Des petits bouts d'éternité

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Difficile d'imaginer film d'animation plus réussi que celui-ci, qui parvient à imbriquer de façon si délicate la grande histoire et la petite, dans un ensemble tout à fait bouleversant sans céder à la facilité du spectaculaire.

On découvre Suzu, une petite fille installée avec sa famille près de Hiroshima. Et on va suivre la famille tout au long de la vie de Suzu ; de son enfance turbulente à la campagne à son mariage, son installation difficile avec sa belle-famille : une vie entrecoupée de deuils, de joies, de rires, de passions et surtout, en fond, de la guerre qui se trame et mènera jusqu'à l'un des événements les plus traumatisants de l'humanité : le bombardement d'Hiroshima.

La force d film est de se concentrer sur son héroïne, un petit bout de femme plein de volonté, artiste en herbe et diablement attachante. Tous les événements historiques sont abordés de son point de vue exclusivement et tout ce dont elle ne sera pas témoin est occulté. C'est une façon habile d'entrer dans le quotidien des japonais de cette époque, d'en apprendre beaucoup sur un mode de vie que l'on connaît peu, et surtout, d'appréhender un peu l'impact humain de la guerre et ses conséquences.

Loin d'être un drame étouffant (on a encore les yeux embués rien qu'à évoquer le Tombeau des Lucioles), Dans un recoin de ce monde est une magnifique ode à la vie qui met en lumière plus les points communs partagés à travers le monde que les enjeux stratégiques d'une guerre, qui somme toute, son toujours les mêmes.

Les images sont magnifiques, les personnages attachants et l'animation pleine de douceur parvient à illustrer avec brio la poésie, qu'avec un peu d'imagination on peu trouver partout, même dans un bombardement... Un incontournable de l'année !

★★★★☆

Dans un recoin de ce monde, Sunao Katabuchi (sortie le 6 septembre 2017)

Avec (les voix de) Kaycie Chase, Rena Nounen, Yoshimasa Hosoya - Japon - 2h05

Synopsis

La jeune Suzu quitte Hiroshima en 1944, à l'occasion de son mariage, pour vivre dans la famille de son mari à Kure, un port militaire. La guerre rend le quotidien de plus en plus difficile, malgré cela, la jeune femme cultive la joie et l'art de vivre. Mais en 1945, un bombardement va éprouver son courage.

Notre petite soeur est un film absolument délicieux ! A tous les sens du termes puisque comme souvent dans le cinéma japonais, la nourriture tient une grande place, et qu'on y mange beaucoup.

A l'instar de ce qu'il explorait dans ses films précédents, Kore-Eda s'intéresse à la famille, dont il décortique les liens. Le quatuor de soeurs, complémentaires et soudées, font front face au reste du monde qui semble les avoir abandonnées. Entre un père absent et une mère démissionnaire, elles se sont recrées une cellule familiale fonctionnelle et tendre. L'accueil parmi elles d'une 4e demi-soeur ne perturbera pas ce schéma mais viendra au contraire le renforcer. Entre liens du sang et liens affectifs, le réalisateur montre avec beaucoup de douceur et de tendresse ce qui nous unit aux autres.

Si les précédents films du réalisateurs s'appuyaient tous une rupture (la séparation de deux frères pour I Wish, un échange d'enfants pour Tel Père Tel Fils), c'est nettement moins le cas ici, même si le film démarre sur un décès. On a l'impression, qu'à l'instar de ses personnages, le réalisateur a trouvé une forme de sérénité qu'il a voulu mettre en image. Le film aurait certes probablement gagné à être un peu raccourci pour plus de dynamisme mais le calme qu'il dégage et la beauté des images fera rapidement oublier les quelques longueurs.

Un joli film familial, parfaitement adorable et plein de douceur, pour une séance de cinéma dont on sortira avec le sourire.

★★★☆☆

Notre Petite Soeur, Hirokazu Kore-Eda (sortie le 28 octobre 2015)

Avec Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho - Japon - 2h07

Synopsis

Trois sœurs, Sachi, Yoshino et Chika, vivent ensemble à Kamakura. Par devoir, elles se rendent à l’enterrement de leur père, qui les avait abandonnées une quinzaine d’années auparavant. Elles font alors la connaissance de leur demi-sœur, Suzu, âgée de 14 ans. D’un commun accord, les jeunes femmes décident d’accueillir l’orpheline dans la grande maison familiale…

On lit ça et là que Snow Therapy est une comédie grinçante et acide sur la famille. Je n'y ai pour ma part pas vu beaucoup d'humour ce qui m'a dans un premier temps laissée perplexe (ce film est-il raté ?), avant de réajuster mes attentes et découvrir le film tel qu'il est réellement (non il ne l'est pas).

