Des petits bouts d'éternité

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Et sinon Grave, c'était bien ?

Ben non en fait, pas trop. D'ailleurs c'est un peu pénible d'entendre tout le monde être aussi dithyrambique à son sujet, on en vient à se demander si les gens ont vu d'autres films avant ou si c'est le premier de leur vie....

Entre la subversion et le côté sulfureux, je ne sais pas si on a vu le même film... Je l'ai vu en festival et je m'attendais à voir quelque chose de lourd. J'avais déjà vu des films qui allaient loin et quand j'ai entendu ces histoires de gens qui avaient tourné de l'oeil je me suis dit que ça devait être bien gore, j'ai même hésité un peu avant d'y aller. Et en définitive, ce n'est pas DU TOUT gore. Et ça ne fait pas DU TOUT peur non plus. Et ce n'est pas un problème, au contraire mais justement pourquoi entretenir cette réputation, parfaitement usurpée, de film gore et subversif ??

Et à part ça, c'est comment ?

Ben c'est quand même très léger. Le thème est intéressant, et le début du film vraiment bien fichu. L'intro est parfaite, intrigante comme il faut pour qu'on ait envie d'en savoir plus, et les images séduisent instantanément. Dommage que ça s'arrête là.

Car assez vite Julia Ducournau enfile de gros sabots, qu'elle ne quittera plus. Rien de subversif dans son film, juste une gamine qui mange un peu de chair humaine comme si sa vie en dépendait. Ce qui aurait pu être une allégorie intéressante de n'importe quelle addiction, ou carrément aller plus loin dans la perversion et s'intéresser aux pulsions, se résume à une ado qui à peine installée en internat brise le carcan dans lequel ses parents l'avaient installée.

Oui, tout ça pour dire ça. Léger, je disais.

Il y avait pourtant une matière rêvée pour un récit initiatique beaucoup plus troublant et surtout moins explicatif que ça !

Car comme le film manque cruellement de sujet et de point de vue, tout est assez rapidement surligné de façon complètement artificielle et lourdaude. Bien souvent les scènes + dialogues + musique disent tous précisément la même chose en même temps, soit l'équivalent cinématographique du twin set... autant dire que j'estime qu'en 2017 on pourrait éventuellement passer à autre chose !

C'est tellement dommage car il y a du talent dans ce film ! Il y a du talent dans la mise en scène, dans la photographie, dans les actrices,... mais aucun n'est réellement mis au service du film qui finalement se résume un peu à un catalogue de compétences et surtout très très loin de toute forme de subversion annoncée.

Néanmoins, ce qui est très clairement un atout du film et est salué à juste titre, c'est que sa réalisatrice, une femme donc, se consacre au film de genre et qu'en plus elle choisisse de mettre en scène des femmes dans les rôles principaux. C'est malheureusement assez rare pour être souligné, et on est bien content de voir arriver de nouveaux talents dans ce secteur ! On espère vraiment voir d'autre films qui aillent dans ce sens, avec l'espoir que pour ses prochains films Ducournau laissera tomber les barrières et ira un peu plus loin.

★★☆☆☆

Grave, Julia Ducournau (sortie le 15 mars 2017)

Avec Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Naït Oufella - France - 1h38

Synopsis

Dans la famille de Justine tout le monde est vétérinaire et végétarien. À 16 ans, elle est une adolescente surdouée sur le point d’intégrer l’école véto où sa sœur ainée est également élève. Mais, à peine installés, le bizutage commence pour les premières années. On force Justine à manger de la viande crue. C’est la première fois de sa vie. Les conséquences ne se font pas attendre. Justine découvre sa vraie nature.

Rencontre
avec Julia Ducournau après la projection du film au Star St Exupéry à Strasbourg pour le FEFFS

Dans le Téhéran des années 80, Shideh tente de conserver une vie normale pour sa fille, malgré la guerre qui s'intensifie. Lorsque le mari est envoyé au front, elles se retrouvent seules dans un immeuble petit à petit abandonné par les voisins, dans une ville assommée par les bombardements.

Dans ce contexte effrayant où il est difficile de faire la part des choses entre syndrome de stress et influence de la superstition, la petite Dorsa commence à se plaindre de la présence de Djinns qui la harcèlent...

