Archive for janvier 2015

J'avoue que j'ai vraiment du mal à comprendre l'engouement, de la presse notamment, autour de ce film... J'en avais entendu beaucoup de bien et c'est presque convaincue d'avance que je suis allée le voir, certaine d'au moins passer un bon moment, si ce n'est de me payer une franche rigolade. De l'humour noir, cynique et cruel, chez moi normalement ça fonctionne.

Or là, après la scène d'ouverture dans l'avion qui fait encore illusion quelques instants, aucun des 5 autres sketchs n'a réussi à me faire esquisser ne serait-ce qu'un sourire. Alors oui c'est cruel et cynique. Mais pas une once d'humour là-dedans !! Tout juste un enchaînement de scènes sans ampleur dramatique, sans personnages délicieusement mauvais, et surtout sans le moindre ressort comique. Juste de pauvres crétins qui s'entretuent bêtement et sans passion.

Il n'y a même pas ce côté cathartique et défoulatoire qui aurait permis au spectateur de défouler ses petites frustrations quotidienne par procuration, tant il manque aux scènes qui provoquent le pétage de plomb des personnages une dimension universelle dans laquelle on pourrait se reconnaître. C'est tout juste si le personnage de Ricardo Darin qui se transforme en terrorisme à cause de PV injustifiés à répétition éveille en nous une vague compassion.

Bref un film raté qui se retrouve à des années-lumières de ce qu'il aurait pu être ! Oh ce qu'on aurait pu faire avec les matériaux de chaque sketch entre les mains d'un scénariste un peu plus grinçant qui aurait oublié sa petite morale niaise pour proposer quelque chose de [vraiment] vilain. Méchant. Caustique. Au lieu de quoi, pour éviter de choquer l'audience et se priver d'une partie du public, Szifron, qui n'est décidément pas le nouveau poulain argentin, livre une espèce de soupe sans saveur ni consistance, qui sera bien vite oubliée.

Bref je me suis ennuyée, décidément la sélection Cannoise 2014 est bien décevante...

★☆☆☆☆

(pour la scène d'ouverture)

Les Nouveaux Sauvages (Relatos salvajes), Damián Szifron (sortie le 14 janvier 2015)

Avec Ricardo Darín, Oscar Martinez, Leonardo Sbaraglia - Argentine - 2h02

Synopsis

L'inégalité, l'injustice et l'exigence auxquelles nous expose le monde où l'on vit provoquent du stress et des dépressions chez beaucoup de gens. Certains craquent. Les Nouveaux sauvages est un film sur eux. Vulnérables face à une réalité qui soudain change et devient imprévisible, les héros des Nouveaux sauvages franchissent l'étroite frontière qui sépare la civilisation de la barbarie. Une trahison amour, le retour d'un passé refoulé, la violence enfermée dans un détail quotidien, sont autant de prétextes qui les entraînent dans un vertige où ils perdent les pédales et éprouve l'indéniable plaisir du pétage de plombs.

J'ai découvert Les Petites Fugues, grand classique du cinéma suisse sorti en 1979 mais dont je n'avais jamais entendu parler, dans une salle comble lors de la projection annuelle du Film surprise des Cinémas Star à Strasbourg. Comme quoi, aller au cinéma les yeux fermés (façon de parler) peut réserver de belles surprises !

Les petites fugues est un film délicieux qui se déguste comme un chocolat (il n'est pas suisse pour rien !) : en le laissant fondre plutôt qu'en le croquant goulument.

Son rythme est lent. Contemplatif presque. Mais pour peu qu'on laisse au film le temps de s'installer, il finira par happer le spectateur tant ce qu'il raconte est riche ! Yves Yersin, en plus d'être parfaitement adorable (oui il était présent à la projection ! ♥), calcule ses plans pour mettre en lumière ses personnages, leurs luttes, leurs déceptions et leurs espoirs.

Centré sur Pipe, un ouvrier agricole vieillissant, incarné par un Michel Robin formidable, qui avec l'acquisition tardive de son premier vélomoteur fait l'expérience de la liberté, le film s'intéresse en parallèle à bien plus que l'émancipation d'un vieil homme.

Chacun des personnages a sa trame narrative et sa problématique, mais chacun se retrouve dans une lutte entre le patriarcat (incarné par le père, qui résiste pour conserver ses méthodes, status quo qui le place en position dominante) et le peuple, que ce soit la jeunesse toute entière (avec le fils et son appétit pour la modernité) ou les femmes plus particulièrement (avec la fille, mère célibataire qui rêve d'indépendance) ou encore la classe ouvrière (avec Pipe, l'ouvrier qui se rebiffe et décide que vivre sa vie est plus important que se dédier corps et âme dans son travail).

