l’école, son quotidien est régi par les préceptes religieux. Entièrement dévouée à Dieu, elle n’a qu’un rêve : devenir une sainte. Suivant l’exemple de Jésus, elle entame son propre chemin de croix dont rien ni personne ne peut la détourner.

Interstellar devait être l'un des grands films de cette année, attendu comme le messie cinématographique par de nombreux fans de Christopher Nolan, moi incluse. J'avais espoir qu'il détrône Mommy sur mon podium personnel ; il n'en fut rien. Le dernier-né de Nolan, après un Dark Knight Rises déjà un peu balourd, m'a laissé un goût d'inachevé, de potentiel inexploité. Déception.

Alors certes le sujet est grandiose, la fresque temporelle particulièrement réussie et Matthew McConaughey est excellent en père courage prêt à se sacrifier pour sauver ses enfants. Le film regorge de scènes vraiment fabuleuses, de la course au drone dans les champs aux messages videos en guise de marqueurs temporels. Mais tout ça n'est finalement qu'une version de plus des obsessions Nolaniennes qui commencent à être usées jusqu'à la corde.

Tout ici est prévisible pour qui est familier de sa filmographie. Quelle frustration !
Du héros sacrificiel, englué dans ses regrets et ses doutes, au récit imbriqué qui se joue du temps et jusqu'aux rapports familiaux qui sont au cœur des tiraillements du héros, tout y est : on est en territoire connu, exit les surprises.

On pourrait certes arguer qu'il n'est pas nécessairement besoin de surprises pour faire un bon film, à l'image d'un Woody Allen qui joue le même accord depuis des décennies, et on n'aurait pas tort. Seulement avec un scénario comme celui-ci, qui repose à l'évidence sur ses retournements, ses rebondissements et effets de manche du scénario, c'est quand même un peu dommage que le spectateur ait en permanence une longueur d'avance sur les personnages...

Malgré tout, la trame convenue ne plombe pas du tout le récit, même si l'on a l'impression d'avoir déjà vu mille fois ces histoires de dimensions, de communication temporelle, de relativité de l'espace-temps, de père absent et d'humanité agonisante. Et même si tout est cousu d'un fil blanc si épais qu'il pourrait soutenir un pont, les 2h50 défilent sans une seconde d'ennui car il faut bien admettre que Nolan maîtrise son récit comme toujours au millimètre. Il puise donc habilement dans différents types de schémas, entremêlant plusieurs films en un seul de manière efficace et, cerise sur le gâteau, sans s'éparpiller. Il connait son boulot, le bougre ! Et le spectateur frétille d'enthousiasme devant plusieurs scènes assez fabuleuses, notamment celle des raz-de-marée ou des paysages de glaces.

Car Nolan reste un grand réalisateur, englué dans ses obsessions comme bien d'autres, et il aurait bien pu signer ici le chef-d’œuvre après lequel il court depuis plusieurs films, s'il n'avait pas gâché le potentiel énorme de cette fresque colossale et grandiose, avec la petitesse d'un récit pourvu de gros sabots trop sonores (et je ne parle même pas de la musique de Zimmer, quintessence de tout ce qui ne va pas dans ce film : surexplicative et grossière) et de redondances creuses.

Car malgré tout son talent, la première chose qui m'est venue à l'esprit en sortant de la salle c'est "tout ça pour ça?!"

★★★☆☆

Interstellar, Christopher Nolan (sortie le 5 novembre 2014)

Avec Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Michael Caine, Jessica Chastain, Casey Affleck, Mackenzie Foy, John Lithgow - USA - 2h49

Synopsis

Le film raconte les aventures d’un groupe d’explorateurs qui utilisent une faille récemment découverte dans l’espace-temps afin de repousser les limites humaines et partir à la conquête des distances astronomiques dans un voyage interstellaire.

Improbable feelgood movie, #Chef est un cocktail étonnant : avec le réalisateur d'Iron Man aux commandes, on ne s'attendait pas à un film aussi intimiste, aussi personnel. Et pourtant ça fonctionne.