Le film de Babak Anvari est intéressant à bien des égards. Au-delà du simple film d'épouvante, il introduit de façon discrète mais efficace un regard sur le moyen-orient des années 80 et par extrapolation, sur la vie en temps de guerre et la place des femmes dans la société Iranienne de l'époque.

En prenant le temps de construire ses personnages et de poser le contexte dans lequel ils évoluent (et qui semblera familier à tous les enfants des années 80) il tisse un attachement du spectateur envers Shideh et Dorsa. On partage ainsi leurs angoisses et lorsque l'horreur surgit, elle n'en sera que plus terrifiante.

Si l'on mesure la qualité d'un film d'horreur à sa façon de distiller la peur comme au compte-goutte et sans abuser des trop faciles Jump Scare, alors Under the Shadow se hisse jusqu'en haut de l'échelle, tant la tension qui se dégage pendant le film est palpable.

La mythologie des Djinns, même si on aurait aimé qu'elle soit un peu plus développée, est originale et cohérente avec le contexte. Avec ces petits aperçus sur une culture trop méconnue en Europe, Under the Shadow invite au voyage et à la découverte.

Décors soignés, personnages bien construits et une narration réellement effrayante : le film de Babak Anvari est la vraie bonne surprise, terriblement efficace, de ce festival !

★★★★☆

Under the Shadow, Babak Anvari (pas de date de sortie France)

Avec Narges Rashidi, Avin Manshadi, Ray Haratian - GB - Jordanie - Qatar - 1h23

Synopsis

Téhéran, 1988. Shideh, mariée et mère d'une petite fille, se retrouve seule avec sa fille lorsque son mari est appelé au front durant la Guerre entre l'Iran et l'Irak. Mais bien vite la petite fille commence à avoir un comportement troublant et semble malade. La mère se demande alors si sa fille n'est pas possédée par un esprit...

Les autres films du FEFFS 2016

Sweet Home est un thriller efficace, rythmé et tendu qui fonctionne à merveille. Parfait exemple du Home invasion à peine détourné (on n'est pas à proprement parler dans une maison puisqu'il s'agit de logements vides dans lesquels se retrouve piégé un couple d'amoureux), le film de Rafael Martinez parvient, autour d'un set de personnages très limité à faire monter une tension sourde sans jamais en rompre le film. Bien joué !

Le film est certes d'un classicisme étonnant pour un réalisateur si jeune, mais sa technique est maîtrisée et les mouvements de caméra parfaitement calibrés qu'il s'autorise dans un espace aussi restreint contribuent à doser une angoisse grandissante.

Sans temps-morts ni relâchement, Sweet Home suit son héroïne dans le dédale des couloirs et recoins, jusqu'à une apogée pas forcément à la hauteur du reste du film mais malgré tout réjouissante.

Une héroïne plutôt qu'un héros, voilà de quoi un peu changer la donne et enfin sortir du shéma victime/bourreau habituel et ça fait du bien !

Avec des références solidement ancrées, desquelles il parvient à se défaire sans mal (Rec notamment, auquel on pense forcément lorsqu'on évoque un huis-clos dans un immeuble barcelonais), Sweet Home s'impose comme un film solide.

1h22 sous tension, dont on se souviendra longtemps !

★★★☆☆

Sweet Home, Rafael Martinez (pas de date de sortie France)

Avec Ingrid Garcia Jonsson, Bruno Seville - Espagne - 1h22

Synopsis

Alicia attire son compagnon dans un immeuble quasi déserté pour une soirée en tête à tête. Le même jour, elle s’était rendue sur place dans le cadre de son emploi pour motiver le dernier locataire à s’en aller. Mais des hommes reviennent, pendant la nuit, avec un même but et des moyens plus radicaux. Alicia les surprend et tentera de leur échapper jusqu’au matin.

Les autres films vus dans le cadre du FEFFS

Projection dans le cadre du FEFFS 2015
En présence du réalisateur Rafael Martinez et du Scénariste Angel Agudo

The Lobster nous embarque dès l'ouverture dans un monde dont les codes, complètement loufoques, nous échappent, tout en semblant au fond vaguement familier.