Les petites fugues décrites dans le titre sont autant de moments joyeux dans lesquels Pipe, le héros maladroit du film, s'ouvre à la vie qu'il semble n'avoir jusque là côtoyée que de loin. Il expérimente alors la liberté jusqu'à l'ivresse. Jusqu'à la gueule de bois. Avant de réaliser bien contre son gré que la fuite ne mène à rien si elle n'est que cela et non une construction. C'est alors avec un appareil photo, trophée de sa liberté nouvellement gagnée, qu'il va finalement réussir à se construire et échapper à la morosité et la routine de son quotidien.

Marqué par plusieurs scènes absolument inoubliables telles que l'apprentissage du vélomoteur par un Pipe aussi gauche qu'un enfant ou l'envol symbolique au-dessus de la campagne vaudoise, Les Petites Fugues s'installera durablement dans le coeur du spectateur !

Découvrir un classique le regard neuf pour la première fois, plus de 35 ans après sa sortie est un moment rare qui se savoure, et ce film est de ceux-là ! Il ressort brièvement en salle en ce début d'année. S'il passe chez vous, foncez !

★★★★★

[Le Film Surprise des Cinémas star, c'est chaque année en janvier, tentez l'expérience !!]

Les Petites Fugues, Yves Yersin (sortie le 12 septembre 1979 - re-sortie à Strasbourg le 28 janvier 2015)

Avec Michel Robin, Fred Personne, Mista Préchac - Suisse - 2h11

Synopsis

Pipe, valet de ferme depuis trente ans, décide de s'acheter un vélomoteur. Ses appréciables allocations d'assurance vieillesse lui permettent désormais de penser aux vacances. Après l'avoir admiré, choyé, bichonné, il apprend, grâce aux conseils avisés de Luigi, un employé saisonnier, les premiers rudiments de la conduite. Dès lors, Pipe part à la découverte du vaste monde. Il gravit des sommets et s'émerveille devant la beauté des paysages alpins. Malheureusement, Pipe provoque un accident et se voit retirer son vélomoteur. Devenu dépressif, il ne soigne son mal qu'en recourant à un autre objet magique, un appareil photo qu'il a gagné lors d'un concours...

Le dernier-né des Studios Ghibli depuis l'annonce de la retraite de Miyazaki était attendu au tournant par tous les inconditionnels du réalisateur japonais. C'est pourtant avec une sortie relativement confidentielle, du moins à Strasbourg, qu'on le découvre sur les écrans. A peine quelques petites séances en vost pour découvrir cette adaptation d'un classique anglais de la littérature pour enfants !
(ne tardez pas, il ne fera sans doute pas long feu !)

Souvenirs de Marnie est un conte absolument adorable sur la résilience et les secrets de famille que l'on porte avec soi sans en avoir conscience.

Le personnage d'Anna, garçon manqué mal dans sa peau tranche un peu avec les autres personnages Ghibli, dans son allure surtout, de même que la campagne où elle est envoyée pour soigner son asthme tout autant que son mal-être. Si l'ambiance de la campagne japonaise est très fidèle à ce que faisait Miyazaki, des magnifiques ondulements de l'herbe à la petite route sinueuse qui la traverse et sur laquelle avance une petite voiture fougueuse, il y manque cette touche d'animisme qui enveloppait les paysages et les films de Miyazaki d'une couche écologique et poétique.

Mais Miyazaki n'est plus aux commandes et il va falloir apprendre à retenir et épeler le nom de Yonebayashi, réalisateur du mignon Arietty sorti il y a quelques années. Car le réalisateur s'en sort plus que bien avec cette histoire mystérieuse. Et si le dénouement de l'aventure n'est pas une surprise, le chemin parcouru par Anna au cours du film est une vraie bouffée d'oxygène qui parlera certainement à beaucoup de spectateurs.

Une histoire touchante et des personnages vraiment adorables qu'on a envie de serrer dans ses bras, font de ce conte à la chouette BO un très joli moment de cinéma. A découvrir aussi bien en solo qu'entre amis ou en famille (pas trop tôt pour les enfants : vers 10 ans je pense).

♥♥♥

Souvenirs de Marnie (Omoide no Mani), Hiromasa Yonebayashi (sortie le 14 janvier 2015)

Avec (les voix de) Sara Takatsuki, Nanako Matsushima, Susumu Terajima - Japon - 1h43

Synopsis

Anna, jeune fille solitaire, vit en ville avec ses parents adoptifs. Un été, elle est envoyée dans un petit village au nord d’Hokkaïdo. Dans une vieille demeure inhabitée, au coeur des marais, elle va se lier d’amitié avec l’étrange Marnie…

J'ai enfin vu Whiplash.
J'ai hésité longtemps car il ne s'agissait pas d'un film de Jazz, comme je l'avais tout d'abord pensé, ce qui m'aurait attirée dans la salle bien plus tôt, mais d'un film de combat plus proche du film de guerre, où la violence et le crâne chauve du prof ne sont pas sans rappeler l'instructeur de Full Metal Jacket. Or l'affrontement entre un prof et son élève afin de déconstruire ce dernier pour lui permettre d'apprendre et se dépasser est un concept qui ne m'a jamais convaincue et à la question "faut-il tout sacrifier et souffrir pour atteindre l'excellence (musicale, sportive ou que sais-je) ?", ma réponse est clairement : non. Tous les génies ne sont pas torturés et vice-versa.