Et ce qu'il est réellement, c'est une analyse froide et caustique, une douloureuse remise en question de l'image d’Épinal du couple et de la famille.

Autour d'un événement a priori anodin, tous les repères des personnages se disloquent doucement : une avalanche déclenchée préventivement prend l'espace d'un instant l'air menaçant et provoque la panique des personnes qui assistent au spectacle. Et dans cette panique, le père de famille, plutôt que de faire ce que tout le monde attend de lui (protéger sa famille) fuit pour sauver sa peau, seul.

Le malaise s'installe alors devant cet aveu de faiblesse et d'égoïsme que le père, dans le déni, refuse d'admettre. Cette incursion de l'inattendu dans la vie de ce couple et cette famille bien calibrée, va remettre en question tous ce qui avait été établi de façon implicite. La reflexion que cela provoque, est proprement fascinante.

Si, dans un premier temps, on est comme la mère, prompt à condamner tout de go la faiblesse du père, on parvient petit à petit à nuancer son point de vue pour décrypter non pas la réaction de cet homme mais les rouages qui nous amènent à la trouver si choquante.

S'il illustre son propos de manière parfois un peu grossière avec des scènes dont on peine à saisir l'utilité et dans une lenteur souvent assommante, Snow therapy permet toutefois une prise de recul intéressante sur nos propres automatismes et sur les rôles que l'on s'attribue, à soi autant qu'aux autres et souvent sans y penser, pour se conformer à des standards qui nous échappent.

Lorsque l'on réalise que soi-même ou son entourage ne correspond pas à ces standards, les bouleversements que cela impliquent peuvent être rudes. Or qui peut savoir comment il se comporterait en situation de crise ? Qui peut connaître ses instincts face au danger ? Ceux que l'on identifie, a posteriori, comme héros n'avaient, pas plus que les lâches, la certitude de l'être.

Bien plus réussi dans le fond que dans sa forme, Snow Therapy est en tout cas un film suédois qui interpelle, bien plus profond que la comédie noire à laquelle je m'attendais.

★★☆☆☆

Snow Therapy (Force Majeure), Ruben Öslund (sortie le 28 janvier 2015)

Avec Johannes Bah Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Clara Wettergren - Suède - 1h58

Synopsis

Une famille suédoise passe ensemble quelques précieux jours de vacances dans une station de sports d’hiver. Le soleil brille et les pistes sont magnifiques mais lors d’un déjeuner dans un restaurant de montagne, une avalanche vient tout bouleverser. Les clients du restaurant sont pris de panique, Ebba, la mère, appelle son mari Tomas à l’aide tout en essayant de protéger leurs enfants, alors que Tomas, lui, a pris la fuite ne pensant qu’à sauver sa peau… Mais le désastre annoncé ne se produit pas, l’avalanche s’est arrêtée juste avant le restaurant, et la réalité reprend son cours au milieu des rires nerveux. Il n’y a aucun dommage visible, et pourtant, l’univers familial est ébranlé. La réaction inattendue de Tomas va les amener à réévaluer leurs rôles et leurs certitudes, un point d’interrogation planant au dessus du père en particulier. Snow Therapy est une comédie grinçante sur le rôle de l’homme au sein de la famille moderne.

Finir un festival sur une note positive c'est aussi difficile à programmer que réjouissant quand ça se produit. Ce fut le cas avec Lovely Louise, véritable petite comédie-bonbon au gout acidulé qui réveille papilles et pupilles !

Dès les premières images du film, Bettina Oberli parvient à charmer le spectateur avec une scène pleine de douceur de complicité entre une mère et son fils. Qu'André ait la cinquantaine passée et vive avec sa mère Louise ne change pas grand chose à l'affaire. On découvre ainsi petit à petit ce duo particulier, lui dévoué à sa mère, elle coquette et pleine de tendresse qui abuse gentiment de ce fils aux petits soins.