La première partie, si elle parvient à mettre l'eau à la bouche à chaque plan, avec ses scènes de cuisine enthousiastes, ne décolle pas vraiment avant le renouveau du chef dans son food-truck, dans une 2e partie attachante et pleine d'entrain. Jon Favreau se fond dans ce personnage bourru de père séparé, tiraillé entre son fils qui grandit, son travail qui évolue et ses premiers pas catastrophiques dans l'univers des réseaux sociaux.

Alors certes ce n'est pas très fin, mais étrangement tout fonctionne et s'imbrique plutôt bien pour finir par donner un film très loin d'être inoubliable mais vraiment sympathique, à l'image de cette famille biscornue et dysfonctionnelle et pourtant pleine d'amour.

Bref, un DVD (le film n'est déjà quasiment plus programmé) qui sera parfait un soir de grosse fatigue, pour un effet reboost immédiat.

★★☆☆☆

#Chef, Jon Favreau (sortie le 29 octobre 2014)

Avec Jon Favreau, John Leguizamo, Sophia Vegara, Scarlett Johansson, Robert Downey Jr, Dustin Hoffman, Bobby Cannavale, Emjay Anthony - USA - 1h54

Synopsis

Carl Casper, Chef cuisinier, préfère démissionner soudainement de son poste plutôt que d’accepter de compromettre son intégrité créative par les décisions du propriétaire de l’établissement. Il doit alors décider de son avenir. Se retrouvant ainsi à Miami, il s’associe à son ex-femme, son ami et son fils pour lancer un food truck. En prenant la route, le Chef Carl retourne à ses racines et retrouve la passion pour la cuisine et un zeste de vie et d’amour.

Passage express à l'affiche pour cette petite comédie romantique gentillette et attachante, dont le principal atout est la présence d'un Daniel Radcliffe qui s'essaie un peu dans toutes les directions depuis qu'il a quitté Harry Potter.

Le sujet n'est guère original mais en termes de comédie romantique on n'en demande pas tant, tout juste une alchimie qui fonctionne, des dialogues aiguisés ou des décors romantiques. Lorsque ces éléments se combinent, peu importe la blancheur du fil dont le scénario est cousu, le plaisir que l'on a à le dérouler reste intact.

C'est le cas ici, avec des personnages amusants et sincères, qui s'amusent avec des dialogues piquants et souvent vraiment drôles, jusque dans les rôles secondaires. Daniel Radcliffe est très convaincant dans le registre sentimental, comme dans tous les domaines où l'on a pu l’apercevoir depuis quelques années. Un acteur définitivement à suivre et en attendant, une comédie romantique mignonnette comme on les aime, à découvrir en DVD très bientôt !

★★★☆☆

What If (Et -beaucoup- plus si affinités), Michael Dowse (sortie le 29 octobre 2014)

Avec Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Megan Park, Adam Driver, Rafe Spall, Mackenzie Davis - Irlande / Canada - 1h42

Synopsis

En se rendant à une soirée organisée par son meilleur ami, Wallace ne se doute pas qu’une rencontre va bouleverser sa vie. Une complicité immédiate s’installe avec Chantry, jeune femme pétillante à l’humour ravageur. Toutefois, il subsiste un petit obstacle aux prémices de cette belle histoire : Chantry est déjà en couple avec un dénommé Ben ! Elle propose donc à Wallace de sceller un tout autre pacte : devenir amis, et rien de plus. Au fil du temps, leur complicité ne fait que grandir et Wallace se retrouve vite confronté à un vrai dilemme : doit-il s’en tenir à sa promesse ? Faire en sorte que Chantry quitte Ben ? Faire semblant de se satisfaire de cette situation bancale ou bien tenter de la conquérir, au risque de la perdre ?

Intriguée par le fait qu'on puisse toujours, en 2014, faire des films de guerre sur 39/45, je suis allée voir ce Fury, histoire de déterminer ce qu'on peut encore raconter et qui n'aurait pas été dit sur cet épisode de l'Histoire.

Et force est de constater que mis à part un petit coup de jeune au genre et un casting plutôt sympathique, Fury fait un peu flop et n'apporte pas grand chose de neuf. Si David Ayer concentre son intrigue sur un épisode certes relativement peu montré de la toute fin de la guerre alors que les deux camps sont à bout de forces, ce n'est finalement que pour livrer les lieux communs les plus éculés, entre actes de bravoure, sacrifice fraternel et agressivité primaire.

