Des petits bouts d'éternité

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Qu'on ne s'y trompe pas, Lion possède tous les arguments pour permettre à à peu près n'importe qui de passer un très bon moment dans une salle obscure. Une histoire vraie, un gamin attachant, un récit incroyable et des acteurs qui vont bien. Plus un petit côté exotique (l'inde, ses bidonvilles, ses gosses des rues...) pour la touche d'authenticité. Bref, un film facile, consensuel, idéal pour une sortie en famille ou avec des amis car apte à séduire tout le monde.

Et c'est bien ça le problème. Tout y est, les belles images, l'aventure et même l'émotion. Mais tout sonne creux et Lion s'avère assez rapidement bien trop lisse pour transcender ne serait-ce qu'un peu l'histoire qu'il raconte. Car si le réalisateur prend soin de proposer une mise en scène bien dosée, on a quand même sacrément l'impression de revoir Slumdog Millionnaire. Trop calibré pour la course à l'Oscar, Lion manque finalement cruellement de personnalité et ne laissera malheureusement pas d'autres traces chez ses spectateurs que les quelques lignes de son incroyable synopsis.

C'est fichtrement dommage, mais ne boudez pas pour autant votre plaisir, vous ne regretterez pas d'avoir vu un film doux comme une grenadine au sirop.

★★☆☆☆

Lion, Garth Davis (sortie le 22 février 2017)

Avec Dev Patel, Nicole Kidman, Rooney Mara, Sunny Pawar, David Wenham - USA - 1h58

Synopsis

Une incroyable histoire vraie : à 5 ans, Saroo se retrouve seul dans un train traversant l’Inde qui l’emmène malgré lui à des milliers de kilomètres de sa famille. Perdu, le petit garçon doit apprendre à survivre seul dans l’immense ville de Calcutta. Après des mois d’errance, il est recueilli dans un orphelinat et adopté par un couple d’Australiens.
25 ans plus tard, Saroo est devenu un véritable Australien. Armé de quelques rares souvenirs et d’une inébranlable détermination, il commence à parcourir des photos satellites sur Google Earth, dans l’espoir de reconnaître son village.

La Palme d'or cannoise a fait couler beaucoup d'encre, un peu amère de la part des critiques, et on attendait la sortie du dernier pamphlet du réalisateur engagé avec une certaine impatience, pour se faire sa propre opinion.

Et finalement, s'il faut reconnaître que l'histoire de Daniel Blake n'est probablement pas le meilleur film du réalisateur, reste que c'est probablement l'un des plus frontalement engagés. C'est sans doute ce côté peu subtil qui a déplu, mais après tout, aux grands mots les grands remèdes !

Ken Loach démonte un système qui se met progressivement en place en Europe, la privatisation des service sociaux et les dérives "productivistes" que cela entraîne. Le "système" broie les gens qu'il est supposé aider, dans la plus totale indifférence de la plupart des acteurs qui le composent, car chacun est un si petit pion dans les rouages que plus personne n'a l'impression de pouvoir se dresser contre lui.

Avec ce film, simple mais efficace, Ken Loach raconte l'histoire touchante d'un homme qui ne rentre pas dans les cases, malgré toutes les contorsions qu'il tente pour se conformer à ce qu'on attend de lui.

Une tentative désespérée pour ouvrir les yeux des spectateurs, avant qu'il ne soit trop tard. Une Palme d'or en ce sens amplement méritée !

★★★☆☆

Moi Daniel Blake (I, Daniel Blake), Ken Loach - sortie le 26 octobre 2016
Avec Dave Johns, Hayley Squires, Dylan McKiernan - GB - 1h37

Synopsis
Pour la première fois de sa vie, Daniel Blake, menuisier de 59 ans, est contraint de faire appel à l’aide sociale à la suite de problèmes cardiaques. Mais bien que son médecin lui ait interdit de travailler, il se voit signifier l'obligation d'une recherche d'emploi sous peine de sanction. Au cours de ses rendez-vous réguliers au « job center », Daniel va croiser la route de Rachel, mère célibataire de deux enfants qui a été contrainte d'accepter un logement à 450km de sa ville natale pour ne pas être placée en foyer d’accueil. Pris tous deux dans les filets des aberrations administratives de la Grande Bretagne d’aujourd’hui, Daniel et Rachel vont tenter de s’entraider…

Palmé d'or à Cannes, Dheepan est un film surprenant. Jamais où on l'attend, il révèle toutefois de très bonnes surprises et confirme, si on en doutait encore, le goût d'Audiard pour les personnages et son talent pour en traquer le visage caché et les secrets.