Partant de ce constat, je me demandais ce que j'allais bien pouvoir trouver dans Whiplash, puisque l'euphorie de la lutte créative allait certainement me passer au-dessus ?

Et bien finalement pas mal de choses (même si l'euphorie de la lutte créative m'est effectivement passée au-dessus) ! Pas mal de choses, dont en premier lieu la formidable cinématographie du film, très visuel et aux qualités indéniables. Les champs/contrechamps, planifiés au cordeau et rythmés comme un duo de batterie, les duels entre Flescher et Andrew, chorégraphiés comme des scènes épiques de bataille, la musique, en sourdine mais omniprésente et surtout le charisme incroyable de JK Simmons. La scène finale, enfin, est une véritable apothéose musicale et émotionnelle après laquelle il est difficile de réprimer l'irrésistible envie d'applaudir à tout rompre. Dans une liste des meilleurs moments de cinéma, cette scène figurerait en bonne place !

Malgré tout ça, beaucoup de choses m'ont toutefois dérangée dans ce film qui passe à mon sens à côté de son sujet et manque un bon nombre d'occasion de faire la différence.

Au niveau scénaristique d'abord, c'est plat. Si-si. Malgré les envolées brutales des relations entre les deux protagonistes, un seul ressort dramatique tient tout le film. Et 1h45 mine de rien c'est long. La relation entre professeur et élève est donc surlignée et répète les même ressorts à plusieurs reprises. Les rapports de force établis, il aurait été intéressant au contraire d'ouvrir le film sur la quête de soi au lieu de se focaliser sur le dépassement physique et la violence, comme si tout le nécessaire était déjà acquis par Andrew et qu'il ne devait qu'apprendre à l'exploiter.

D'un autre côté, parler de musique sous l'angle exclusif d'un duel maître/élève, même si ça fait apparemment écho au vécu du réalisateur, ne fonctionne pas. Ce besoin de viriliser à l'extrême un milieu qui échappe justement souvent aux stéréotypes masculins, ça confine à la caricature et Whiplash finit par tomber dedans. A en croire Chazelle, l'excellence pour un batteur de jazz tient, en plus du tempo, à la vitesse et à la vigueur des coups qu'il assène sur sa batterie. Pas de nuance, pas d'alternative. De la virilité pure (salive, sueur et sang comme marqueurs visuels d'un film musical, oui on a compris, c'est une histoire d'homme).

D'ailleurs justement, il n'y a bizarrement aucune place pour les femmes dans le casting. A part le rôle de petite amie boulet et l'avocate, aucun autre personnage féminin n'a de dialogue. La musique n'est pourtant pas connue pour être une histoire d'hommes. Ah oui mais j'oubliais, le sujet du film n'est pas la musique, mais la quête de l'excellence...

Dans le même registre, il me semble étonnant, pour un film qui évolue dans le monde du jazz, de n'avoir aucun personnage noir (un seul a des lignes de dialogues : le professeur mou dont tout le monde rêve de quitter la classe)...

Malgré toutes ces réserves, que l'on pourrait mettre sur le compte de la jeunesse du réalisateur (c'est son 3e film), qui dans sa volonté de raconter +/- son histoire personnelle a oublié d'ouvrir son film sur quelque chose de plus grand que lui-même, Whiplash est un film unique en son genre qui réussit son objectif. Un film puissant et fougueux qui restera dans les annales et les esprits.

★★★☆☆

Whiplash, Damien Chazelle (sortie le 24 décembre 2014)

Avec Miles Teller, J.K. Simmons, Paul Reiser - USA - 1h47

Synopsis

Andrew, 19 ans, rêve de devenir l’un des meilleurs batteurs de jazz de sa génération. Mais la concurrence est rude au conservatoire de Manhattan où il s’entraîne avec acharnement. Il a pour objectif d’intégrer le fleuron des orchestres dirigé par Terence Fletcher, professeur féroce et intraitable. Lorsque celui-ci le repère enfin, Andrew se lance, sous sa direction, dans la quête de l’excellence...

Chandor est définitivement un réalisateur qui monte ! En seulement trois films, il a si bien réussi à imposer sa patte qu'on a l'impression de l'avoir toujours connu. On retrouve dans A Most Violent Year, le héros solitaire et malmené de Margin Call et All is Lost, un homme qui tente de garder le cap dans la tempête.