Le casting n'apporte lui non plus pas grand chose et on sort de la salle en se demandant s'il était bien nécessaire de continuer à radoter ainsi avec une nostalgie à peine dissimulée sur une grandeur ou un héroïsme passés.

★☆☆☆☆

Fury, David Ayer (sortie le 22 octobre 2014)

Avec Brad Pitt, Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Pena - USA - 2h14

Synopsis

Avril 1945. Les Alliés mènent leur ultime offensive en Europe. À bord d’un tank Sherman, le sergent Wardaddy et ses quatre hommes s’engagent dans une mission à très haut risque bien au-delà des lignes ennemies. Face à un adversaire dont le nombre et la puissance de feu les dépassent, Wardaddy et son équipage vont devoir tout tenter pour frapper l’Allemagne nazie en plein cœur…

Still the Water, présenté à Cannes cette année et reparti bredouille, est un film particulier dont on ne sait pas bien dire tout de suite si on l'a aimé ou si on vient de passer les deux heures les plus longues de sa vie... Un peu des deux sans doute.

Naomi Kawase s'attache une fois encore à montrer la nature et filme avec amour cette île japonaise mystique où les traditions côtoient la vie moderne, faisant de cette nature et de l'eau omniprésente, non un personnage à part entière mais tout un pan de son récit. Le thème du film en effet, est à des années-lumière de ce que laisse entendre son synopsis : point de récit policier ici et le corps échoué sur la plage n'engagera aucune enquête ni résulotion.

Le sujet de ce film étonnant, qui oscille en permanence entre sérénité et ennui, est un questionnement sur la façon dont vie et mort sont imbriquées et cohabitent. Les personnages sont à une période charnière de leur vie, que ce soit les adolescents et l'éveil de leur sexualité ou la mère au seuil de la mort. Le cycle de la vie est ici observé sous tous les angles y compris celui de la mort, qui n'est pas vue comme une fin mais le point de départ d'un nouveau cycle.

Still the Water c'est surtout l'essence du film japonais et d'une culture qui parvient à méler subtilement le spirituel au rationnel et qui s'interroge sur sa place dans "l'ordre des choses". Aucune réponse dans l'oeuvre de Kawase qui ne fait qu'énoncer des questions, mais un film magnifique aux décors magiques qui donnent envie de prendre son billet pour le Japon dès la sortie de la salle. Définitivement l'un des films les plus beaux de l'année. L'un des plus ennuyeux probablement aussi...

Je regrette pour ma part que la réflexion soit amenée, non pas de manière si contemplative, tant le style correspond bien à la réalisatrice, mais de manière si répétitive. Plans et rythmes se succèdent de façon trop monotone pour qu'il s'en dégage des instants forts. On s'est si bien habitué au rythme que plus rien n'étonne, à l'exception de la scène de la mort de la mère, d'une beauté et d'une douceur incroyables.

★★☆☆☆

Still the Water, (Futatsume no mado) Naomi Kawase (sortie le 1er octobre 2014)

Avec Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga, Miyuki Matsuda - Japon - 1h59

Synopsis

Sur l'île d'Amami, les habitants vivent en harmonie avec la nature, ils pensent qu'un dieu habite chaque arbre, chaque pierre et chaque plante. Un soir d'été, Kaito, découvre le corps d¹un homme flottant dans la mer, sa jeune amie Kyoko va l'aider à percer ce mystère. Ensemble, ils apprennent à devenir adulte et découvrent les cycles de la vie, de la mort et de l'amour…

Si De l'Autre Côté du Mur est certes très conventionnel dans sa forme, il l'est nettement moins dans le fond. Son réalisateur, originaire d'Allemagne de l'Est, a voulu mettre en lumière un aspect bien différents de l'immigration Est/Ouest et présente un film axé sur le quotidien plutôt que des destins grandioses.

Nelly, son héroïne, fuit l'Est non pour raisons politiques mais pour des motifs sentimentaux. Veuve, elle veut couper les ponts avec son passé et ne plus endurer la suspicion constante autour de son compagnon décédé, d'origine russe. Ses espoirs vont être déçus puisque de l'autre côté du mur l'attend grosso modo la même réalité. Et les mêmes questions. L'intégration est plus compliquée que prévu et sa nouvelle vie peine à démarrer.