Il faut se rappeler que notre icône du cinéma d'auteur à la française est aussi et surtout friand de thrillers et que rien ne semble lui plaire d'avantage que ces instants où tout bascule. Dès lors, il aurait été bien étonnant que son Dheepan ne raconte "que" l'arrivée en France de cette fausse famille sri-lankaise et sa tentative d'intégration dans une cité HLM tout droit sortie des pires cauchemars de Sarkozy.

C'est malgré tout dans cette partie que le film est le plus réussi et que son talent pour parler des gens s'exprime le mieux. Dans les liens qui se tissent malgré soi, dans les rencontres inattendues, dans la vision d'une France dysfonctionnelle et rude par un oeil étranger meurtri... Mais sous le vernis de film social, le thriller gronde et la violence couve. L'identité secrète ronge l'âme et dévore Dheepan, ce personnage bien plus sombre que son gentil sourire à la sri-lankaise ("quand tu tombes, tu souris...") ne le laisse entrevoir. Et soudain, le film bascule, le monde s'enflamme et les repères explosent.

Ce n'est pas la partie la plus réussie du film mais elle parvient à prendre le spectateur à revers d'une façon efficace. Seule la scène finale, étrange épilogue dont on préfèrera se dire qu'il s'agit d'un songe, vient gâcher par sa naïveté guimauvesque, l'ensemble de cette oeuvre si dense.

Un film étonnant et détonnant, à découvrir !

★★★☆☆

Dheepan, Jacques Audiard (sortie le 26 août 2015)

Avec Antonythasan Jesuthasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby - France - 1h54
Palme d'or Cannes 2015

Synopsis

Fuyant la guerre civile au Sri Lanka, un ancien soldat, une jeune femme et une petite fille se font passer pour une famille. Réfugiés en France dans une cité sensible, se connaissant à peine, ils tentent de se construire un foyer.

Projeté à Cannes la semaine dernière et tout auréolé d'un prix d'interprétation pour Vincent Lindon, le moins qu'on puisse dire c'est que La Loi du Marché gratouille aux entournures tant il rend le spectateur mal à l'aise sur son siège...

L'histoire de Thierry, tout le monde la connaît : la cinquantaine, un licenciement pseudo-économique, le chômage qui s'éternise et le parcours du combattant qui s'en suit pour retrouver un boulot. On se souvient du Couperet. On en est loin.

Car ce que l'on n'imaginait pas réellement, ce qu'on préférerait ranger gentiment sous le tapis alors que d'aucuns aiment à se persuader que les chômeurs ne sont que des profiteurs qui vivent sur le dos du système, c'est la façon dont le système justement, s'attache à démolir pour mieux exploiter...

Renversement de situation.

Car ce à quoi on assiste devant La Loi du Marché, ce n'est pas tant le pénible parcours d'un père de famille en quête de travail que l'humiliation systématique et organisée d'un individu, jusqu'à le faire entrer de son propre chef dans les cases les plus abjectes de l'exploitation. Le chômage comme outil au service du marché.

Dans le rôle du pion qui résiste comme il peut, Vincent Lindon est exceptionnel de sobriété et de justesse. Il mérite mille fois son prix d’interprétation cannois, car il n'est pas aisé de montrer et d'incarner un homme qui finit par se soumettre, sans tomber dans le pathos et le ridicule.

C'est là toute la force de Lindon mais aussi de Brizé qui, s'il s'éparpille un peu en voulant parfois trop en dire (beaucoup de sujets sont à peine effleurés et n'apportent pas forcément grand chose en l'état - le handicap du fils, le suicide, la banque -), livre un film qui dans son ensemble dégage une force dérangeante très efficace et propice au questionnement.

Un portrait glaçant mais réaliste de l'industrie du chômage qu'a créé la société d'aujourd'hui...

★★★☆☆

La Loi du Marché, Stéphane Brizé (sortie le 19 mai 2015)

Avec Vincent Lindon, Karine de Mirbeck, Yves Ory - France - 1h33

Synopsis

À 51 ans, après 20 mois de chômage, Thierry commence un nouveau travail qui le met bientôt face à un dilemme moral. Pour garder son emploi, peut-il tout accepter ?

