Des petits bouts d'éternité

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Difficile d'imaginer film d'animation plus réussi que celui-ci, qui parvient à imbriquer de façon si délicate la grande histoire et la petite, dans un ensemble tout à fait bouleversant sans céder à la facilité du spectaculaire.

On découvre Suzu, une petite fille installée avec sa famille près de Hiroshima. Et on va suivre la famille tout au long de la vie de Suzu ; de son enfance turbulente à la campagne à son mariage, son installation difficile avec sa belle-famille : une vie entrecoupée de deuils, de joies, de rires, de passions et surtout, en fond, de la guerre qui se trame et mènera jusqu'à l'un des événements les plus traumatisants de l'humanité : le bombardement d'Hiroshima.

La force d film est de se concentrer sur son héroïne, un petit bout de femme plein de volonté, artiste en herbe et diablement attachante. Tous les événements historiques sont abordés de son point de vue exclusivement et tout ce dont elle ne sera pas témoin est occulté. C'est une façon habile d'entrer dans le quotidien des japonais de cette époque, d'en apprendre beaucoup sur un mode de vie que l'on connaît peu, et surtout, d'appréhender un peu l'impact humain de la guerre et ses conséquences.

Loin d'être un drame étouffant (on a encore les yeux embués rien qu'à évoquer le Tombeau des Lucioles), Dans un recoin de ce monde est une magnifique ode à la vie qui met en lumière plus les points communs partagés à travers le monde que les enjeux stratégiques d'une guerre, qui somme toute, son toujours les mêmes.

Les images sont magnifiques, les personnages attachants et l'animation pleine de douceur parvient à illustrer avec brio la poésie, qu'avec un peu d'imagination on peu trouver partout, même dans un bombardement... Un incontournable de l'année !

★★★★☆

Dans un recoin de ce monde, Sunao Katabuchi (sortie le 6 septembre 2017)

Avec (les voix de) Kaycie Chase, Rena Nounen, Yoshimasa Hosoya - Japon - 2h05

Synopsis

La jeune Suzu quitte Hiroshima en 1944, à l'occasion de son mariage, pour vivre dans la famille de son mari à Kure, un port militaire. La guerre rend le quotidien de plus en plus difficile, malgré cela, la jeune femme cultive la joie et l'art de vivre. Mais en 1945, un bombardement va éprouver son courage.

Dès les premiers instants du film, le spectateur qui était venu voir un film de guerre ou un film historique comprend qu'il a probablement fait fausse route... Pas de grande bataille à se mettre sous la dent, pas d'ennemi visible non plus d'ailleurs, et puis le réalisateur ne donne presque aucune explication de contexte, ne présente ni ses personnages ni ses troupes. L'ouverture est muette et c'est tout juste si un tract récupéré par un personnage et vite fourré dans une poche explique brièvement ce que les anglais font sur cette plage, pour ceux qui auraient omis de se documenter avant le film (qui donne d'ailleurs une vision assez partielle de la réalité apparemment).

Car Christopher Nolan finalement ne se sert du matériau de l'Histoire que pour illustrer une histoire bien plus universelle, celle de la survie. En lieu et place d'une énième variation du film de guerre d'antan (et le très inutile Fury a prouvé qu'il fallait vraiment passer à autre chose !), Nolan réalise un film certes un peu incongru mais pour le coup parfaitement original : un survival de guerre.

Tous les codes du film de survie y sont, les obstacles qui s'enchainent, cette impression que le destin s'acharne, les personnages sacrifiés et ces concessions que l'on est prêt à faire à la morale contre le bref espoir de s'en sortir. C'est assez déroutant, car le film de guerre est un genre très ancré dans l'imaginaire collectif et hormis quelques caricatures, il a été peu détourné. On a donc du mal, à chaud dans la salle, à détourner nos attentes vers quelque chose de moins classique.

Pourtant, on reste en territoire connu puisqu'il y a dans ce film tous les ingrédients que l'on trouve dans la filmographie de Nolan, notamment ce besoin de déstructurer la narration, ici avec un axe temporel éclaté : l'échelle de temps n'est pas la même pour les personnages sur la plage, sur l'eau et dans les airs, et c'est aussi génial que déstabilisant (et au final sans doute un peu vain, malheureusement).