La première partie est délicieuse, consacrée au quotidien de ce couple étonnant entre un vieux garçon assez éloigné du cliché de personnage typique, obtus et coupé du monde et sa mère, ancienne starlette qui minaude à l'évocation de la gloire qu'elle a jadis effleurée et abandonnée pour son fils. Puis vient le point de rupture, l'apparition d'un demi-frère, enfant illégitime élevé aux Etats-Unis et dont l'existence avait été soigneusement dissimulée à tous.

L'arrivée de ce 3e personnage va rompre l'équilibre si bien installé au fur et à mesure qu'il affiche, outre son imposante silhouette, sa gouaille à l'américaine et son affection exaltée pour une mère dont il a été privé. L'impact sur André, tout d'abord pesant et teinté de jalousie et de méfiance, va finalement lui permettre de prendre son envol, après moult péripéties plus ou moins convaincantes.

Lovely Louise n'est certes pas un film original : tout y est assez convenu, du scénario somme toute très prévisible dès lors que le 2e fils fait son apparition à la réalisation, sans fioritures ni effets de manches. Cependant le principal atout de film de Bettina Oberli n'est ni son scénario ni les péripéties de ses personnages, mais l'ambiance pleine de tendresse qui se dégage du duo/trio, ainsi que ses personnages construits avec soin. On échappe à la caricature tout en restant sur le fil et l'humour désuet qui se dégage de chacune des scènes est de celui qui provoque des sourires attendris.

On quitte la salle avec une bonne humeur revigorante, ravis d'avoir passé une heure et demie devant cette comédie douce : un vrai feel-good movie à la mode Suisse !

★★★★☆

Lovely Louise, Bettina Oberli (pas de date de sortie France)

Avec Stefan Kurt, Annemarie Düringer, Stanley Townsend, Nina Proll - Suisse / Allemagne - 1h31

Synopsis

A 55 ans, André habite toujours chez sa mère, Louise, une actrice de théâtre et ex-starlette ayant tenté sa chance à Hollywood dans les années 30. Leur train-train est perturbé lorsque débarque tout droit des Etats-Unis Bill, un commercial charismatique, qui prétend être le fils de Louise. Celle-ci va devoir faire appel à sa mémoire pour répondre aux questions d’André et retrouver le nom de leur père…

Love is strange raconte l'histoire d'un couple d'homosexuels de la soixantaine, qui se retrouve soudainement à la rue, l'un d'entre eux ayant été licencié en raison de leur récent mariage. Il vont devoir se résoudre à être hébergés par leurs proches. Avec un sujet pareil, Ira Sachs parvient à ne pas faire de son film un pamphlet LGBT. Et c'est probablement ce qui le rend un peu bancal, mais si doux.

Car sans la cause de leur soudain appauvrissement, l'histoire de ce couple aurait pu être celle de n'importe qui, hétéro ou non. Et c'est en filmant l'ordinaire, qu'Ira Sachs tente d'y débusquer l'extraordinaire.

En résulte un film plein de douceur et d'élégance, un portrait générationnel de la vie urbaine d'aujourd'hui : des espaces de vie confinés et de la liberté qu'on y puise toutefois ; de la difficulté de cohabiter avec les gens qu'on aime et de communiquer entre générations. On s'attache principalement au personnage de Ben, qui est hébergé provisoirement chez son neveu, sa femme et son fils, et aux difficultés que la présence de ces trois générations sous le même toit engendre. Les petits désagréments du quotidiens y sont montrés avec douceur, noyés dans l'amour qui transpire entre ceux-là, même lorsque la crise monte.

Les relations entre Ben et son époux font l'objet de quelques scènes émouvantes, jusqu'à l'avant-dernière scène qui parvient à en dire beaucoup avec une sobriété incroyable.

Love is Strange n'est certes pas un grand film, mais c'est un beau film, plein de tendresse et de charme, qui laissera son empreinte dans l'esprit de ceux qui auront passé un moment en sa compagnie.

♥♥

Love Is Strange, Ira Sachs (sortie le 12 novembre 2014)

Avec John Lithgow, Alfred Molina, Marisa Tomei, Charlie Tahan - USA - 1h38

Synopsis

Après 28 années de vie commune, Ben et George peuvent enfin se marier. Mais à leur retour de lune de miel, Ben perd son travail, et les jeunes époux sont contraints de quitter leur appartement pour aller vivre séparément ailleurs.