C'est toujours aussi fasciné par la jeunesse et cette adolescence trash à la dérive que Clark installe sa caméra à Paris pour suivre un groupe de jeunes skaters dans leurs errements sexuels et narcotiques.

On appréciait Larry Clark pour ce regard sans condescendance et sans fard sur l'envers du décor d'une jeunesse paumée en quête de repères. Mais on est loin de retrouver ce souffle inspirant dans le très fade Smell of Us.

Un film peut-il être fade tout en parlant et montrant la prostitution de mineurs, l'inceste, la drogue et la mort ? Apparemment oui, d'ailleurs même la froideur photographique qui rendait les films de Clark plus trash encore est ici absente. On sent la provocation gratuite et vaine plutôt qu'une réelle subversivité et c'est loin d'être choqué et plutôt sans grande émotion (un comble!) que l'ont regarde mollement se dérouler sous nos yeux ennuyés cet énième mélange, sordide mais cette fois sans âme, de réalité et de fiction.

L'usage de smartphones et autres outils modernes au service de l'image aurait pu donner une nouvelle jeunesse à l'oeuvre d'un Clark de toute évidence vieillissant (mal), mais ce n'est malheureusement pas le cas.

C'est alors avec l'impression d'avoir écouté un vieil oncle un peu pervers radoter ses provocations sans fond qu'on quitte la salle, soulagé mais un peu triste.

★☆☆☆☆

The Smell of Us, Larry Clark (sortie le 14 janvier 2015)

Avec Lucas Ionesco, Diane Rouxel, Theo Cholbi, Dominique Frot - France - 1h28

Synopsis [AVERTISSEMENT -16ans]

Paris, Le Trocadéro.
Math, Marie, Pacman, JP, Guillaume et Toff se retrouvent tous les jours au Dôme, derrière le Palais de Tokyo. C’est là où ils font du skate, s’amusent et se défoncent, à deux pas du monde confiné des arts qu’ils côtoient sans connaître. Certains sont inséparables, liés par des vies de famille compliquées. Ils vivent l'instant, c’est l’attrait de l’argent facile, la drague anonyme sur Internet, les soirées trash "youth, sex, drugs & rock’n’roll".

Complètement inculte sur ce qui concerne le rap, je connaissais tout juste Abd Al Malik de nom, parce qu'il est strasbourgeois. Et c'est en grande partie pour ça que je suis allée voir son film. Pour encourager la création alsacienne d'une part, pour voir comment il allait filmer nos banlieues d'autre part et puis histoire de découvrir la sienne, d'histoire justement.

Sur ces points je n'ai pas été déçue. Qu'Allah bénisse la France est un premier flm référencé qui a de la classe. Le noir et blanc est beau et met en valeur les quartiers, qu'il universalise. C'est le Neuhof mais ça pourrait être n'importe où. On sent évidemment la référence à La Haine de Kassovitz, mais sans recopiage ni transposition. Les choses ont changé depuis le milieu des années 90 et Abd Al Malik affirme son style et sa vision pour raconter son histoire.

Le film est rythmé, pointu et la voix off, tantôt musicale tantôt parlée/slammée, est judicieusement exploitée. L'histoire qu'il raconte en revanche, même si c'est celle, exemplaire, d'une réussite en dent de scie, écervelée par moment, d'un jeune de banlieue passionné de mots, parait finalement très égocentrée. Evidemment on suit le héros, le musicien, le réalisateur qui s'autoraconte, mais tout de même, un peu de recul et d'attention aux personnages secondaires aurait peut-être été judicieux. Quitte à romancer un peu la réalité puisqu'après tout il ne s'agit au fond pas d'un documentaire...

Ce côté auto-promo est un peu agaçant parfois puisqu'évidemment, il s'en sort, on le sait, on l'entend à la radio... et c'est bien l'un des seuls de la bande à y parvenir, quitte à se donner en exemple, en héros. Le côté caricatural, du langage de banlieue notamment, est parfois vraiment agaçant. On a par moment l'impression de se trouver devant un sketch et c'est un peu dommage.

Il s'agit toutefois dans l'ensemble d'un premier film vraiment abouti loin d'être négligeable. A découvrir pour faire connaissance avec un artiste intéressant.

