Des petits bouts d'éternité

Sur le papier, le projet de Nicloux avait de quoi déconcerter. Réunir deux monstres sacrés du cinéma français dans la Vallée de la Mort pour une mise en abîme qui frôle parfois l’obscénité autour d'un scénario aussi tiré par les cheveux, le pari était loin d'être gagné...

Et pourtant, devant l'écran tous les doutes s'effacent et c'est dans un état proche de l'hypnose que l'on suit les acteurs interpréter ce qui pourrait passer pour leur propre vie dans un univers parallèle. Gérard et Isabelle interprètent Gérard et Isabelle, couple à la vie comme à l'écran que le temps a séparé depuis longtemps et dont la réalité et les fictions s'entremèlent.

Les deux acteurs sont si familiers aux cinéphiles que l'on a l'impression de les connaître et Guillaume Nicloux, qui ne doit pas faire exception à la règle, joue de ce sentiment pour leur faire interpréter leur vie imaginaire.

Le prétexte à leurs retrouvailles est surtout cela, un prétexte. Mais ce fils suicidé, qui dans ses dernières volontés convoque ses parents dans la vallée de la mort avec la promesse de réapparaitre, confère aux paysages une ambiance mystérieuse et fantastique. Le silence y est si dense qu'il suffit d'une voiture à l'allure un peu rapide ou d'un chien égaré pour que l'on sursaute d'effroi. Cette atmosphère participe à la fascination qui s'exerce sur le spectateur. Et dans cette chaleur moite et glacée, on regarde évoluer ces corps si opposés l'un à l'autre et pourtant si proches et l'on redécouvre avec eux une intimité que l'on a l'impression d'avoir toujours connue.

Les dialogues, de banalités en digressions, alimentent ce sentiment de proximité illusoire et apportent la touche finale au tableau surréaliste conçu par Nicloux. Et lorsque le rêve éveillé s'achève, il s'évapore presque aussitôt, laissant le spectateur incertain de ce à quoi il vient d'assister.

Déroutant et hypnotique, Valley of Love est empreinte de cette mélancolie dont sont parfois faits les songes... 

★★★★☆

Valley of Love, Guillaume Nicloux (sortie le 17 juin 2015)

Avec Isabelle Huppert et Gérad Depardieu - France - 1h32

Synopsis
Isabelle et Gérard se rendent à un étrange rendez-vous dans la Vallée de la mort, en Californie. Ils ne se sont pas revus depuis des années et répondent à une invitation de leur fils Michael, photographe, qu'ils ont reçue après son suicide, 6 mois auparavant. Malgré l'absurdité de la situation, ils décident de suivre la programme initiatique imaginé par Michael...

De retour devant la caméra où il prend pour une fois la place de son frère Denis, c'est un Bruno Podalydès plein de pep's et d'humour que l'on retrouve avec bonheur !

Quinquagénaire en pleine crise,  Michel se prend d'une passion inattendue pour le kayak, substitut palindromique et accessible à l'aéropostale qui le fait rêver depuis toujours. Du toit de son appartement à une modeste rivière de la région parisienne, il n'y a qu'un petit détour en Smart que son épouse l'aide à parcourir, avec une bienveillance un brin moqueuse. Débute alors une odyssée au ralenti, un voyage extraordinaire de près de 4 km...

Car l'aventure de Michel le mène bien vite à son paradis perdu, une petite guinguette pleine de charme, véritable îlot hors du temps où résonne le chant de sirènes que les marins connaissent bien.

Avec ce voyage initiatique plein de poésie et d'humour, notre héros reprend vie et redécouvre qui il est. Aventurier en eaux calmes, c'est captif de son petit havre de paix qu'il finira par comprendre que la magie d'un voyage ne réside pas forcément dans sa destination.

Bruno Podalydès est plus attachant que jamais dans ce rôle qui lui va comme un gant, faisant de son film un moment de joyeuse mélancolie comme on aimerait tellement en voir plus souvent... Le cinéma français dans tout ce qu'il peut produire de mieux !

Son odyssée miniature est un film drôle, émouvant et bourré de poésie et de finesse ! Un vrai petit bijou de fraîcheur à déguster sans tarder !!