Ce qui marque avant tout dans les films de Chandor, c'est sa capacité, en quelques plans, à mettre en place son ambiance et à dresser les portraits de ses personnages. Conteur émérite, il happe le spectateur dans cette histoire somme toute banale de petit entrepreneur qui nage en eaux troubles. Sans temps mort ni fioritures, il maîtrise son sujet jusque dans les détails, dans lesquels il est toutefois loin de se perdre. Des accessoires choisis avec soin aux décors qui captent instantanément l'attention, il construit méticuleusement l'ambiance, dense et instantanément convaincante, de son film.

New York, dans les années 80, c'était pas une sinécure ! Dans une ville rongée jusqu'à la moelle par la corruption et la violence, s'imposer comme un homme droit n'est pas chose aisée. Entre flics corrompus et mafieux plus ou moins assumés, Chandor dresse le portrait d'une ville et d'une époque. A most violent year a des airs de grands classiques auxquels il fait, sobrement mais avec classe, sans cesse référence. On est en terrain connu et on en déguste chaque minute tant le cadrage est précis et le montage maîtrisé ! Oui vraiment, Chandor est un grand !

Le seul bémol serait du côté du scénario. Bien que creusé dans les détails et mettant en scène des personnages particulièrement denses, il manque à l'histoire qui nous est racontée un peu plus d'envergure et de tonus pour réellement marquer les esprits et faire honneur au prestige visuel de l'enveloppe dans laquelle elle nous est présentée !

Un film et un réalisateur à découvrir en tout cas !

★★★★☆

A Most Violent Year, JC Chandor (sortie le 31 décembre 2014)

Avec Oscar Isaac, Jessica Chastain, David Oyelowo - USA - 2h05

Synopsis

New York - 1981. L'année la plus violente qu'ait connu la ville. Le destin d'un immigré qui tente de se faire une place dans le business du pétrole. Son ambition se heurte à la corruption, la violence galopante et à la dépravation de l'époque qui menacent de détruire tout ce que lui et sa famille ont construit.

Dans son dernier film, Régis Wargnier explore l'indicible, le lien inexplicable qui peut se nouer entre une victime et son bourreau, entre otage et ravisseur ici en l'occurrence.

François Bizot, ethnologue au service du gouvernement français, est capturé un beau jour par un groupe de révolutionnaires Khmers, dont le meneur Douch le soupçonne d'espionnage. Pendant les mois de captivité de l'otage, va se développer une relation indéfinissable entre les deux hommes. Sans rapport avec le syndrome de Stockholm car il n'est pas ici question d'affection mais plutôt d'un lien intellectuel entre les deux hommes, comme une haine teintée de respect mutuel. Douch protègera ainsi "son français" de ses hommes comme de ses supérieurs. Et pour Bizot, ce lien est d'autant plus difficile à porter que son ravisseur, à qui il devra la vie, tuera par la suite des centaines ou des milliers de personnes dans le principal centre de torture du pays, dont il deviendra responsable.

A quoi tient la vie, qu'est-ce qui différencie un être humain d'un monstre, porte-t-on tous en nous cette capacité à basculer dans la monstruosité, quel rôle jouent les convictions personnelles des acteurs d'une guerre ? Toutes ces questions auxquelles il est presque impossible de répondre sont au coeur du film de Wargnier et en font toute la profondeur.

En habitué de cette période et de ces thèmes qui semblent l'obséder, Wargier livre un film élégant et sobre dont on retiendra la prestation de Personnaz, qui colle au personnage avec talent, ainsi que la scène du passage de la frontière après l'évacuation de l'ambassade de France. Cette scène de quelques minutes prend des allures d'épopée haletante !

Le temps des aveux est un film historique empreint de psychologie, dont la sobriété ne diminue en rien la puissance des émotions parfois contradictoires qui animent les personnages. Une réussite !

♥♥♥

Le Temps des Aveux, Régis Wargnier (sortie le 17 décembre 2014)

Avec Raphaël Personnaz, Kompheak Phoeung, Olivier Gourmet - France - 1h35

Synopsis

Cambodge, 1971. Alors qu’il travaille à la restauration des temples d’Angkor, François Bizot, ethnologue français, est capturé par les Khmers rouges. Détenu dans un camp perdu dans la jungle, Bizot est accusé d’être un espion de la CIA. Sa seule chance de salut, convaincre Douch, le jeune chef du camp, de son innocence. Tandis que le français découvre la réalité de l'embrigadement des Khmers rouges, se construit entre le prisonnier et son geôlier un lien indéfinissable…

Avec Astier aux commandes, on s'attend à du lourd avec cette nouvelle adaptation des aventures de notre gaulois préféré ! D'autant que le retour au format animé rend possible toutes les folies et autres gags très visuels. On s'en réjouissait d'avance... et finalement ben bof.