★★☆☆☆

Qu'Allah bénisse la France, Abd Al Malik (sortie le 10 décembre 2014)

Avec Marc Zinga, Sabrina Ouazani, Larouci Didi - France - 1h36

Synopsis

Adapté du livre autobiographique de Abd Al Malik, "QU'ALLAH BENISSE LA FRANCE" raconte le parcours de Régis, enfant d'immigrés, noir, surdoué, élevé par sa mère catholique avec ses deux frères, dans une cité de Strasbourg. Entre délinquance, rap et islam, il va découvrir l'amour et trouver sa voie.

Made in Alsace
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J'avais snobé White God lors de sa projection dans le cadre du Festival du Film Fantastique de Strasbourg (FEFFS), car j'avais quelques réserves sur le concept de Fable-de-la-fontainiser le cinéma en faisant interpréter par des chiens une révolte humaine symbolique. Ça me semblait casse-gueule. Et puis le film a été primé par le jury et bien accueilli à sa sortie alors j'ai décidé de lui laisser une chance.

Chance que White Dog n'a pas saisie, confirmant très vite toutes les réserves que j'avais en septembre. Damned, quelle déception !

Le film se déroule dans une société hongroise de laquelle sont bannis les chiens de race non pure - Attention, la métaphore est subtile. Ces chiens sont chassés par leur maîtres qui ne peuvent payer les lourdes taxes qui leur sont imposées et finissent, au mieux à la fourrière pour y être euthanasiés, au pire entre les mains de réseaux mafieux qui les exploitent avec cruauté. Tout d'abord pacifiquement résignés, les chiens finissent par se rebeller sous l'impulsion de Hagen, molosse au coeur tendre.

Evidemment, le sujet est intéressant et montrer que la misère ne disparaît pas parce que l'on refuse de la voir et que, réprimée et sans appui, elle alimente les réseaux mafieux ravis de cette aubaine, est un thème certes pas nouveau mais malheureusement toujours d'actualité.

Et devant la profusion d'images, terribles, auxquelles ont a fini par s'habituer et s'endurcir, contourner notre résistance en incarnant cette réalité par les animaux qui nous sont les plus proches, c'est habile ! La Fontaine en son temps ne faisait pas mieux !

Oui mais voilà, avoir une bonne idée ne suffit pas toujours. Encore faut-il l'exploiter jusqu'au bout et de façon cohérente. C'est là le gros défaut de White God.
Car le film regorge de bonnes idées et de plans fabuleux à l'image de cette ville désertée envahie soudain par les chiens, mais sa grande erreur est d'avoir à la fois humanisé les chiens, tout en leur conférant malgré tout des problématiques canines. Le film balance alors entre deux eaux sans jamais parvenir à prendre position ; c'est bancal et ça ne fonctionne plus.

Ainsi, tout le pan de l'histoire de Lily, que l'on suit en parallèle de Hagen alors qu'elle tente de le retrouver, n'a rien à faire dans un film social. On comprend bien que cette dychotomie est là pour contrebalancer la réalité de Hagen, pour nuancer le propos et montrer que "not all humans" are bad... mais dans ce cas il aurait alors fallu rester dans le même registre. La métaphore ne peut pas fonctionner que dans un sens !

Car de l'autre côté la rébellion, très anthropomorphique, des chiens tombe comme un cheveu dans la soupe de la chronique familiale qu'est la partie consacrée à Lily.

Bref, Mundruczo ne sait visiblement pas sur quel pied danser et s'éparpille dans deux directions opposées et le sentimentalisme malvenu qui en découle est par moment franchement insupportable !

On aurait, à la limite, préféré que les chiens se déchaînent réellement, envahissant vraiment la ville au lieu de se focaliser sur une sorte de justice vengeresse assez étrange puisqu'elle ne concerne que Hagen. Mundruczo avait le matériau pour un excellent film choc, gore, puissant et contestataire. Et au lieu de ça on se retrouve avec une espèce de Belle et Sébastien hongrois... Tellement dommage !

★☆☆☆☆

White God, Kornel Mundruczó (sortie le 3 décembre 2014)

Avec Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth - Hongrie - 1h59

Synopsis

Pour favoriser les chiens de race, le gouvernement inflige à la population une lourde taxe sur les bâtards. Leurs propriétaires s’en débarrassent, les refuges sont surpeuplés. Lili, 13 ans, adore son chien Hagen, mais son père l’abandonne dans la rue. Tandis que Lili le cherche dans toute la ville, Hagen, livré à lui-même, découvre la cruauté des hommes. Il rejoint une bande de chiens errants prêts à fomenter une révolte contre les hommes. Leur vengeance sera sans pitié. Lili est la seule à pouvoir arrêter cette guerre.