Ce conte dystopique dans lequel l'amour est une obligation basée sur d'improbables traits communs aussi incongrus que le fait de boiter ou de saigner du nez oriente, sous ses airs de comédie, vers une réflexion sur notre propre vision des relations.

Dans cet univers où le célibat n'a pas de place, les couples fraichement séparés sont pris en charge dans des hôtels de l'amour, vaguement menaçants, pour un processus au terme duquel il seront soit casés soit déshumanisés. Colin Farrel incarne ici à contre emploi un homme fade et bedonnant qui tente de s'extraire de l'ordre établi, pour réaliser que l'alternative qui lui est offerte n'est guère plus réjouissante.

La métaphore est intéressante et la fable de Lanthimos s'attachant autant à démonter une certaine idée du couple, comme fin en soi ou but à atteindre, qu'au célibat en tant que sacerdoce indestructible.

Dans les deux cas, l'individu au coeur de l'histoire se fond dans un tout finalement tout autant déshumanisé que la sanction dont on le menace : finir ses jours sous une forme animale.

The Lobster est un film très intrigant et malgré quelques longueurs dans sa partie sylvestre, il est tellement à part dans le paysage cinématographique actuel qu'il vaut d'être vu rien que pour saluer son audace.

★★★★☆

The Lobster, Yorgos Lanthimos (sortie le 28 octobre 2015)

Avec Colin Farrel, Lea Seydoux, Rachel Weisz, Ariane Labed, Jessica Barden - Grèce/Irlande - 1h58

Synopsis

Le pitch d’un film de Yorgos Lanthimos provoquera invariablement une élévation de vos sourcils. Ici, Colin Farrell, bedonnant et désemparé, intègre un centre strict et cloisonné dans lequel des célibataires doivent rapidement trouver l’âme soeur. En cas d’échec, ils sont dépossédés de leur humanité et transformés en animal de leur choix. Et le héros du film nsouhaite devenir un homard.

Bien loin d'être aussi décousu et innocent qu'il n'y parait, Tag est un vrai film à message, qui sous ses airs de survival gore traite de sujets de société loin d'être anecdotiques. Le réalisateur, Sion Sono (que je découvre avec ce film) semble coutumier des films traitant du désespoir, de l'inéluctabilité d'un destin tout tracé par une société japonaise trop rigide. Tag n'y fera pas exception, en s'intéressant particulièrement au point de vue féminin.

L'héroïne, Mitsuko, est à une période charnière à la fin de l'enfance et l'entrée dans l'adolescence. Ce moment ou l'infinité des possibles de l'enfance se ressèrent avec les premiers choix et performances scolaires. La menace sourde et invisible que Sono fait incarner à un vent destructeur qui décapite ses victimes, représente à la fois cette peur de l'entrée dans l'âge adulte dont on ne sait pas trop de quoi il sera fait ni d'où les menaces viendront et celle de la compétition acharnée dans le système scolaire japonais.

Le second personnage incarné par l'héroïne est celui d'une mariée résignée : Mitsuko entre petit à petit dans le moule qui est prévu pour elle, qu'elle s'y épanouisse ou non n'étant pas la question...

Quant au 3e personnage, la marathonienne, il évoque probablement une pression de la réussite, de rester à la hauteur, compétitive en toutes circonstances.

Le casting est entièrement féminin (à part à la toute fin où l'on découvre [petit spoiler] le personnage qui tire les ficelles et qui s'avère être un homme) et cette démarche à elle seule en fait un film militant, tant ce n'est pas courant. Avec ses différents personnages qui sont finalement le même, Sono parvient à traiter plusieurs aspects de la vie d'une femme japonaise et à délivrer le même message sous différentes formes.

Car Tag n'est pas le film pessimiste qu'il parait être et appelle à la prise de conscience plutôt qu'à la résignation et par son héroïne (à qui il fait notamment répéter inlassablement son nom pour qu'elle se souvienne de qui elle est) il appelle à la rébellion !

Si la forme est très maitrisée dans le choix des plans et des cadrages, notamment ceux, aériens, du début du film, c'est malgré tout un film très adolescent, dans ses codes et son thème, qu'on a sous les yeux. Le film de quelqu'un qui refuse de se plier aux règles et tente d'éveiller les esprits. Devant Tag, si l'on parvient à entrer dans l'univers très étrange de cet OVNI cinématographique, on retrouve cette âme militante et en questionnement perpétuel. C'est un film qui réveille et qui ne laissera pas indifférent, l'un de mes coups de coeur de ce Festival 2015 !