Si le résultat est plus qu'honorable, on est quand même bien loin de l'avalanche de fun que ce projet aurait dû déclencher. Pour tout dire j'ai vu ce film en décembre dans une salle quasi pleine, à moitié remplie de gamins. Eh bien la projection s'est déroulée dans un silence presque religieux d'où les rires étaient absents...

Le pari est toutefois loin d'être raté pour Astier et Clichy, car si le film étonne par son classicisme (on est loin de l'ambiance folle à la Chabat !), il parvient néanmoins à insuffler un peu de modernité chez nos gaulois et constitue une adaptation de bonne facture. Les dialogues sont incisifs et il ne manque sans doute qu'un rythme un peu plus adapté pour faire réellement rire. L'animation quant à elle donne vie aux dessins d'Uderzo avec une fidélité bluffante !

A voir en famille pour présenter Astérix aux plus jeunes. Les adultes non accompagnés préfèreront quant à eux revoir Astérix et Cléopâtre, le plus drôle de la série !

★★☆☆☆

Astérix et le Domaine des Dieux, Louis Clichy & Alexandre Astier (sortie le 26 novembre 2014)

Avec (les voix de) Roger Carel, Guillaume Briat, Lorant Deutsch, Laurent Lafitte, Alexandre Astier, Alain Chabat, Elie Semoun, Géraldine Nakache, François Morel, Florence Foresti - France - 1h26

Synopsis

Nous sommes en 50 avant Jésus-Christ ; toute la Gaule est occupée par les Romains… Toute ? Non ! Car un village peuplé d'irréductibles Gaulois résiste encore et toujours à l'envahisseur. Exaspéré par la situation, Jules César décide de changer de tactique : puisque ses armées sont incapables de s’imposer par la force, c’est la civilisation romaine elle-même qui saura séduire ces barbares Gaulois. Il fait donc construire à côté du village un domaine résidentiel luxueux destiné à des propriétaires romains. : « Le Domaine des Dieux ». Nos amis gaulois résisteront ils à l’appât du gain et au confort romain ? Leur village deviendra-t-il une simple attraction touristique ? Astérix et Obélix vont tout faire pour contrecarrer les plans de César.

Pénalisé par une date de sortie peu engageante au moment des fêtes, Fidelio est passé un peu inaperçu sur les écrans et c'est bien dommage tant ce film déborde d'une fraîcheur et d'un pep's revigorants ! S'il est sans doute trop tard pour le découvrir en salles (mais le cas échéant, foncez !), guettez sa sortie DVD/VOD/TV, qui se fera sans doute aussi sans tambour ni trompettes...

Alice est mécanicienne dans la marine marchande et de mission en mission, passe plus de temps en mer qu'à terre. Si cette contrainte est intégrée depuis belle lurette lorsque cela concerne les hommes, que l'on targue d'avoir "une femme dans chaque port", c'est un sujet très peu abordé au cinéma sous l'angle féminin. Et bon sang ce que ça fait du bien, un film dont l'héroïne est une femme, maîtresse de sa sexualité qui plus est, et épanouie dans la diversité de ses partenaires, le tout filmé avec bienveillance et humour !!

Car le coeur d'Alice balance entre son compagnon terrestre et son amant des mers. Les deux univers sont si séparés qu'ils lui permettent aisément d'avoir "plusieurs lignes de coeur", comme c'est dit dans le film. La réalisatrice fait évoluer son personnage entre plusieurs désirs, plusieurs hommes, et une carrière qu'elle développe avec conviction, et pose un regard sans jugement ni angélisme sur les décisions, bonnes ou mauvaises, qu'elle prend. Alice fait ce qui lui plait, sans que cela soit perçu comme un signe de mal-être ou de dépravation !

Entre les bourrasques d'une mer déchaînée et l'ennui plat d'une mer d'huile, Alice se cherche et oscille de bâbord à tribord entre les hommes de sa vie. Elle finira par se trouver, comme tout un chacun, au terme de son odyssée. Fidelio est un film revigorant qui fait du bien et qui se démarque dans le paysage cinématographique actuel, voilà la petite révolution menée par Lucie Borleteau avec son premier film ! Une réalisatrice prometteuse dont le sens du récit transpire dans ce film que l'on espère le premier d'une longue série !