Attirée par l'affiche, devant laquelle il est difficile de ne pas penser à Drive, avec ses lumières bleutées, son titre et le personnage principal que l'on devine héros solitaire, et par quelques critiques élogieuses, j'ai jeté un oeil du côté de l'intrigant Nightcall.

On y découvre un Jake Gyllenhaal au physique émacié, inquiétant personnage dépourvu de moralité, qui de combine en menus larcins décide un jour de se lancer dans le juteux commerce des videos trash qui alimentent les matinales des JT américains.

La comparaison avec Drive s'arrête bien vite, pour s'orienter vers la critique d'un système bien rodé dans lequel les médias font l'actualité, occultant certains éléments pour en mettre d'autre sous les projecteurs afin de drainer une audience hypnotisée devant son poste. Cette critique est la force mais aussi la grande faiblesse du film.

Tout repose ici sur un jugement, que le réalisateur force à porter sur son personnage. Détestable à tout point de vue, il incarne tout les travers sensationnalistes de la société (américaine, mais on y vient...), et il le fait à fond. Jake Gyllenhaal est glaçant dans ce rôle de sociopathe manipulateur et froid, qu'il incarne à la perfection.

Malheureusement, en mettant cartes sur table dès le début de son film, Dan Gilroy (scénariste du très peu inspiré Bourne : Legacy, ceci explique probablement cela) grille ses cartouches avant même d'avoir développé son intrigue. Les personnages n'offrent que peu de progression, si ce n'est l'escalade dans la froideur et la manipulation. Il aurait été intéressant de nuancer cela avec un peu de recul, en exploitant mieux le personnage de l'assistant par exemple. Au lieu de cela, on est assez rapidement devant un film frontal qui assène ses séquences avec un manque de subtilité évident.

Nightcall vaut néanmoins d’être vu, pour le rôle de Gyllenhaal et pour son thème original et traité avec une maitrise visuelle intéressante. Rythmé et efficace, sa construction sans temps morts tiendra en haleine le spectateur le plus fatigué !

★★★☆☆

Nightcall (Nightcrawler), Dan Gilroy (sortie le 26 novembre 2014)

Avec Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton - USA - 1h57

Synopsis

Branché sur les fréquences radios de la police, Lou parcourt Los Angeles la nuit à la recherche d’images choc qu’il vend à prix d’or aux chaînes de TV locales. La course au spectaculaire n'aura aucune limite...

J'aime beaucoup Céline Sciamma et ses films. Les thématiques qu'elle aborde sont toujours intéressantes et portent tant un témoignage qu'un questionnement sur ce qui au premier abord peut sembler aller de soi. Tomboy notamment, était en ce sens un vrai petit chef d'oeuvre.

Bande de fille aborde, comme ses films précédents, une quête identitaire, sous la forme d'un parcours initiatique, depuis la prise de conscience jusqu'à l'affirmation de soi. A cela près qu'on se concentre ici sur une dimension raciale et sexuelle, l'affirmation de soi par l'intégration au sein d'un groupe de pairs (la bande de filles) ou d'un groupe plus large (la société).

Le contraste de cette réflexion sur le papier (qui me parlait, avant d'avoir vu le film) avec le résultat est d'autant plus étonnant que le film résonne finalement comme un bon gros cliché...

Salué partout pour avoir eu l'audace de montrer des femmes noires à l'écran (passons sur le fait qu'on présente gaiement comme audacieux un film dont les rôles principaux ne sont pas des hommes blancs. En 2014...), le film cantonne pourtant ces femmes noires dans des rôles de cliché ambulant : la fille de banlieue à l'avenir inexistant... De l'échec scolaire à la prostitution, en passant par le racket et la domination masculine, tout y passe. So much pour le discours inspirant ou la représentation positive.

Si la maitrise de la mise en scène est comme toujours chez Sciamma très pointue (la scène du début où les filles rentrent une à une chez elles ; la scène de la chambre d'hôtel, de la chanson de Rihanna à l'enlacement des corps, par exemple), le film dénote malgré tout une grosse lacune en termes d'analyse politique ou de sociologie. Il aurait par ailleurs été nettement moins impactant de faire un film aussi pauvre au niveau de l'analyse, si le casting avait été moins engagé. En choisissant de ne prendre que ces actrices et en mettant l'accent sur cet aspect dans ses interviews, dans notre société, Céline Sciamma a fait un geste politique, engagé. Impossible ensuite de faire un film qui se retire de cet engagement.