★★★★☆

Comme un Avion, Bruno Podalydès (sortie le 10 juin 2015)

Avec Bruno Podalydès, Agnès Jaoui, Vimala Pons, Sandrine Kiberlain, Denis Podalydès - France - 1h45

Synopsis

Michel, la cinquantaine, est infographiste. Passionné par l'aéropostale, il se rêve en Jean Mermoz quand il prend son scooter. Et pourtant, lui‐même n’a jamais piloté d’avion…
Un jour, il tombe en arrêt devant des photos de kayak : on dirait le fuselage d’un avion. C'est le coup de foudre. En cachette, il achète un kayak à monter soi‐même...

J'avoue avoir un peu de mal à savoir quoi penser réellement du film de Diastème...

D'un côté on a la tentative inédite de dresser le portrait d'une extrême-droite à la française. En racontant l'histoire d'un skinhead, facho de base, colleur d'affiche violent et bas de plafond, on obtient un aperçu de l'évolution des idées nationalistes depuis leur réapparition dans les années 80 jusqu'à aujourd'hui. Rien de bien neuf dans le constat que parmi les origines des mouvements pro-famille et autres défilés anti-mariage pour tous, il y a des antécédents bien puants, mais à l'heure où ces idées se sont largement démocratisées et commencent à s'ancrer dans des discours banals qui vont même au-delà du front national, il est toujours intéressant de rappeler d'où elles viennent.

Cette fresque de la haine à travers les âges et l'évolution du personnage principal sont les atouts indéniables du film, et la remise dans son contexte sur le long terme du discours nationaliste est une démarche intéressante qui vaut à elle seule le déplacement.

D'un autre côté, cinématographiquement parlant, on a un peu l'impression que Diastème, sa bonne idée en poche, n'a pas vraiment cherché plus loin que ça pour tenter de l'illustrer avec un peu de style.

Alors oui le parcours du héros permet une sorte de fresque historique et la reconstitution des époques successives est vraiment réussie. L'ambiance est parfaitement retranscrite et les inserts de programme TV en guise de marqueurs temporels vraiment efficaces. Mais c'est tout.

On suit donc l'évolution de Marco, de sa période ratonnade et meetings FN, jusqu'à l'âge de la rédemption et du bénévolat auprès de SDF immigrés, sans que son émancipation intellectuelle ne prenne beaucoup de sens. J'ai beaucoup de mal à croire à une telle évolution dans ses idées lorsque l'on évolue toute sa vie dans un milieu pareil... Et c'est là l'un des problèmes du film de Diastème : il ne dépasse jamais vraiment le stade de la caricature et tous ses personnages, plutôt que de développer une crédibilité qui leur serait propre, ne sont que purement illustratifs et donc excessivement basiques.

C'est d'autant plus regrettable que les interprètes, Alban Lenoir en tête, sont vraiment très bons. Seulement voilà, on aimerait tous que les choses soient aussi simple que le fasciste bête et méchant, mais c'est quand même souvent un peu plus complexe que ça.

Au niveau de la réalisation c'est un peu pareil, pas vraiment de personnalité mais du basique de bout en bout. De la caméra à l'épaule, des gros plans, des ellipses qui donnent parfois le tournis, et rien de bien transcendant.

Du coup Un Français se retrouve un peu le cul entre deux chaises : intéressant dans son propos mais chiant dans sa forme. Pas sûr du coup qu'il ait un grand impact sur qui que ce soit en fin de compte, et c'est bien dommage !

 ★★☆☆☆

Un Français, Diastème (sortie le 10 juin 2015)

Avec Alban Lenoir, Lucie Debay, Samuel Jouy, Paul Hamy - France - 1h38

De prime abord, Maggie intrigue. Le film de Zombie traité comme un drame pour emmener ce genre vers un grand public peu amateur de sensations fortes au cinéma, c'est un pari intéressant, qui peut donner un film très réussi ! Malheureusement lorsque l'on découvre un complet inconnu (Henry Hobson signe là son premier film) aux commandes d'un film au budget conséquent et avec Schwarzenegger à l'affiche... on comprend rapidement qu'il s'agit là d'un film de studio, ce qui n'augure pas du meilleur...