★★★★☆

Fidelio, l'Odyssée d'Alice, Lucie Borleteau (sortie le 24 décembre 2014)

Avec Ariane Labed, Melvil Poupaud, Anders Danielsen Lie - France - 1h37

Synopsis

Alice, 30 ans, est marin. Elle laisse Félix, son homme, sur la terre ferme, et embarque comme mécanicienne sur un vieux cargo, le Fidelio. A bord, elle apprend qu’elle est là pour remplacer un homme qui vient de mourir et découvre que Gaël, son premier grand amour, commande le navire.
Dans sa cabine, Alice trouve un carnet ayant appartenu à son prédécesseur. La lecture de ses notes, entre problèmes mécaniques, conquêtes sexuelles et mélancolie amoureuse, résonne curieusement avec sa traversée. Au gré des escales, au milieu d’un équipage exclusivement masculin, bercée par ses amours qui tanguent, Alice s’expose au bonheur de tout vivre à la fois et tente de maintenir le cap…

Mr Turner est de ces films où l'ont se demande ce qui a bien pu passer par la tête de son réalisateur pour qu'il se lance dans sa création... Enfin en l'occurrence on comprend très vite l'admiration que Leigh semble vouer au peintre tant ses images, plans imitatifs de tableaux en mouvement, sont magnifiques !

C'est là d'ailleurs que réside tout l'intérêt du film : ses splendides jeux de lumière, palette de couleurs et effets visuels. Esthétiquement, Mr Turner est un véritable chef-d'oeuvre qui fait honneur à l'artiste dont il retrace la vie !

En termes de scénario en revanche, c'est une autre affaire... le personnage de Turner n'ayant guère de consistance et encore moins une vie particulièrement marquante. De banalité en platitudes, on le suit sur environ 25 ans, entre grognements bourrus et grandiloquence de pinceau dans les mornes allées et venues qui ont jalonné la dernière partie de sa vie.

Le sujet du film n'est bien sûr pas tant la biographie du peintre (il y a si peu à dire) que cette idée de déclin, de temps qui passe et de nostalgie que Mike Leigh avait déjà abordée dans son précédent film, Another Year (2010). Le choix de Turner est certainement lié à celui d'une époque, d'un personnage emblématique de la fin d'une ère en pleine décadence et qui arrive trop tard pour parvenir à se renouveler pour suivre son époque. L'une des dernières scènes illustre d'ailleurs cela à la perfection, lorsque le peintre se retrouve devant un appareil photo, comprenant l'impact que cette nouvelle technique aura sur la peinture. Cette scène, dont la dimension universelle et historique déborde d'une émotion contenue, est particulièrement réussie et mérite de figurer parmi les meilleures scènes de 2014. Le reste du film malheureusement, en est loin. Trop didactique et rasant, il se perd dans les détails biographiques au lieu d'aller vers l'universel. Dommage !

★★☆☆☆

Mr Turner, Mike Leigh (sortie le 3 décembre 2014)

Avec Timothy Spall, Paul Jesson, Dorothy Atkinson - GB - 2h30

Synopsis

Les dernières années de l’existence du peintre britannique, J.M.W Turner (1775-1851). Artiste reconnu, membre apprécié quoique dissipé de la Royal Academy of Arts, il vit entouré de son père qui est aussi son assistant, et de sa dévouée gouvernante. Il fréquente l’aristocratie, visite les bordels et nourrit son inspiration par ses nombreux voyages. La renommée dont il jouit ne lui épargne pas toutefois les éventuelles railleries du public ou les sarcasmes de l’establishment. A la mort de son père, profondément affecté, Turner s’isole. Sa vie change cependant quand il rencontre Mrs Booth, propriétaire d’une pension de famille en bord de mer.

Avec Cold in July, l'étrange Mickle sort du registre fantastico-gore pour aller vers le public plus vaste du polar, mais il n'abandonne pas son sujet de prédilection pour autant, l'analyse de la pourriture qui ronge l'American Dream pour peu que l'on gratte un peu sous la surface.

Le thème est un classique auquel on peut toujours faire dire beaucoup et c'est avec une curiosité titillée par le mulet et la bagnole de Michael C. Hall, l'ambiance 80's et l'atmosphère de polar bien noir que l'on plonge dans cet étonnant polar.

La vie de Richard Dane, encadreur bien carré de son état, va échapper au chemin minutieusement tracé qu'il s'était fixé, le jour où dans un élan de panique au faux air de légitime défense, il abat un cambrioleur dans son salon.

Ce premier éclat dans le vernis du quotidien va aiguiser sa curiosité et en ammener d'autres si bien que rapidement notre bon père de famille soumis et dévirilisé par une épouse revèche et castratrice, va découvrir la liberté, la vraie, celle bien crade que l'on camoufle soigneusement sous le tapis de la civilisation.

Empreint de ce discours un peu rance sur le ton de "tu seras un homme mon fils" lorsque tu seras capable de tuer ton prochain sans te pisser dessus, Cold in July déçoit par la facilité dans laquelle il tombe dès lors qu'il s'agit de définir ce qui se cache sous le vernis des convenances. Discours viriliste franchement lassant où la libération du héros écrasé par le poids des conventions qu'il subit, passe par la violence plutôt que par le questionnement de ses propres choix.