Or c'est précisément ce qu'elle fait, semant le trouble dans ses intentions.
Elle a probablement voulu, comme pour Tomboy, faire de son film non une analyse mais en quelque sorte le constat d'une certaine réalité. Sauf qu'en faisant le choix de montrer cette réalité en ayant fait ce choix de casting, impossible de rester dans la neutralité de la fiction. Je ne prête à la réalisatrice aucune intention raciste (au vu de ces films précédents ce serait étonnant), néanmoins par cette sous-analyse et un sujet à mon sens mal maitrisé, je pense que ce film est raté ou tout du moins passe-t-il complètement à côté de ses objectifs.

Et c'est tellement dommage, quand on voit le potentiel de certaines actrices, notamment Karidja Touré qui irradie littéralement l'écran ! Pourvu que cette expérience lui soit profitable et la mène vers une carrière riche de rôles variés et non uniquement de banlieusarde paumée !

★★☆☆☆

Bande de Filles, Céline Sciamma (sortie le 22 octobre 2014)

Avec Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh - France - 1h52

Synopsis

Marieme vit ses 16 ans comme une succession d’interdits. La censure du quartier, la loi des garçons, l’impasse de l’école. Sa rencontre avec trois filles affranchies change tout. Elles dansent, elles se battent, elles parlent fort, elles rient de tout. Marieme devient Vic et entre dans la bande, pour vivre sa jeunesse.

2014 manquait un peu de grand film, de ceux qui marquent et qui claquent. Et puis sort Mommy, qui balaie d'un revers dédaigneux tout le reste de l'actu ciné. Mommy, on en a parlé partout, alors on se méfie et puis Xavier Dolan, 25 ans... vraiment ? Vraiment oui !!
Mommy, plus gros coup de coeur de l'année, rejoint mes (TRÈS) rares film 5 étoiles !

Dans un Québec vaguement futuriste (une légère dose d'anticipation qui déroute un peu au départ mais n'est là que pour poser un contexte), Diane récupère la garde de son fils adolescent, jeune ange démoniaque ou démon angélique à la personnalité clivante. On sent leurs rapports pleins de tension ponctués de drames, au premier rang desquels la mort du père de Steve. Leur relation va se stabiliser au contact de la voisine, Kayla, que l'on devine elle-aussi complètement étouffée (étranglée, littéralement, au point que les mots ne viennent plus) par un drame familial. Un équilibre précaire qui ne fonctionne que grâce au déséquilibre de chacun en le poussant vers les autres.

Cette stabilité que l'on comprend éphémère, donne aux moments les plus anodins un souffle grandiose qui bouleverse et incite à profiter de chaque instant de la vie, quand à chaque moment tout peut basculer. Mommy montre la beauté des choses vues par celui qui sait qu'elle ne dureront pas. L'émotion, vive et omniprésente, prend à la gorge dès les premières minutes et ne nous lâche plus jusqu'au plan final et bien au-delà, au rythme de montagnes russes émotionnelles qui ne laisseront personne indifférent.

Dans un argot québécois imagé et percutant, quasi incompréhensible pour un Français de France mais aux sonorités aussi drôles que tragiques, on découvre des personnages rebelles et pleins d’esbroufe. Vulgaire sans jamais l'être, Diane parle fort et possède une garde-robe improbable. Elle est à l'image de son langage, poésie prolétaire qui illumine un milieu loin d'être glamour. La scène dans la cuisine par exemple, lorsque le trio entonne une chanson de Céline Dion, est parfaitement magnifique : d'une chanson cheesy on fait un hymne d'où l'on puise sa force. Pendant un moment fugace, la beauté et l'amour transcendent l'uglytude et les bâtons que la vie se met dans les roues...

La tension, fil conducteur de tout le film, tient au fait que l'on devine le drame imminent. Les signes annonciateurs du point de rupture se succèdent et on les espère trompeurs, tout comme Diane qui tente désespérément de faire avancer sa famille. Au milieu de ces personnages flamboyants pour une histoire et un milieu qui ne le sont pas, on se prend à rêver, comme eux et pour eux, d'un avenir meilleur. Douce utopie que la vie, cruelle, ne permet pas. Le fil de l'histoire va se dérouler implacablement, comme un élastique dont on soulagera parfois la tension, à l'image de ce cadrage si particulier et si inspiré.