Loin de moi l'idée qu'on ne puisse pas faire de bon film ciblé grand public ! Il y a d'excellents blockbusters qui prouvent le contraire et dans la catégorie zombie familial, World War Z était vraiment excellent. Seulement il faut en général quelqu'un de solide aux commandes, pour imposer sa patte et résister au calibrage des studios.

Avec Maggie, Hobson tente donc d'emmener l'univers des morts-vivants vers un public plus large et pour cela il base son intrigue non pas sur l'apocalypse ni sur les attaques de zombie mais sur la période de transition de son personnage. Maggie est contaminée et vivra ses derniers jours dans un entre-deux hésitant, entre le monde des vivants dont elle se détache et celui des morts qu'elle n'a pas encore rejoint.

Dit comme ça on comprends aisément qu'il s'agit d'une métaphore assez peu subtile de l'adolescence, et en effet le film affiche ces airs éthérés et mélancoliques que l'on a pas mal vu sur les écrans ces derniers temps pour des films du même genre et avec divers degrés de réussite (on pense au très beau How I Live Now, à The Spectacular now ou encore à Electrik Children dont on retrouve ici la palette de couleurs un peu délavées). L'idée est bonne et le contexte intéressant. Et puis Abigail Breslin est vraiment parfaite en ado désabusée et le bourru Schwarzie est étonnamment très à sa place dans le rôle du père pas encore tout à fait résigné à laisser partir sa fille.

Malheureusement il devient assez rapidement évident que le réalisateur n'a rien à dire... Trop jeune ? Trop cadré par les studios ? Peu importe en définitive mais on regrette ce manque de propos et de profondeur pour un film qui aurait pu exprimer tellement plus que ça. On se retrouve finalement devant un film qui tourne en rond et recycle ses propres scènes à défaut de faire progresser ses personnages. La vaine tentative d'insuffler du suspense quant au sort de Maggie, que l'on sait pourtant inéluctable et qui dès lors repose uniquement sur la façon dont elle mourra, est au mieux complètement vain, au pire de très mauvais goût.

Déception mitigée pour ce film un peu raté qui, de l'ambiance douce et mélancolique au talent de ses acteurs, avait toutes les cartes en main pour devenir autre chose que cette fable tiède.

★★☆☆☆

Le sujet est polémique mais Bellefroid évite judicieusement les écueils de la revendication frontale pour naviguer entre émotion et naïveté. Avec beaucoup de subtilité, il raconte l'histoire de deux destins plus qu'il n'illustre un sujet d'actualité.

On comprend à demi-mot au travers de l'histoire des deux femmes tout l'imbroglio légal et émotionnel qui entre en jeu lorsque l'on a recours à une mère porteuse. Les actrices, filmées en plans serrés dans le huis clos au sein duquel évoluent leurs personnages, restent justes et pleines de pudeur. Et c'est ainsi que Melody nous happe dans son histoire...

Jeune paumée pleine de rêves, elle propose de louer son corps pour gagner de quoi financer son salon de coiffure. De l'autre côté de la manche, Emily tente de se remettre du cancer qui lui a coûté son utérus. Les deux femmes sont unies par l'enfant de l'une que porte l'autre et pour toutes les deux la maternité comme planche de salut.

La réussite du réalisateur tient à son parti-pris et sa volonté de s'ancrer dans la fiction : loin de théoriser un sujet pourtant brûlant de controverse, il raconte ici une histoire singulière, comme le sont certainement toutes celles des personnes pouvant avoir recours à la GPA. Il fait ainsi de Melody un film juste et sensible, qui questionne moins le concept de grossesse pour autrui, qui est bel et bien une réalité depuis fort longtemps, légale ou non, que celui de la maternité, de l'identité et de la façon dont on se construit.

Émouvant et jamais lourd, une jolie découverte.

★★☆☆☆

Melody, Bernard Bonnefroid (sortie le 6 mai 2015)

Avec Rachael Blake, Lucie Debay, Don Gallagher - Belgique - 1h32

Projeté à Strasbourg dans le cadre du Festival du Film LGBTI 2015

Synopsis

Melody, modeste coiffeuse à domicile, est prête à tout pour réaliser son rêve : ouvrir son propre salon de coiffure. Contre une importante somme d'argent, elle accepte de porter le bébé d'une autre et rencontre Emily, riche Anglaise qui cherche désespérément à en avoir un...