Avec Une Nouvelle Amie, Ozon s'intéresse à un sujet d'actualité, les identités transgenres et propose sa vision des choses, certes bienveillante mais quelque peu chloroformée.

Comme souvent, il propose avec ses films une analyse sociétale et ses œuvres constituent de véritables marqueurs temporels d'une société en pleine évolution. Le problème avec Ozon, c'est que ses analyses relèvent plus de celles de M/Mme Toulemonde au Café du Commerce que de l'analyse sociologique. Mais c'est sa marque de fabrique : Ozon n'est pas un visionnaire, c'est un témoin.

Et le témoignage qu'il nous livre avec Une Nouvelle Amie est malgré tout très intéressant.

Il montre avec beaucoup de bienveillance, à défaut de finesse, le portrait d'un homme dont le deuil provoque une urgence de vie et la volonté d'assumer ses désirs jusqu'ici cachés. La rencontre de David/Virginia avec Claire va provoquer chez chacun d'eux une prise de conscience qui mènera à l'affirmation de soi.

Romain Duris est absolument parfait dans le rôle de Virginia, dont il maîtrise la féminité balbutiante à la perfection, bien loin de la caricature et du ridicule que ce type de rôle, mal interprété, aurait pu susciter. Le parallèle entre son personnage et celui de Claire est une belle réussite et l'épilogue représente un joli pied de nez aux intolérants.

Ce n'est d'ailleurs probablement pas un hasard si les seules réactions par rapport à la transformation de David sont celles du mari de Claire, qui incarne à lui seul toute la beaufitude de la société. A aucun moment Virginia ne sera confrontée à ce que le monde extérieur (y compris Gilles) pense d'elle : elle ne vit que dans les yeux de Claire qui lui permettent d'exister, et réciproquement. En se focalisant sur les sentiments de ses personnages, Ozon leur donne une légitimité qui va au-delà de toute revendication. C'est habile, mais j'aurais trouvé plus intéressant de se positionner par rapport à une problématique sociologique, de même que la transidentité, polymorphe, de David, aurait gagné à être plus cadrée.

Reste qu'Une Nouvelle Amie est un beau film d'amour ; pas tant une romance qu'un film qui célèbre la découverte et l'amour de soi, assez fort pour affirmer qui l'on est même si cela va à l'encontre des normes établies.

♥♥♥

Une Nouvelle Amie, François Ozon (sortie le 5 novembre 2014)

Avec Romain Duris, Anaïs Demoustier, Raphaël Personnaz, Isild Le Besco - France - 1h47

Synopsis

À la suite du décès de sa meilleure amie, Claire fait une profonde dépression, mais une découverte surprenante au sujet du mari de son amie va lui redonner goût à la vie.

2014 manquait un peu de grand film, de ceux qui marquent et qui claquent. Et puis sort Mommy, qui balaie d'un revers dédaigneux tout le reste de l'actu ciné. Mommy, on en a parlé partout, alors on se méfie et puis Xavier Dolan, 25 ans... vraiment ? Vraiment oui !!
Mommy, plus gros coup de coeur de l'année, rejoint mes (TRÈS) rares film 5 étoiles !

Dans un Québec vaguement futuriste (une légère dose d'anticipation qui déroute un peu au départ mais n'est là que pour poser un contexte), Diane récupère la garde de son fils adolescent, jeune ange démoniaque ou démon angélique à la personnalité clivante. On sent leurs rapports pleins de tension ponctués de drames, au premier rang desquels la mort du père de Steve. Leur relation va se stabiliser au contact de la voisine, Kayla, que l'on devine elle-aussi complètement étouffée (étranglée, littéralement, au point que les mots ne viennent plus) par un drame familial. Un équilibre précaire qui ne fonctionne que grâce au déséquilibre de chacun en le poussant vers les autres.

Cette stabilité que l'on comprend éphémère, donne aux moments les plus anodins un souffle grandiose qui bouleverse et incite à profiter de chaque instant de la vie, quand à chaque moment tout peut basculer. Mommy montre la beauté des choses vues par celui qui sait qu'elle ne dureront pas. L'émotion, vive et omniprésente, prend à la gorge dès les premières minutes et ne nous lâche plus jusqu'au plan final et bien au-delà, au rythme de montagnes russes émotionnelles qui ne laisseront personne indifférent.