Malgré une réalisation assez austère et sans grande fantaisie, Schwochow parvient à mettre en lumière une réalité méconnue et amène un questionnement intéressant sur la notion de liberté et de confiance. Il présente, dans le centre d'accueil qu'il dépeint probablement avec beaucoup de réalisme, une galerie de personnages variés et intéressants. Se croisent ici les destins de ceux ayant voulu fuir leur pays, chacun pour des raisons différentes et avec une issue pas toujours heureuse.

Mais la véritable révélation de ce film, c'est avant tout Jördis Triebel, qui donne corps et vie à Nelly, à ses doutes et à sa paranoïa grandissante. Son interprétation illumine le film et rend l'histoire de cette femme, désarmée mais volontaire aussi touchante.

♥♥

De l'Autre Côté du Mur (Westen), Christian Schwochow (sortie le 5 novembre 2014)

Avec Jördis Triebel, Tristan Göbel, Alexander Scheer - Allemagne - 1h46

Synopsis

Fin des années 70, quelques années après la mort de son fiancé, Nelly décide de fuir la RDA avec son fils afin de laisser ses souvenirs derrière elle. La jeune femme croit à un nouveau départ de l’autre côté du mur, mais en Occident où elle n’a aucune attache, son passé va la rattraper…
La jeune femme va-t-elle enfin réussir à trouver la liberté ?

J'aime beaucoup Céline Sciamma et ses films. Les thématiques qu'elle aborde sont toujours intéressantes et portent tant un témoignage qu'un questionnement sur ce qui au premier abord peut sembler aller de soi. Tomboy notamment, était en ce sens un vrai petit chef d'oeuvre.

Bande de fille aborde, comme ses films précédents, une quête identitaire, sous la forme d'un parcours initiatique, depuis la prise de conscience jusqu'à l'affirmation de soi. A cela près qu'on se concentre ici sur une dimension raciale et sexuelle, l'affirmation de soi par l'intégration au sein d'un groupe de pairs (la bande de filles) ou d'un groupe plus large (la société).

Le contraste de cette réflexion sur le papier (qui me parlait, avant d'avoir vu le film) avec le résultat est d'autant plus étonnant que le film résonne finalement comme un bon gros cliché...

Salué partout pour avoir eu l'audace de montrer des femmes noires à l'écran (passons sur le fait qu'on présente gaiement comme audacieux un film dont les rôles principaux ne sont pas des hommes blancs. En 2014...), le film cantonne pourtant ces femmes noires dans des rôles de cliché ambulant : la fille de banlieue à l'avenir inexistant... De l'échec scolaire à la prostitution, en passant par le racket et la domination masculine, tout y passe. So much pour le discours inspirant ou la représentation positive.

Si la maitrise de la mise en scène est comme toujours chez Sciamma très pointue (la scène du début où les filles rentrent une à une chez elles ; la scène de la chambre d'hôtel, de la chanson de Rihanna à l'enlacement des corps, par exemple), le film dénote malgré tout une grosse lacune en termes d'analyse politique ou de sociologie. Il aurait par ailleurs été nettement moins impactant de faire un film aussi pauvre au niveau de l'analyse, si le casting avait été moins engagé. En choisissant de ne prendre que ces actrices et en mettant l'accent sur cet aspect dans ses interviews, dans notre société, Céline Sciamma a fait un geste politique, engagé. Impossible ensuite de faire un film qui se retire de cet engagement.

Or c'est précisément ce qu'elle fait, semant le trouble dans ses intentions.
Elle a probablement voulu, comme pour Tomboy, faire de son film non une analyse mais en quelque sorte le constat d'une certaine réalité. Sauf qu'en faisant le choix de montrer cette réalité en ayant fait ce choix de casting, impossible de rester dans la neutralité de la fiction. Je ne prête à la réalisatrice aucune intention raciste (au vu de ces films précédents ce serait étonnant), néanmoins par cette sous-analyse et un sujet à mon sens mal maitrisé, je pense que ce film est raté ou tout du moins passe-t-il complètement à côté de ses objectifs.