Si le sujet est plus fin qu'il n'y parait, son illustration quant à elle est décevante de banalité. Compilation synthétique de tout ce qui se fait en ce moment en termes de polar. Du snuff movie à la reconstitution des 80's, nostalgie que l'on voit fleurir un peu partout sur les écrans et qui commence à lasser un brin. Cold in July est malheureusement un polar raté qui ne se donne pas les moyens de son ambition. On attendait Mickle à un autre niveau, avec un peu plus de noirceur ou un peu plus de nuances que cet amas de clichés qui largue le spectateur en cours de route.

★★☆☆☆

Cold in July, Jim Mickle (sortie le 31 décembre 2014)

Avec Michael C. Hall, Don Johnson, Sam Shepard - USA - 1h49

Synopsis

1989. Texas. Par une douce nuit, Richard Dane abat un homme qui vient de pénétrer dans sa maison. Alors qu’il est considéré comme un héros par les habitants de sa petite ville, il est malgré lui entraîné dans un monde de corruption et de violence.

Gros coup de coeur de début d'année pour La Terre Éphémère, dont la force tranquille submerge d'une émotion parfois incongrue mais puissante.

Film contemplatif dont les dialogues sont quasiment absents (et où ceux qui restent sont des dialogues de sourds entre personnes ne parlant pas la même langue), La Terre Éphémère raconte le cycle de la vie qui comme l'eau du fleuve va et vient, sans justice ni rédemption.

Presque ornithologique dans son approche, George Ovashvili dépouille son film de tout le superflu pour amener, non pas une forme de pureté mais d'essentialisme, où l'homme accomplit un rituel séculaire dont il ne maîtrise pas grand chose. Partie intégrante du cycle de la vie et des saisons, il n'a aucune prise sur son passage sur terre et ses vaines tentatives de contrôler son environnement sont à l'image des gardes frontière dont la présence menaçante rythme le film et qui sont comme des enfants jouant aux soldats sur un territoire qui ne leur appartient pas.

D'une poésie infinie, La Terre Éphémère surprend le spectateur par un regard distancié auquel on n'est pas habitué. Le regard se perd ainsi petit à petit dans les plus infimes détails, des rides du visage du vieil homme aux éléments de la nature environnante ou à la lumière fragile qui danse à l'écran.

Allez voir La Terre Éphémère, c'est un conte magnifique qui garantit un moment de lâcher prise intense, salutaire dans nos quotidiens. Un film qui marque et une expérience qui vaut d'être vécue.

★★★★☆

La Terre Éphémère (Simindis kundzuli), George Ovashvili (sortie le 24 décembre 2014)

Avec İlyas Salman, Mariam Buturishvili, Irakli Samushia - Géorgie - 1h40

Synopsis

Sur le fleuve Inguri, frontière naturelle entre la Géorgie et l’Abkhazie, des bandes de terres fertiles se créent et disparaissent au gré des saisons.
Un vieil Abkaze et sa petite fille cultivent du maïs sur une de ces îles éphémères.
Le lien intense qui les lie à la nature est perturbé par les rondes des garde-frontières.

Atom Egoyan, familier des grands espaces canadiens et des films introspectifs où un secret du passé ressurgit et bouleverse les rouages d'une communauté, revient (j'allais dire après quelques années mais apparemment il a fait 3 films direct-to-DVD depuis le dernier sorti en salles, Adoration en 2008...) avec ce qui aurait dû être un peu la quintessence de son oeuvre tant il aborde tous les thèmes qui lui sont chers.

Captives retrace l'histoire de Cassandra, kidnappée à 10 ans par un réseau pédophile et maintenue en captivité pendant des années. Le film présente en parallèle de son histoire, celle de ses ravisseurs, de ses parents et de l'enquêtrice chargée de la retrouver. Le thème laisse entrevoir un drame aux allures de thriller glaçant, au plus près des personnages et de leur psychologie... on en est malheureusement bien loin.

Le scénario, étalé sur plusieurs années, suit une narration non-linéaire qui avance par bonds successifs, en avant ou en arrière, passant d'un personnage à l'autre de façon décousue, si bien que l'on finit par perdre le fil et ne plus savoir à quel moment on se situe.

Bien loin de la force dont il est capable, Egoyan se perd entre un récit confus et un scénario improbable dont chaque piste intéressante restera inexploitée. Les acteurs n'ont guère l'air de mieux comprendre où ils vont tant ils sont peu inspirés par les personnages sans consistance qu'ils incarnent.

En résumé, Captives est l'un de ces films Ni-Ni : ni polar, ni drame, ni thriller, ni pas grand chose finalement... Restent toutefois les splendides paysages enneigés qu'Egoyan filme toujours aussi bien.

Grosse déception pour ce film, présenté à Cannes on ne sait trop pourquoi, mais qui aura au moins le mérite de donner la féroce envie de revoir "De Beaux Lendemains".