Assez peu familière du cinéma de Philippe Garrel je me suis dit que son Ombre des Femmes serait l'occasion de confronter mes préjugés à la réalité. Eh ben autant le dire tout net, je n'ai pas été déçue !

Je n'avais vu que des commentaires élogieux au sujet du film, présenté à Cannes cette année (15aine des réalisateurs) et puis j'aime beaucoup Clotilde Courau qui se fait très rare sur les écrans, j'y allais donc avec un esprit plutôt positif. A moi le grand cinéma français !

Autant dire que le revers fut brutal... Le cinéma français d'exception aujourd'hui, c'est ça ? Un vieux réalisateur qui nous sort une histoire d'adultère de 1965 comme si c'était la vie, en déroulant un cliché par minute dans un noir et blanc fadasse ?! Non mais vraiment les bras m'en tombent ! Une vraie caricature : tout y est, même la voix off monocorde

Un homme, une femme, des artistes, la bohème, il la trompe, elle le trompe aussi, il l'apprend, il fait un scandale, elle encaisse, ils se séparent, il mange du riz nature parce que c'est ce que mangent les hommes quand leur femme n'est pas là, ils s'aiment, ils se réconcilient parce que quand même c'est trop bête. C'est pathétique de bout en bout tant le vide scénaristique est comblé avec des lieux communs.

Je ne sais pas ce qui est le plus affligeant, du scénario tout droit sorti de la poche d'hibernatus ou de l'interprétation des acteurs, qui déambulent mollement avec un air inspiré / torturé / pensif. Le noir et blanc ne fait que rajouter une couche : on filme la misère avec un noir et blanc délavé, sans personnalité ni relief, tandis que les femmes dont il est question dans le titre affichent, bouche entrouverte de préférence, un regard enamouré qui frôle la catatonie.

Bref le seul point positif de ce film pompeux et insupportable, c'est qu'il ne dure qu'1h13...

★☆☆☆☆

L'Ombre des Femmes, Philippe Garrel (sortie le 27 mai 2015)

Avec Stanislas Merhar, Clotilde Courau, Lena Paugam et la voix de Louis Garrel - France - 1h13

Synopsis

Pierre et Manon sont pauvres. Ils font des documentaires avec rien et ils vivent en faisant des petits boulots. Pierre rencontre une jeune stagiaire, Elisabeth, et elle devient sa maîtresse. Mais Pierre ne veut pas quitter Manon pour Elisabeth, il veut garder les deux. Un jour Elisabeth, la jeune maîtresse de Pierre, découvre que Manon, la femme de Pierre, a un amant. Et elle le dit à Pierre… Pierre se retourne vers Manon parce que c’est elle qu’il aimait. Et comme il se sent trahi, il implore Manon et délaisse Elisabeth. Manon, elle, rompt tout de suite avec son amant. On peut supposer que c’est parce qu’elle aime Pierre.

Je suis allée voir Still Alice en sachant que j'allais plutôt vider un paquet de mouchoirs que rire aux éclats...

Et en effet, l'histoire d'Alice a un énorme potentiel lacrymal, mais parvient à ne jamais tomber dans le mélo larmoyant, se contentant de dresser le portrait émouvant et sobre d'une femme atteinte d'une forme précoce de la maladie d'Alzheimer.

La force du film réside non pas dans son sujet, que la lecture d'un article de Wikipedia ou le visionnage d'un sujet d'envoyé spécial nous permettra aisément de cerner, mais repose tout entier sur le personnage d'Alice et surtout dans l'admirable performance de Julianne Moore.

On en apprendra en effet bien peu sur la maladie d'Alzheimer (tout du moins si l'on n'a pas vécu dans une grotte depuis 20 ans) et la façon dont cela modifie les rapports familiaux et sans le choix de l'actrice, le film n'aurait guère retenu l'attention.

Car c'est bien l'interprétation de Julianne Moore qui fait toute la force du film : un portrait doux et touchant qui met en lumière ce qu'il reste lorsque la raison fout le camp... l'amour des siens.