Dans un argot québécois imagé et percutant, quasi incompréhensible pour un Français de France mais aux sonorités aussi drôles que tragiques, on découvre des personnages rebelles et pleins d’esbroufe. Vulgaire sans jamais l'être, Diane parle fort et possède une garde-robe improbable. Elle est à l'image de son langage, poésie prolétaire qui illumine un milieu loin d'être glamour. La scène dans la cuisine par exemple, lorsque le trio entonne une chanson de Céline Dion, est parfaitement magnifique : d'une chanson cheesy on fait un hymne d'où l'on puise sa force. Pendant un moment fugace, la beauté et l'amour transcendent l'uglytude et les bâtons que la vie se met dans les roues...

La tension, fil conducteur de tout le film, tient au fait que l'on devine le drame imminent. Les signes annonciateurs du point de rupture se succèdent et on les espère trompeurs, tout comme Diane qui tente désespérément de faire avancer sa famille. Au milieu de ces personnages flamboyants pour une histoire et un milieu qui ne le sont pas, on se prend à rêver, comme eux et pour eux, d'un avenir meilleur. Douce utopie que la vie, cruelle, ne permet pas. Le fil de l'histoire va se dérouler implacablement, comme un élastique dont on soulagera parfois la tension, à l'image de ce cadrage si particulier et si inspiré.

Le film est présenté, dans sa grande majorité, au format carré. Inhabituel et déroutant, il illustre le carcan dans lequel se trouvent les personnages et qui parfois, comme dans ce moment de grâce absolue au son d'un morceau d'Oasis, s'élargit dans une envolée lyrique fabuleuse. La musique, omniprésente dans le film, joue un rôle déterminant : des tubes pas toujours très fins mais chargés des émotions qui ont ponctué nos vies et celles des personnages.

De cet amour épuisant, absolu et réciproque que Diane voue à son fils, ne devrait sortir que du bon. Il sort en tout cas un film magnifique, dont l'émotion brute emporte tout sur son passage. Xavier Dolan avait déjà fait fort avec "Laurence Anyways" (à découvrir si vous ne l'avez pas vu !!), et marqué les esprits avec "J'ai tué ma mère" il y a quelques années, sur un thème similaire. Il se surpasse ici et pourrait bien être l'un des meilleurs réalisateurs des années à venir !

★★★★★

Mommy, Xavier Dolan (sortie le 8 octobre 2014)

Avec Anne Dorval, Suzanne Clement, Antoine-Olivier Pilon - Canada - 2h19

Synopsis

Une veuve mono-parentale hérite de la garde de son fils, un adolescent TDAH impulsif et violent. Au coeur de leurs emportements et difficultés, ils tentent de joindre les deux bouts, notamment grâce à l’aide inattendue de l’énigmatique voisine d’en face, Kyla. Tous les trois, ils retrouvent une forme d’équilibre et, bientôt, d’espoir.

Du ciné underground au ciné d'auteur, il n'y a qu'un pas et Gregg Araki l'a franchi il y a quelques années. White Bird est donc assez loin de la radicalité de ses films de jeunesse, et même s'il se concentre sur le même sujet, il est l'un de ses films les plus accessibles.
Il passe ainsi d'une vision de l'adolescence pessimiste et rageuse, à un cocon ouaté à la fois très vivant et presque absent. Une vision très 'adultisée' de cette période.

Mais White Bird, c'est surtout l'explosion de l'american way of life par le démantèlement d'une famille typique américaine. Sous le vernis de ce qui est montré en exemple, la pourriture gagne discrètement, comme occultée par l'atmosphère protectrice d'un congélateur accidentellement débranché : ce n'est qu'à l'ouverture de la Boîte de Pandore qu'il révèlera, dans une explosion olfactive, tout ce qui se tramait sous la surface.

C'est à cette image que se déploie le film d'Araki, au-delà du simple parti-pris excentrique et de façon plus souterraine, en s'attachant à ses personnages qu'il utilise comme révélateur.