★★★★☆

Tag, Sion Sono (pas de date de sortie France)

Avec Reina Triendl, Mariko Shinoda, Erina Mano - Japon - 1h25

Synopsis (source : site FEFFS)

Tag s’ouvre sur un tourbillon de scènes mêlant à merveille le gore et le poétique. En un éclair de seconde, la vie d’une écolière insouciante bascule à tout jamais. Commence alors pour elle un voyage frénétique au coeur d’obscures réalités parallèles où règnent le désordre et la violence, et où la sensualité féminine est exacerbée.

À travers ses deux héroïnes, Mitsuki et sa copine Izumi, Sion Sono confère cohérence et profondeur à ce film qui, autrement, aurait pu n’être qu’une incursion divertissante dans un surréalisme particulièrement déjanté. Il parvient ainsi à faire de Tag un témoignage touchant de notre consternation face au chaos de la vie. « La vie est comme une plume qui tombe », dit Izumi, « et personne ne sait où elle finira par atterrir. Tout ce qu’on peut faire, c’est la berner en allant là où elle ne nous attend pas ». Et c’est précisément ce qui se passe à la fin du film.

Der Bunker est l'un de ces bijoux, insoupçonnables à première vue, qui révèlent tout leur génie lors de la projection. Comment imaginer en effet que derrière un synopsis aussi banal puisse se cacher une véritable pépite d'humour et d'absurdité ?

L'histoire la voici, c'est celle d'un étudiant sans nom (Der Student) qui en quête d'un lieu paisible pour mener à bien ses recherches, s'installe dans ce qu'il pensait être une coquette pension de famille à la campagne. Il s'agit en réalité d'un bunker au milieu de nulle part, dans lequel vit une famille des plus étranges dont il deviendra le percepteur, chargé par des parents obsessionnels d'éduquer un fils demeuré qu'ils s'imaginent en futur Président, le tout orchestré par une mystérieuse voix venue d'ailleurs.

L'essentiel du film ne réside évidemment pas dans son pitch mais dans l'ambiance joyeusement glauque que Chryssos met en place, dans une mise en scène méticuleuse et un décor quasi lynchien.

Les personnages décalés évoquent les maîtres de l'humour d'antan : on retrouve notamment dans le personnage du père des zests de Buster Keaton, ce magistral clown involontaire ! Le ton du film quant à lui, fait rire par le décalage des situations qu'il présente, telle cette scène formidable où le "jeune" Klaus se chante à lui même "Happy birthday to me". Cette maîtrise de l'absurde rappelle entre autre celle des films de Quentin Dupieux et son apologie du 'No Reason' (Rubber).

On ne comprend pas vraiment ce qui se joue dans ce bunker, si ce n'est l'affrontement entre deux rapports à l'apprentissage, l'un par la souffrance (Klaus et ses doigts en miettes) et l'autre par la jouissance (le Student et les visites nocturnes qu'il reçoit), et la remise en question profonde pour tous les protagonistes qui résultera de la confrontation de ces deux méthodes.

Der Bunker est ainsi une fable étrange qui happe le spectateur avec une proposition complètement originale qui vaut pour cette seule raison le détour dans une salle obscure !

★★★★☆

Der Bunker, Nikias Chryssos (pas de date de sortie France)

Avec Pit Bukowski, Daniel Fripan, Oona von Maydell - Allemagne - 1h25

Synopsis

Un étudiant ambitieux recherche le calme et la solitude pour se focaliser sur son travail. Il se retrouve dans une résidence ressemblant à un bunker, habité par un couple qui scolarise leur fils Klaus à la maison. Ils lui demandent alors de s’occuper de l’éducation de Klaus qui se révèle avoir de grosses difficultés pour assimiler les leçons qui lui sont dispensées dans ce cadre familial plutôt déstabilisant.