★★☆☆☆

Still Alice, Richard Glatzer (sortie le 18 mars 2015)

Avec Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth - USA - 1h39

Synopsis

Mariée, heureuse et mère de trois grands enfants, Alice Howland est un professeur de linguistique renommé. Mais lorsqu’elle commence à oublier ses mots et qu’on lui diagnostique les premiers signes de la maladie d’Alzheimer, les liens entre Alice et sa famille sont mis à rude épreuve. Effrayant, bouleversant, son combat pour rester elle-même est une magnifique source d’inspiration.

Assez peu familière des travaux du célèbre thérapeute mais néanmoins intéressée par le sujet, je comptais sur le film de Sabine Gisiger pour en apprendre plus sur ses méthodes et sa vision du métier.

Mais autant le dire tout de suite : ce ne fût pas le cas.

Si le film est loin d'être ennuyeux (il faut dire que Yalom est un personnage fichtrement attachant) et permet de faire connaissance avec l'homme, le mari et le père de famille, on regrette que le documentaire soit aussi orienté sur l'environnement personnel et ne s'attarde pas plus sur l'environnement professionnel et les recherches de Yalom.

Le film ne semble en effet s'adresser qu'à des spectateurs déjà familiers de ses travaux et souhaitant en découvrir les coulisses. De ce point de vue là, l'objectif est certainement rempli !

Mais pour ma part, je ne me suis sentie que peu concernée et ai même piqué un petit roupillon fort agréable, bercé par le son hypnotique de certaines scènes new age sur fond de vagues et de cocotiers.

Le seul mérite du film aura été de quitter la salle bien reposée, avec l'envie de lire ses ouvrages.

★☆☆☆☆

Irvin Yalom : la thérapie du bonheur, Sabine Gisiger (sortie le 20 mai 2015)

Documentaire - avec la famille Yalom - USA / France / Suisse

Synopsis

Irvin Yalom, professeur émérite de psychiatrie à l’Université de Stanford est également auteur de nombreux romans pédagogiques, devenus des best-sellers. Nous suivons Irvin Yalom dans son quotidien, dans son rôle de mari, de père et également en sa qualité de psychothérapeute. Irvin Yalom revendique une thérapie existentielle, nous éclairant sur nos doutes, nos angoisses, notamment sur notre rapport à la mort et sur le sens de la vie, questions à la fois intimes, personnelles mais néanmoins universelles et nous guide, en instaurant une relation forte avec son patient, vers le bonheur. 

Les films catastrophe et moi, c'est une grande et longue histoire d'amour, qui a commencé très jeune avec La Tour Infernale et n'a fait que croitre depuis au fur et à mesure que les effets spéciaux permettaient des scènes de plus en plus impressionnantes. Ah Twister et ses tornades, Deep Impact et ses météorites, Le Pic de Dante et son volcan, Le Jour d'Après et sa tempête de glace... Quel bonheur !

Le 2012 d'Emmerich quant à lui n'est que caricature grossière, mais la scène de destruction de Los Angeles et son donut fou vaut à elle seule le visionnage du film !

Bref, impossible donc de ne pas jeter un œil avide du côté du dernier venu, dont le titre annonce rien de moins que le Big One, auquel il semblait jusqu'ici difficile de se frotter.

Et force est de constater que Brad Peyton a beau être inconnu au bataillon, il n'y va pas par quatre chemins ! Tremblements de terre, destructions massives, du Hoover Dam à San Francisco tout entière : tout y passe, y compris un tsunami géant déferlant sur le Golden Gate Bridge !  Les effets sont saisissants (pas évident de montrer la terre qui tremble, mais c'est ici très réussi !) et laissent le spectateur la mâchoire béante de contentement.

L'enthousiasme est malheureusement freiné par plusieurs incartades au genre, qui agaceront les inconditionnels comme moi.

Le choix du héros en premier lieu : si Dwayne Johnson a depuis quelques films montré que la taille de son humour dépasse largement celle de ses muscles et prouvé qu'il était capable d'interpréter autre chose que du gros bourrin musculeux, reste que son gabarit hors normes tranche un peu avec le rôle de monsieur-tout-le monde qui se révèle héroïque lorsque la catastrophe survient. Ici le personnage est déjà un héros héroïque (non seulement il est sauveteur de l'extrême mais en plus c'est un ancien soldat), on s'attend donc à ce qu'il sauve la moitié de la planète, et les doigts dans le nez qui plus est.  Rien de bien intéressant de ce côté-là, alors que cet héroïsme révélé est quand même supposé être l'un des ressors-clés du film catastrophe.