★☆☆☆☆

Captives, Atom Egoyan (sortie le 7 janvier 2015)

Avec Ryan Reynolds, Scott Speedman, Rosario Dawson - Canada - 1h52

Synopsis

Huit ans après la disparition de Cassandra, quelques indices troublants semblent indiquer qu'elle est toujours vivante. La police, ses parents et Cassandra elle-même, vont essayer d'élucider le mystère de sa disparition.

Décidément, le polar français de reconstitution a le vent en poupe en ce moment ! Quelques semaines après le très réussi La French, voilà qu'on a droit à la traque du premier tueur en série français démasqué grâce à son ADN, Guy Georges.

Et bien moi qui y allais un peu en traînant les pieds (le french polar peut produire de très bonnes choses mais les ambiances à la Julie Lescaut qui débitent un cliché à la minute, c'est pas ça qui manque sur les écrans et on s'en passe allègrement) j'ai été plus que convaincue par ce thriller dont la puissance émotionnelle et narrative décoiffe vigoureusement !

L'Affaire SK1 en effet, s'en sort haut la main et tient le spectateur en haleine pendant 2h, bien que le dénouement soit connu de tous. Il faut dire que depuis près de 20 ans, on a un peu oublié le contexte, la longueur de la traque avant qu'elle n'éclate dans les médias et les incroyables fausses pistes et coïncidences qui ont jalonné l'enquête. Cette enquête, tentaculaire et absolument passionnante, constitue un matériau de premier choix pour une adaptation au cinéma tant elle permet la mise en lumière de sujets variés et riches. On découvre, tantôt atterré, tantôt admiratif, les rouages de l'administration judiciaire ou les coulisses des réflexions des avocats de la défense ; on fait corps avec les personnages, jusqu'à celui de Guy George, interprété par un Adama Niane au charisme terrifiant.

L'ambiance du Quai des Orfèvres et les rivalités mesquines entre équipes sont un autre aspect fort, auquel Raphaël Pesonnaz (que décidément on voit partout en ce moment et avec toujours autant de plaisir) donne une dimension plus humaine à l'émotion à fleur de peau. Comment ne pas être emporté par les montées de tensions et dévasté par les culs de sac qui jalonnent les recherches ?

Par la tension qu'il distille et son rythme, tantôt pesant, tantôt proche de la tachycardie, mais aussi par l"humanité dont il est imprégné, SK1 rappelle le Zodiac de Fincher. Et il tient la comparaison sans rougir. Quand le thriller français se hisse au niveau des succès américains, ça redonne de l'espoir pour la production française à venir ! Il y a une vie hors EuropaCorp, une place pour un cinéma français grand public et de qualité !! Tous les espoirs sont désormais permis...

Reste maintenant, après ces jolis succès inspirés de faits réels, à lâcher un peu la bride de nos scénaristes talentueux pour qu'enfin on puisse voir ce genre de cinéma, vif et inspiré, servi par un scénario original ! Car même si la reconstitution des 90's est vraiment réussie, jusqu'au grain de l'image qui se fond parfois dans les images d'archives et si la nostalgie fonctionne à fond en ce moment, quoi de mieux qu'un bon thriller, palpitant et inédit ?

♥♥♥♥

L'Affaire SK1, Frédéric Tellier (sortie le 7 janvier 2015)

Avec Raphaël Personnaz, Nathalie Baye, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz, Adama Niane, Thierry Neuvic, William Nadylam - France - 2h00

Synopsis

Paris, 1991. Franck Magne, un jeune inspecteur fait ses premiers pas à la Police Judiciaire, 36 quai des Orfèvres, Brigade Criminelle. Sa première enquête porte sur l’assassinat d’une jeune fille. Son travail l’amène à étudier des dossiers similaires qu’il est le seul à connecter ensemble. Il est vite confronté à la réalité du travail d’enquêteur : le manque de moyens, les longs horaires, la bureaucratie… Pendant 8 ans, obsédé par cette enquête, il traquera ce tueur en série auquel personne ne croit. Au fil d’une décennie, les victimes se multiplient. Les pistes se brouillent. Les meurtres sauvages se rapprochent. Franck Magne traque le monstre qui se dessine pour le stopper. Le policier de la Brigade Criminelle devient l’architecte de l’enquête la plus complexe et la plus vaste qu’ait jamais connu la police judiciaire française. Il va croiser la route de Frédérique Pons, une avocate passionnée, décidée à comprendre le destin de l’homme qui se cache derrière cet assassin sans pitié. Une plongée au cœur de 10 ans d’enquête, au milieu de policiers opiniâtres, de juges déterminés, de policiers scientifiques consciencieux, d’avocats ardents qui, tous, resteront marqués par cette affaire devenue retentissante : « l’affaire Guy Georges, le tueur de l’est parisien ».

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