Les autres films vus dans le cadre du FEFFS

Projection dans le cadre du FEFFS 2015

en présence du réalisateur Nikias Chryssos

J'avais snobé White God lors de sa projection dans le cadre du Festival du Film Fantastique de Strasbourg (FEFFS), car j'avais quelques réserves sur le concept de Fable-de-la-fontainiser le cinéma en faisant interpréter par des chiens une révolte humaine symbolique. Ça me semblait casse-gueule. Et puis le film a été primé par le jury et bien accueilli à sa sortie alors j'ai décidé de lui laisser une chance.

Chance que White Dog n'a pas saisie, confirmant très vite toutes les réserves que j'avais en septembre. Damned, quelle déception !

Le film se déroule dans une société hongroise de laquelle sont bannis les chiens de race non pure - Attention, la métaphore est subtile. Ces chiens sont chassés par leur maîtres qui ne peuvent payer les lourdes taxes qui leur sont imposées et finissent, au mieux à la fourrière pour y être euthanasiés, au pire entre les mains de réseaux mafieux qui les exploitent avec cruauté. Tout d'abord pacifiquement résignés, les chiens finissent par se rebeller sous l'impulsion de Hagen, molosse au coeur tendre.

Evidemment, le sujet est intéressant et montrer que la misère ne disparaît pas parce que l'on refuse de la voir et que, réprimée et sans appui, elle alimente les réseaux mafieux ravis de cette aubaine, est un thème certes pas nouveau mais malheureusement toujours d'actualité.

Et devant la profusion d'images, terribles, auxquelles ont a fini par s'habituer et s'endurcir, contourner notre résistance en incarnant cette réalité par les animaux qui nous sont les plus proches, c'est habile ! La Fontaine en son temps ne faisait pas mieux !

Oui mais voilà, avoir une bonne idée ne suffit pas toujours. Encore faut-il l'exploiter jusqu'au bout et de façon cohérente. C'est là le gros défaut de White God.
Car le film regorge de bonnes idées et de plans fabuleux à l'image de cette ville désertée envahie soudain par les chiens, mais sa grande erreur est d'avoir à la fois humanisé les chiens, tout en leur conférant malgré tout des problématiques canines. Le film balance alors entre deux eaux sans jamais parvenir à prendre position ; c'est bancal et ça ne fonctionne plus.

Ainsi, tout le pan de l'histoire de Lily, que l'on suit en parallèle de Hagen alors qu'elle tente de le retrouver, n'a rien à faire dans un film social. On comprend bien que cette dychotomie est là pour contrebalancer la réalité de Hagen, pour nuancer le propos et montrer que "not all humans" are bad... mais dans ce cas il aurait alors fallu rester dans le même registre. La métaphore ne peut pas fonctionner que dans un sens !

Car de l'autre côté la rébellion, très anthropomorphique, des chiens tombe comme un cheveu dans la soupe de la chronique familiale qu'est la partie consacrée à Lily.

Bref, Mundruczo ne sait visiblement pas sur quel pied danser et s'éparpille dans deux directions opposées et le sentimentalisme malvenu qui en découle est par moment franchement insupportable !

On aurait, à la limite, préféré que les chiens se déchaînent réellement, envahissant vraiment la ville au lieu de se focaliser sur une sorte de justice vengeresse assez étrange puisqu'elle ne concerne que Hagen. Mundruczo avait le matériau pour un excellent film choc, gore, puissant et contestataire. Et au lieu de ça on se retrouve avec une espèce de Belle et Sébastien hongrois... Tellement dommage !

★☆☆☆☆

White God, Kornel Mundruczó (sortie le 3 décembre 2014)

Avec Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth - Hongrie - 1h59

Synopsis

Pour favoriser les chiens de race, le gouvernement inflige à la population une lourde taxe sur les bâtards. Leurs propriétaires s’en débarrassent, les refuges sont surpeuplés. Lili, 13 ans, adore son chien Hagen, mais son père l’abandonne dans la rue. Tandis que Lili le cherche dans toute la ville, Hagen, livré à lui-même, découvre la cruauté des hommes. Il rejoint une bande de chiens errants prêts à fomenter une révolte contre les hommes. Leur vengeance sera sans pitié. Lili est la seule à pouvoir arrêter cette guerre.

Présenté au FEFFS 2012, Le Mur Invisible déroute un peu par son absence d'éléments "fantastiques". En effet si le mur en question semble d'origine pour le moins mystérieuse, on n'accorde à la question de son existence aucune importance, aucune analyse, aucune remise en question. Le mur est là. Et ensuite ?