Et c'est tellement dommage, quand on voit le potentiel de certaines actrices, notamment Karidja Touré qui irradie littéralement l'écran ! Pourvu que cette expérience lui soit profitable et la mène vers une carrière riche de rôles variés et non uniquement de banlieusarde paumée !

★★☆☆☆

Bande de Filles, Céline Sciamma (sortie le 22 octobre 2014)

Avec Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh - France - 1h52

Synopsis

Marieme vit ses 16 ans comme une succession d’interdits. La censure du quartier, la loi des garçons, l’impasse de l’école. Sa rencontre avec trois filles affranchies change tout. Elles dansent, elles se battent, elles parlent fort, elles rient de tout. Marieme devient Vic et entre dans la bande, pour vivre sa jeunesse.

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2014 manquait un peu de grand film, de ceux qui marquent et qui claquent. Et puis sort Mommy, qui balaie d'un revers dédaigneux tout le reste de l'actu ciné. Mommy, on en a parlé partout, alors on se méfie et puis Xavier Dolan, 25 ans... vraiment ? Vraiment oui !!
Mommy, plus gros coup de coeur de l'année, rejoint mes (TRÈS) rares film 5 étoiles !

Dans un Québec vaguement futuriste (une légère dose d'anticipation qui déroute un peu au départ mais n'est là que pour poser un contexte), Diane récupère la garde de son fils adolescent, jeune ange démoniaque ou démon angélique à la personnalité clivante. On sent leurs rapports pleins de tension ponctués de drames, au premier rang desquels la mort du père de Steve. Leur relation va se stabiliser au contact de la voisine, Kayla, que l'on devine elle-aussi complètement étouffée (étranglée, littéralement, au point que les mots ne viennent plus) par un drame familial. Un équilibre précaire qui ne fonctionne que grâce au déséquilibre de chacun en le poussant vers les autres.

Cette stabilité que l'on comprend éphémère, donne aux moments les plus anodins un souffle grandiose qui bouleverse et incite à profiter de chaque instant de la vie, quand à chaque moment tout peut basculer. Mommy montre la beauté des choses vues par celui qui sait qu'elle ne dureront pas. L'émotion, vive et omniprésente, prend à la gorge dès les premières minutes et ne nous lâche plus jusqu'au plan final et bien au-delà, au rythme de montagnes russes émotionnelles qui ne laisseront personne indifférent.

Dans un argot québécois imagé et percutant, quasi incompréhensible pour un Français de France mais aux sonorités aussi drôles que tragiques, on découvre des personnages rebelles et pleins d’esbroufe. Vulgaire sans jamais l'être, Diane parle fort et possède une garde-robe improbable. Elle est à l'image de son langage, poésie prolétaire qui illumine un milieu loin d'être glamour. La scène dans la cuisine par exemple, lorsque le trio entonne une chanson de Céline Dion, est parfaitement magnifique : d'une chanson cheesy on fait un hymne d'où l'on puise sa force. Pendant un moment fugace, la beauté et l'amour transcendent l'uglytude et les bâtons que la vie se met dans les roues...

La tension, fil conducteur de tout le film, tient au fait que l'on devine le drame imminent. Les signes annonciateurs du point de rupture se succèdent et on les espère trompeurs, tout comme Diane qui tente désespérément de faire avancer sa famille. Au milieu de ces personnages flamboyants pour une histoire et un milieu qui ne le sont pas, on se prend à rêver, comme eux et pour eux, d'un avenir meilleur. Douce utopie que la vie, cruelle, ne permet pas. Le fil de l'histoire va se dérouler implacablement, comme un élastique dont on soulagera parfois la tension, à l'image de ce cadrage si particulier et si inspiré.

Le film est présenté, dans sa grande majorité, au format carré. Inhabituel et déroutant, il illustre le carcan dans lequel se trouvent les personnages et qui parfois, comme dans ce moment de grâce absolue au son d'un morceau d'Oasis, s'élargit dans une envolée lyrique fabuleuse. La musique, omniprésente dans le film, joue un rôle déterminant : des tubes pas toujours très fins mais chargés des émotions qui ont ponctué nos vies et celles des personnages.