Quant aux tourments et aux regrets qui caractérisent d'ordinaire ses héros, on les retrouve répartis entre les personnages principaux, chacun incarnant une facette différente. C'est un parti pris du réalisateur qui laisse perplexe, puisqu'il crée finalement des personnages centraux sommaires, animés par un seul ressort, lui qui avait habitué son public à plus de profondeur et de complexité.

En fin de compte on finit par légitimement se demander quel est l'intérêt d'un tel concept qui pose de façon abrupte les limites du film puisqu'il expose petit à petit un patriotisme assez primaire (la Mère Patrie qui envoie ses civils au secours de ses jeunes soldats en difficulté, c'est beau comme un Union Jack flottant au vent...) dont on ne comprend pas bien le lien avec la forme du film, qui semble bien trop recherchée pour ne servir que cela.

Finalement les scènes sur la plage et les combats aériens resteront à n'en pas douter gravés dans les mémoires des spectateurs : quelques jours après le visionnage, on se souvient surtout de la splendide photographie dont la colorimétrie évoque les films d'époque colorisés, et de la maîtrise impeccable de chaque plan par le cinéaste.
C'est bluffant mais le propos du film quant à lui, restera obscur tant les deux thèmes qu'il semble traiter s'opposent en tous points... (un film de survie, c'est le film universel par excellence, quel drôle de support alors, pour servir un film au patriotisme et à la fierté nationale aussi flagrants que ce que l'on découvre dans la 2e moitié du film !).

★★★☆☆

Dunkerque (Dunkirk), Christopher Nolan (sortie le 19 juillet 2017)

Avec Fionn Whitehead, Harry Styles, Tom Glynn-Carney, Aneurin Barnard, Mark Rylance, Tom Hardy, Cillian Murphy - USA - 1h47

Synopsis

Au début de la Seconde Guerre mondiale, en mai 1940, environ 400 000 soldats britanniques, canadiens, français et belges se retrouvent encerclés par les troupes allemandes dans la poche de Dunkerque. L'Opération Dynamo est mise en place pour évacuer le Corps expéditionnaire britannique vers l'Angleterre. L'histoire s'intéresse aux destins croisés des soldats, pilotes, marins et civils anglais durant l'Opération Dynamo.

Oh quelle aubaine que cette re-sortie en salles de la Palme d'Or 1982 signée Costa-Gavras ! Et dans une version restaurée s'il vous plait !

Inspiré de faits réels et tourné alors que Pinochet était encore au en exercice, le film dénonce l'ingérence des USA dans le coup d'état du dictateur en 1973. Mais si aujourd'hui les États-Unis ont admis leur soutien à Pinochet dans son accession au pouvoir, ce n'était pas le cas lors de la sortie du film, et il faut le voir avec ce contexte en tête pour en apprécier toute l'audace et l'engagement de son réalisateur.

Magistralement mis en scène, le récit alterne entre flashbacks qui surgissent au gré des émotions des protagonistes ou de l'avancée de l'enquête. L'horreur qui a envahi le quotidien des chiliens du jour au lendemain est omniprésente, hors champ. Elle n'est soulignée que par les effets sonores et la musique entêtante de Vangelis, dans une ambiance glaçante parfaitement efficace.

Mais au-delà de la dénonciation politique, le talent du film est de parvenir également à mettre en lumière les relations père-fils dans une époque post-68 si particulière, où la prise de conscience politique était aussi une affaire de génération. Le père, incarné par un Jack Lemmon parfait, tout d'abord persuadé que son fils a quelque part mérité son sort, est persuadé qu'en se comportant comme un bon citoyen, tout rentrera dans l'ordre. Le désenchantement qui sera le sien en réalisant que les bons citoyens ne sont pas plus protégés que les autres, est à la hauteur de la prise de conscience de toute une génération qui petit à petit perd confiance en ses gouvernants.

Ce clivage entre ceux qui restent persuadés que l'état n'est là que pour les protéger, et les autres, qui craignent de lui confier trop de pouvoir, est toujours parfaitement d'actualité aujourd'hui...