Ensuite, la solitude. Extrême. Et une réflexion intense, psychanalytique sur ce qui fait l'humain dans l'humain. Ce qui différencie l'homme de l'animal. La forme est un monologue épistolaire : l'héroïne, sans nom, écrit son histoire. C'est ce récit qu'elle nous livre en voix off. Aucun dialogue. Aucune action. Aucune austérité non plus.

Car Pölsler parvient à éviter avec adresse la plupart des pièges qu'il s'était lui-même tendus. Pas de carcan visuel dans le décor que la présence du mur n'altère pas. Les paysages montagneux sont grandioses et les plans larges, ce qui plutôt que d'étouffer montre la petitesse de l'humain dans la majesté sauvage. Le retour aux origines, à notre nature profonde passe par là, l'acceptation de notre insignifiance et la responsabilité qui pèse sur les épaules de l'héroïne par rapport à "ses" animaux. Car c'est bien cela qui nous différencie en fin de compte. L'empathie. La conscience du sort des autres êtres vivants et la responsabilité que l'on endosse vis à vis d'eux.

Un film magnifique, subtil et d'une grande intelligence qui ne manquera pas de soulever réflexions et questionnements intimes chez le spectateur. Coup de coeur !

★★★★☆

Le Mur Invisible (Die Wand), Julian Pölsler (sortie le 13 mars 2013)

Avec Martina Gedeck - Allemagne - 1h48

Synopsis

Une femme se retrouve seule dans un chalet en pleine forêt autrichienne, séparée du reste du monde par un mur invisible au-delà duquel toute vie semble s’être pétrifiée durant la nuit. Tel un moderne Robinson, elle organise sa survie en compagnie de quelques animaux familiers et s’engage dans une aventure humaine bouleversante.

Quand on parle de tueur cannibale on a tous en tête Anthony Hopkins en Hannibal Lecter et les films flippants le mettant en scène. Si le cannibale de Cuenca partage avec Lecter un certain raffinement, les points de comparaison s'arrêtent là. Il n'est pas question ici de thriller, de suspense ou d'énigme à résoudre. Loin de là.

Carlos est un grand solitaire, que sa pratique culinaire confine dans un ordre bien défini dont il semble jouir tout autant qu'il en souffre. Résigné, comme le lui dit sa mère de substitution "toi, tu n'auras jamais de femme", il vit sa vie selon des protocoles de vieux garçon qui semblent établis il y a des années et qui lui permettent d'assouvir sa petite particularité.

Lorsque la soeur de l'une de ses victimes réapparait, il est poussé vers elle et la laisse entrer dans sa vie et chambouler au passage le cadre dans lequel il évoluait jusque là. D'une quête d'humanité à une histoire d'amour improbable, cette rencontre va bouleverser le héros.

D'une extrême lenteur, Amours cannibale vit au rythme de son héros, auquel on s'attache très vite. Aucune effusion de sang et pas une once de gore ne viennent entamer cette sympathie puisqu'on n'a pas affaire à un film d'horreur au sens classique. L'accent est mis sur l'esthétisme, et les plans sont aussi soignés que les costumes réalisés par Carlos.

S'il est vraiment difficile d'accrocher au récit du fait de cette lenteur et de la presque apathie des personnages, l'effort vaut toutefois la peine pour découvrir un vrai film d'esthète.
(mais je ne vous cache pas que j'ai décroché par moments...)

Des images et une mise en scène magnifiques pour un film sur la solitude, la quête de soi et des autres. A découvrir.

★★☆☆☆

Amours Cannibales (Canibal), Manuel Martín Cuenca (sortie le 17 décembre 2014)

Avec Antonio de la Torre, Olimpia Melinte, María Alfonsa Rosso - Espagne - 1h57

Synopsis

Carlos est tailleur. Il confectionne des costumes pour l’élite avec la même précision qu’il tue des femmes. Son cannibalisme est aussi solitaire que son existence est bien rangée et sans remords, jusqu’à l’arrivée de la soeur jumelle de l’une de ses victimes qui, telle un double fantomatique, lui offre la rédemption.