De cet amour épuisant, absolu et réciproque que Diane voue à son fils, ne devrait sortir que du bon. Il sort en tout cas un film magnifique, dont l'émotion brute emporte tout sur son passage. Xavier Dolan avait déjà fait fort avec "Laurence Anyways" (à découvrir si vous ne l'avez pas vu !!), et marqué les esprits avec "J'ai tué ma mère" il y a quelques années, sur un thème similaire. Il se surpasse ici et pourrait bien être l'un des meilleurs réalisateurs des années à venir !

★★★★★

Mommy, Xavier Dolan (sortie le 8 octobre 2014)

Avec Anne Dorval, Suzanne Clement, Antoine-Olivier Pilon - Canada - 2h19

Synopsis

Une veuve mono-parentale hérite de la garde de son fils, un adolescent TDAH impulsif et violent. Au coeur de leurs emportements et difficultés, ils tentent de joindre les deux bouts, notamment grâce à l’aide inattendue de l’énigmatique voisine d’en face, Kyla. Tous les trois, ils retrouvent une forme d’équilibre et, bientôt, d’espoir.

Du ciné underground au ciné d'auteur, il n'y a qu'un pas et Gregg Araki l'a franchi il y a quelques années. White Bird est donc assez loin de la radicalité de ses films de jeunesse, et même s'il se concentre sur le même sujet, il est l'un de ses films les plus accessibles.
Il passe ainsi d'une vision de l'adolescence pessimiste et rageuse, à un cocon ouaté à la fois très vivant et presque absent. Une vision très 'adultisée' de cette période.

Mais White Bird, c'est surtout l'explosion de l'american way of life par le démantèlement d'une famille typique américaine. Sous le vernis de ce qui est montré en exemple, la pourriture gagne discrètement, comme occultée par l'atmosphère protectrice d'un congélateur accidentellement débranché : ce n'est qu'à l'ouverture de la Boîte de Pandore qu'il révèlera, dans une explosion olfactive, tout ce qui se tramait sous la surface.

C'est à cette image que se déploie le film d'Araki, au-delà du simple parti-pris excentrique et de façon plus souterraine, en s'attachant à ses personnages qu'il utilise comme révélateur.

L'adolescence est certes le thème central, comme dans la plupart de ses films, mais si le personnage de Kat semble essentiel, c'est surtout autour de la mère que tout se joue. Figure tentaculaire qui semble régner sur le foyer, on comprend bien vite qu'elle représente la frustration d'une adulte au paradis perdu qui tente de rejouer son golden age au travers de sa fille et des yeux de son petit ami.
Écrasée par cette possessivité, Kat est livrée à elle-même après la disparition et tente de se construire hors de l'opposition qui la caractérisait. C'est ainsi dans une relative indifférence qu'elle va continuer sa vie, entourant les souvenirs impliquant sa mère d'un voile cotonneux.

Entre incompréhension et trouble sexuel propre à cet âge, on sent l'impact de cette période charnière, petite bombe à retardement qui ne refera surface qu'à l'âge adulte. Beaucoup de références pointent vers ce qui est sous-jacent, caché, et ce n'est certainement pas une coïncidence si la disparition est restée si longtemps inexpliquée, pour se voir résolue de façon si foudroyante lorsque Kat, à la fac, se détache de l'enfance et commence à prendre conscience de la mesure du trauma provoqué.

L'aspect policier quant à lui n'est clairement pas le moteur du film, qui se concentre sur les relations des personnages à leur propre enfance. Comme souvent, Araki peint un parfait portrait d'une période qui, pour peu que l'on ait été ado fin 80/début 90, nous sera instantanément familière. Un voyage sensoriel et émotionnel réussi pour ce qui est à ce jour pour moi, le meilleur Araki.

White Bird (White Bird in a Blizzard), Gregg Araki (sortie le 15 octobre 2014)

Avec Eva Green, Shailene Woodley, Shiloh Fernandez, Christopher Meloni, Gabourey Sidibe, Mark Indelicato - USA - 1h31

Synopsis

Kat Connors a 17 ans quand sa mère, Eve, une femme au foyer belle et énigmatique disparaît. Préoccupée par ses premiers émois amoureux la jeune fille ne semble pas s’inquiéter de l'absence de sa mère. Mais peu à peu Kat prend conscience et se retrouve très vite confronté à la vérité...