★★★☆☆

Missing, porté disparu, Costa-Gavras (sortie le 26 mai 1982 - reprise le 26 octobre 2016)
Avec Jack Lemmon, Sissi Spacek, John Shea - USA - 2h02

Synopsis
Charles et Beth vivent en parfaite harmonie avec les habitants d'un quartier populaire de Santiago du Chili. Le 11 septembre 1973 éclate le coup d'Etat du général Pinochet. Charles découvre la présence surprenante de conseillers américains sur le sol chilien. Depuis ce jour, nul ne l'a revu. Son père, un américain, imprègné des vertus de son pays, part à sa recherche.

Près de 15 ans après la fin de la guerre, l'Allemagne se reconstruit peu à peu, dans le déni le plus complet. La nouvelle génération, trop jeune pour avoir été témoin des événements, a grandi en ignorant tout de la réalité des camps. Des soldats, une guerre, des morts, rien de plus...

Le Labyrinthe du Silence raconte le douloureux éveil d'un jeune procureur qui ôte les confortables oeillères qu'il porte et se confronte à une réalité dont il ne soupçonnait pas l'existence.

Le Labyrinthe du Silence est un film grave mais plein d'humanité, avec tous ses défauts et son panache. Mêlant habilement personnages réels et figures fictives afin de construire son récit de manière synthétique et rythmée, cette fiction du réel retrace le prologue du procès de Francfort et la quête du jeune procureur qui, tel le Neo de Matrix, a ouvert les yeux et ne peut désormais plus faire marche arrière et oublier ce qu'il sait. Petit à petit dévoré par sa quête et accablé par les les atrocités qu'il découvre et la résistance de ses concitoyens, il n'aura de cesse de tenter d'ouvrir les yeux de ceux qui l'entourent.

On découvre avec ce film à quel point il est aisé d'occulter une réalité que l'on ne veut pas voir. Et on réalise l'importance du devoir de mémoire, qui peut parfois paraître anodin de nos jours. Car le film de Ricciarelli sonne juste et avec un style qui n'est pas sans évoquer les grands films d'enquête historique, met en lumière un aspect rarement abordé de l'histoire allemande : la difficile cohabitation, au lendemain de la guerre, entre victime et bourreaux...

★★★☆☆

Le Labyrinthe du Silence (Im Labyrinth des Schweigens), Giulio Ricciarelli (sortie le 29 avril 2015)

Avec Alexander Fehling, André Szymanski, Frederike Becht - Allemagne - 2h03

Synopsis

Allemagne 1958 : un jeune procureur découvre des pièces essentielles permettant l’ouverture d’un procès contre d’anciens SS ayant servi à Auschwitz. Mais il doit faire face à de nombreuses hostilités dans cette Allemagne d’après-guerre. Déterminé, il fera tout pour que les allemands ne fuient pas leur passé.

Je suis allée voir Selma, sans trop le faire exprès, un jour d'élection.
Un timing ma foi plutôt approprié pour garder en mémoire, en ces jours où près de la moitié de la population s'abstient, la lutte qu'a constitué et constitue encore pour beaucoup l'accès à la liberté essentielle qu'est le droit de vote.

Au-delà de la journée thématique que le film permet en ce moment, Selma est avant tout un film historique précis et dense. Assez étonnamment c'est aussi le premier biopic sur Martin Luther King, ce qui fait de ce focus sur une seule de ses batailles (l'accès au droit de vote pour les noirs des états du sud) un parti-pris plutôt surprenant.

Si cet angle balaie tout un pan de la vie et de la personnalité du pasteur, il permet néanmoins de se concentrer sur un aspect historique précis, d'en développer les enjeux et disséquer les stratégies qui l'entourent.

En cela, Selma est un film habile et passionnant, sur la méthode non-violente des activistes de la SCLC et les limites qu'elle pose. Les stratégies politiques et intérêts personnels de chaque protagoniste sont analysés avec justesse et posent une vision d'ensemble éclairante, qui fera probablement le bonheur des profs d'histoire pour illustrer leurs cours.