L'adolescence est certes le thème central, comme dans la plupart de ses films, mais si le personnage de Kat semble essentiel, c'est surtout autour de la mère que tout se joue. Figure tentaculaire qui semble régner sur le foyer, on comprend bien vite qu'elle représente la frustration d'une adulte au paradis perdu qui tente de rejouer son golden age au travers de sa fille et des yeux de son petit ami.
Écrasée par cette possessivité, Kat est livrée à elle-même après la disparition et tente de se construire hors de l'opposition qui la caractérisait. C'est ainsi dans une relative indifférence qu'elle va continuer sa vie, entourant les souvenirs impliquant sa mère d'un voile cotonneux.

Entre incompréhension et trouble sexuel propre à cet âge, on sent l'impact de cette période charnière, petite bombe à retardement qui ne refera surface qu'à l'âge adulte. Beaucoup de références pointent vers ce qui est sous-jacent, caché, et ce n'est certainement pas une coïncidence si la disparition est restée si longtemps inexpliquée, pour se voir résolue de façon si foudroyante lorsque Kat, à la fac, se détache de l'enfance et commence à prendre conscience de la mesure du trauma provoqué.

L'aspect policier quant à lui n'est clairement pas le moteur du film, qui se concentre sur les relations des personnages à leur propre enfance. Comme souvent, Araki peint un parfait portrait d'une période qui, pour peu que l'on ait été ado fin 80/début 90, nous sera instantanément familière. Un voyage sensoriel et émotionnel réussi pour ce qui est à ce jour pour moi, le meilleur Araki.

★★★★☆

White Bird (White Bird in a Blizzard), Gregg Araki (sortie le 15 octobre 2014)

Avec Eva Green, Shailene Woodley, Shiloh Fernandez, Christopher Meloni, Gabourey Sidibe, Mark Indelicato - USA - 1h31

Synopsis

Kat Connors a 17 ans quand sa mère, Eve, une femme au foyer belle et énigmatique disparaît. Préoccupée par ses premiers émois amoureux la jeune fille ne semble pas s’inquiéter de l'absence de sa mère. Mais peu à peu Kat prend conscience et se retrouve très vite confronté à la vérité...

Comment reconnaître un bon "Film à Oscars" ?
Eh bien tout d'abord un casting de stars, avec son quota de figures emblématiques vieillissantes et puis un sujet si possible social ou à défaut un film sur la famille, à base de "j'ai jamais été assez bien pour toi, c'est trop injuste" de préférence. Ajoutez-y un peu de rédemption, d’héroïsme (pour la version masculine) ou de dévotion (pour la version féminine), et le tour est joué, bingo, nominé aux Oscars. Bon au niveau de la date de sortie, on est un peu tôt et ça risque de desservir le Juge mais à part ça c'était dans le mille.

On avait donc eu Un été à Osage Contry l'an dernier et voici la version masculine du drame familial, avec patriotisme à la clé et même un rôle d'handicapé façon Rain Man...

Bon vous l'aurez compris, je n'ai pas aimé Le Juge. C'est convenu, caricatural et plan plan (et quand je dis plan-plan, je veux dire littéralement : chaque scène est déclinée au moins deux fois, apparemment le monteur a démissionné en cours de route ou alors il a eu peur qu'on ne comprenne pas bien...) et le propos est environ aussi inspirant qu'un livre de Mars et Vénus.

Je suis d'ordinaire pourtant assez réceptive aux films familiaux et aux rédemptions parentales, du moins quand il y a un peu de contenu (comme dans Nebraska par exemple, qui est devenu mon mètre-étalon du film filial !!) mais tout est trop long ici et le sujet est complètement vain. J'aurais bien envie de vous dire que Robert Downey Jr relève un peu la sauce mais il cabotine à tout va et apparemment sans trop être cadré : un joyeux bordel qu'on appréciera à hauteur de son affection pour RDJ...

Il semblerait donc que Dobkin ait décidé de passer des comédies familiales lourdaudes au drame familial, mais toujours aussi lourdaud...

★☆☆☆☆

Le Juge (The Judge), David Dobkin (sortie le 22 octobre 2014)

Avec Robert Downey Jr, Robert Duvall, Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Vincent D'Onofrio - USA - 2h21

Synopsis

Fils de magistrat, Hank Palmer, grand avocat, revient dans la petite ville de son enfance, où son père, qu'il n'a pas revu depuis longtemps, est soupçonné de meurtre. Il décide alors de mener l'enquête pour découvrir la vérité et, chemin faisant, renoue avec sa famille avec laquelle il avait pris ses distances …