L'intrigue ensuite, est tout aussi inadaptée. Cela manque singulièrement de personnages ! On suit en effet une famille qui s'auto-sauve, pendant que le reste du monde peut bien crever (ce qu'il fait allègrement d'ailleurs). Ni morceaux de bravoure ni solidarité soudain exprimée : l'altruisme du héros héroïquement héroïque a des limites : celles de sa famille (il consent toutefois à sauver 3/4 personnes qui se trouvent sur son chemin, c'est bien urbain de sa part). Si l'individualisme atteint même les films catastrophe, le monde court à sa perte, sachez-le !

Même le sort réservé aux méchants, s'il est délectable à souhait, est lui aussi trop vite expédié. Ah quel dommage, ah quel gâchis !

Ainsi malgré les effets impressionnants qui raviront les connaisseurs, on se retrouve devant ce qui restera probablement (je l'espère en tout cas) le film catastrophe le plus raté de l'histoire.

★☆☆☆☆

San Andreas, Brad Peyton (sortie le 27 mai 2015)

Avec Dwayne Johnson, Carla Gugino, Alexandra Daddario, Hugo Johnstone-Brut, Art Parkinson - USA - 1h54 

Synopsis

Lorsque la tristement célèbre Faille de San Andreas finit par s'ouvrir, et par provoquer un séisme de magnitude 9 en Californie, un pilote d'hélicoptère de secours en montagne et la femme dont il s'est séparé quittent Los Angeles pour San Francisco dans l'espoir de sauver leur fille unique. Alors qu'ils s'engagent dans ce dangereux périple vers le nord de l'État, pensant que le pire est bientôt derrière eux, ils ne tardent pas à comprendre que la réalité est bien plus effroyable encore…

Voici un film au concept intéressant : banni des pellicules par un régime dictatorial pour avoir dénoncé une réélection contestable, Jafar Panahi prouve que lorsqu'on a quelque chose à dire, on trouve toujours un moyen de s'exprimer. Après plusieurs films tournés discrètement en intérieur, il se risque à braver les autorités iraniennes en filmant la société sur laquelle il n'a plus le droit de s'exprimer, grâce à un astucieux procédé pour dissimuler un tournage aux yeux des autorités : équiper un banal taxi de caméras cachées et filmer l'incursion du réel dans ce huis-clos de fiction.

On ne sait trop jamais si les personnages qui défilent dans le taxi sont de vrais anonymes ou bien des acteurs jouant un rôle mais finalement peu importe puisque ce n'est pas tant qui ils sont que ce qu'ils ont à dire ou à montrer qui nous intéresse.

Ce huis-clos mobile, qui évoque notamment le Cosmopolis de Cronenberg, arpente les rues de la capitale iranienne au gré des rencontres et évoque à demi-mots une société gangrénée par la censure mais finalement dynamique, enjouée et très habile à concevoir mille stratagèmes pour contourner les lois et accéder à la culture ou une certaine forme de liberté.

Si le spectacle donné à voir n'est jamais ennuyeux et embarque le spectateur dans un dédale d'histoires qui s'entremêlent au fil des courses, le regard porté sur cette société reste finalement très simple. Pour un film clandestin, on se demande parfois si le jeu en valait la chandelle tant on reste sur ce sentiment mitigé d'avoir réussi à se faufiler par une entrée dérobée pour finalement assister à un spectacle assez banal.

Mais sans doute était-ce là le but de Panahi : montrer que cette société qui croit avoir tant à cacher n'est finalement guère différente des autres...

★★★☆☆

Taxi Teheran, Jafar Panahi (sortie le 15 avril 2015)

Avec Jafar Panahi - Iran - 1h22

Synopsis

Installé au volant de son taxi, Jafar Panahi sillonne les rues animées de Téhéran. Au gré des passagers qui se succèdent et se confient à lui, le réalisateur dresse le portrait de la société iranienne entre rires et émotion...