Du côté cinématographique par contre, on regrettera un aspect un peu trop académique souvent proche de la dissertation filmée. Malgré des acteurs, David Oyelowo en tête, vraiment excellents (à l'exception de Tim Roth qui Marion-Cotillarde avec son imitation presque ridicule de l'accent du sud), Selma manque de ce feu qui animait les manifestants et souffre d'une trop grande rigueur. Souvent bavard, le film n'échappe pas au formalisme un peu surfait qui entoure les scènes d'émotion.

Selma reste néanmoins une indispensable piqûre de rappel. Mis en scène par une réalisatrice débutante, l'une des seules femmes noires derrière la caméra qui plus est, on ne peut que se réjouir de son existence et encourager la réalisatrice à poursuivre sa carrière en allant voir le film !

★★☆☆☆

Selma, Ava Duvernay (sortie le 11 mars 2015)

Avec David Ayelowo, Tom Wilkinson, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, Cuba Gooding Jr, Oprah Winfrey - USA - 2h08

Synopsis

Selma retrace la lutte historique du Dr Martin Luther King pour garantir le droit de vote à tous les citoyens. Une dangereuse et terrifiante campagne qui s’est achevée par une longue marche, depuis la ville de Selma jusqu’à celle de Montgomery, en Alabama, et qui a conduit le président Jonhson à signer la loi sur le droit de vote en 1965.

En lisant le synopsis de The Cut, on s'attend, bien légitimement, à un film historique consacré au sujet, sensible s'il en est (Akin a d'ailleurs reçu des menaces de mort à ce propos) du génocide arménien. Il n'en sera rien et le décalage assez incompréhensible entre le sujet du film et la façon dont il est traité pourra, à juste titre, choquer le spectateur.

Car si le film retrace en effet grossièrement les événements autour de l'invasion de l'Arménie et des massacres qui s'ensuivirent, Akin fait le choix de balayer d'un revers de manche tout aspect politique pour consacrer son film, sous la forme forme d'une aventure, à l'épopée rocambolesque d'un homme.

Alors certes, les mésaventures du héros permettent au réalisateur de montrer plusieurs aspects historiques, mais de manière très lisse, presque hollywoodienne. Et si le côté historique est effectivement très documenté, Akin fait preuve, dans son parti-pris et en particulier dans plusieurs scènes, d'une telle maladresse que ça en devient gênant.

Utiliser un génocide comme toile de fond d'une aventure, le procédé est douteux et l'on peut s'interroger sur les motivations de Fatih Akin. N'a-t-il pas voulu s'intéresser à l'environnement politique de cette période ou bien n'a-t-il pas réussi à le faire ?

Malgré tout, l'histoire de Nazaret est de ces épopées magistrales que l'on a plaisir à découvrir et Tahar Rahim, malgré un flagrant problème de langue, est vraiment convainquant dans ce rôle de père courage prêt à tout pour retrouver ses filles. Le problème de la langue justement, va au-delà du rôle de Tahar Rahim et concerne l'ensemble du film. Les différentes ethnies et langues parlées ne sont pas respectées et certains acteurs interprètent clairement un texte appris en phonétique, et pour que l'on s'en rende compte sans maîtriser les langues en question, c'est que c'est vraiment flagrant. Dommage.

Malgré tous ces défauts, que l'on parvient malgré tout à oublier assez aisément, The Cut est un film qui à défaut de réellement s'engager idéologiquement (et c'est vraiment un mauvais choix !) fait preuve d'une belle ampleur et réserve quelques beaux moments d'émotion.

★★☆☆☆

The Cut, Fatih Akin (sortie le 14 janvier 2015)

Avec Tahar Rahim, Simon Abkarian, Makram Khoury - Allemagne / France - 2h18

Synopsis

Anatolie, 1915. Dans le tumulte de la Première Guerre mondiale, alors que l’armée turque s’attaque aux Arméniens, le jeune forgeron Nazaret Manoogian est séparé de sa femme et ses deux filles. Des années plus tard, rescapé du génocide, Nazaret apprend que ses filles sont toujours en vie. Porté par l’espoir de les retrouver, il se lance dans une quête éperdue, ponctuée de rencontres avec des anges et des démons, du désert de la Mésopotamie aux prairies sauvages du Dakota...