Le film est présenté, dans sa grande majorité, au format carré. Inhabituel et déroutant, il illustre le carcan dans lequel se trouvent les personnages et qui parfois, comme dans ce moment de grâce absolue au son d'un morceau d'Oasis, s'élargit dans une envolée lyrique fabuleuse. La musique, omniprésente dans le film, joue un rôle déterminant : des tubes pas toujours très fins mais chargés des émotions qui ont ponctué nos vies et celles des personnages.

De cet amour épuisant, absolu et réciproque que Diane voue à son fils, ne devrait sortir que du bon. Il sort en tout cas un film magnifique, dont l'émotion brute emporte tout sur son passage. Xavier Dolan avait déjà fait fort avec "Laurence Anyways" (à découvrir si vous ne l'avez pas vu !!), et marqué les esprits avec "J'ai tué ma mère" il y a quelques années, sur un thème similaire. Il se surpasse ici et pourrait bien être l'un des meilleurs réalisateurs des années à venir !

★★★★★

Mommy, Xavier Dolan (sortie le 8 octobre 2014)

Avec Anne Dorval, Suzanne Clement, Antoine-Olivier Pilon - Canada - 2h19

Synopsis

Une veuve mono-parentale hérite de la garde de son fils, un adolescent TDAH impulsif et violent. Au coeur de leurs emportements et difficultés, ils tentent de joindre les deux bouts, notamment grâce à l’aide inattendue de l’énigmatique voisine d’en face, Kyla. Tous les trois, ils retrouvent une forme d’équilibre et, bientôt, d’espoir.

Film après film, Susanne Bier semble se spécialiser dans les sujets familiaux. Après After the Wedding et Brothers (dont Jim Sheridan fera rapidement un remake), elle revient avec un film qui dépeint d'autres aspects de la famille.

Le thème ici, la vengeance, est analysé sous différents aspects, comme réponse possible aux diverses formes de violence que l'on peut subir. D'une construction très didactique, il semble conçu comme un support de cours de philo ou d'éducation civique.
La violence est-elle une réponse ? Peut-on "gagner" un conflit sans se venger ?
Peut-on répondre à la violence sans sacrifier les autres ou rompre le cercle sans se sacrifier soi-même ? Autant de questions auxquelles Susanne Bier tentera de répondre avec son film.

Le sujet est troublant, soulève questions et introspections chez le spectateur, et la mise en scène des différents exemples atteint son objectif : on comprend, on hésite, on s'interroge. Qu'est-ce qui est bien, qu'est-ce qui est mal ?

La réponse ne figure pas dans le film, dont on pourra regretter son aspect froid, très peu personnel. C'est probablement volontaire, comme une prise de distance nécessaire à l'analyse, mais le résultat est une ambiance quasi chirurgicale : ça manque tout de même de chaleur.

Malgré tout Revenge est une réussite : film intelligent qui tente de provoquer un débat (ne serait-ce qu'intérieur), avec le spectateur, sur un sujet particulièrement actuel ! A voir !

★★★☆☆

Revenge (Haevnen), Susanne Bier (sortie le 16 mars 2011)

Avec Mickael Persbrandt, Trine Dyrholm, Ulrich Thomsen, Markus Rygaad, William Johnk Nilsen - Danemark / Suède - 1h53

Synopsis

Anton est médecin. Il partage son existence entre son foyer installé dans une ville paisible du Danemark, et son travail au sein d'un camp de réfugiés en Afrique. Il est séparé de sa femme, Marianne, et tous deux songent à divorcer. Leur fils aîné, Elias, âgé d'une dizaine d'années, se fait brutaliser à l'école par certains de ses camarades, jusqu'au jour où un autre garçon, Christian, décide de prendre sa défense. Ayant quitté Londres avec son père pour s'installer au Danemark, Christian est profondément marqué par le décès récent de sa mère, terrassée par un cancer. Des liens étroits se tissent bientôt entre les deux camarades. Mais quand Christian implique Elias dans un acte de vengeance particulièrement risqué où des vies humaines sont en jeu, leur amitié s'en trouve durement éprouvée. Dans des mondes que tout oppose, ces enfants et leur famille seront appelés à faire des choix difficiles, entre vengeance et pardon.