Des petits bouts d'éternité

Quand un réalisateur de quelques uns des meilleurs films d'action de la décennie s'attaque au film de guerre, tout laissait entendre qu'on s'orientait plutôt vers un mastodonte armé que vers une sorte de huis-clos à l'air libre. Et pourtant, c'est la direction qu'a choisie Doug Liman, papa entre autres du premier Jason Bourne et du déjà pas banal Edge of Tomorrow. Preuve qu'on peut encore surprendre et faire du neuf avec le film de guerre !

Le pitch avait de quoi laisser sceptique : deux soldats américains dans le désert irakien alors que la guerre est supposée être finie. Un sniper qui les prend en embuscade. Entre eux, un mur. J'étais loin d'être convaincue d'avance et pourtant Liman tient son film de bout en bout avec une maîtrise impressionnante. Le spectateur est littéralement pendu au canon du héros, l'oeil dans le viseur. La tension est intense, lourde. Et pas un milimètre de pellicule superflu ou qui échappe au contrôle du réalisateur. Bluffant !

Liman nous propose un film dense et haletant, qui prend à contre pied à peu près tous les poncifs du film de guerre traditionnel. On est à des années-lumières d'un American Sniper ; ici pas de héros à célébrer, juste des hommes qui font ce qu'ils peuvent et ce qu'ils croient juste, chacun d'un côté du fusil. Le jeu pervers entre le chat et sa souris n'en est que plus saisissant.

Les dialogues dépassent de loin tout ce qu'on a l'habitude d'entendre dans les films de guerre, ce sont eux, avec Aaron Taylor-Johnson et le talent du réalisateur, qui tiennent le film de bout en bout sans jamais lâcher le spectateur. Une vraie bonne surprise, à ne pas rater pour ceux qui ont les nerfs bien accrochés !

★★★★☆

The Wall, Doug Liman (sortie le 6 juin 2017)
Avec Aaron Taylor-Johnson, John Cena - USA - 1h30

Synopsis

Deux soldats américains sont la cible d’un tireur d’élite irakien. Seul un pan de mur en ruine les protège encore d’une mort certaine. Au-delà d’une lutte pour la survie, c’est une guerre de volontés qui se joue, faite de tactique, d’intelligence et d’aptitude à atteindre l’ennemi par tous les moyens…

HHhH est un film parfaitement indécent qui s'amuse presque avec les événnements de l'histoire, qu'il met en scène avec une emphase et un manque de goût qui fait mal aux yeux. Les personnages sont présentés de façon si caricaturale que c'est difficile à supporter.

D'ailleurs je n'ai pas réussi à tenir et j'ai fini par quitter la salle après la première partie du film.

Insupportable.

☆☆☆☆☆

HHhH, Cédric Jimenez (sortie le 7 juin 2017)

Avec Jason Clarke, Rosamund Pike, Jack O'Connell - France - 2h

Synopsis

L’ascension fulgurante de Reinhard Heydrich, bras droit d’Himmler et chef de la Gestapo. Heydrich devient l’un des hommes les plus dangereux du régime. Hitler le nomme à Prague pour prendre le commandement de la Bohême-Moravie et lui confie le soin d’imaginer un plan d’extermination définitif. Il est l’architecte de la Solution Finale.
Face à lui, deux jeunes soldats, Jan Kubis et Jozef Gabcik. L’un est tchèque, l’autre slovaque. Tous deux se sont engagés aux côtés de la Résistance, pour libérer leur pays de l’occupation allemande. Ils ont suivi un entraînement à Londres et se sont portés volontaires pour accomplir l’une des missions secrètes les plus importantes, et l’une des plus risquées aussi : éliminer Heydrich.

J'ai un sentiment très mitigé sur ce film, j'ai l'impression qu'il a un peu le cul entre deux chaises et que sa réalisatrice ou les scénaristes ont dû gérer des tonnes de bâtons dans leurs roues. Le film donne clairement l'impression que les studios ont eu peur du potentiel féministe du film, qui est clairement mis en avant dans la promo et se sont employés à en contrer tous les effets pour ne pas être étiqueté en ce sens et éviter de froisser le public mâle-hétéro-adolescent traditionnel de ce format.
Sauf que d'un autre côté, cette étiquette leur convient bien puisqu'elle fait largement parler du film ( notamment "grâce" à son interdiction das certains pays rétrogrades), et qu'ils ne pouvaient pas non plus en gommer complètement les effets...

Donc on a d'un côté un personnage surhumain, fille d'un dieu et d'une reine s'il vous plait, très érudite, formée à l'art de la guerre et dotée de pouvoir surnaturels. Ce personnage devrait plus ou moins faire autorité auprès des humains lambda et susciter l'admiration. Or le film joue à fond sur l'argument de l'époque (l'intrigue se situe pendant la guerre - laquelle on ne sait pas trop puisqu'on nous parle à la fois de tranchées et de nazis, mais passons... -) pour rabaisser le personnage et la faire taire, sauf que le sexisme de l'époque n'est jamais présenté par le film comme condamnable mais plutôt comme un ressort comique assez malaisant.

Dans le même registre, l'effet "poisson hors du bocal" où un personnage est extrait de son milieu et plongé dans un autre, est utilisé à des fins humoristiques mais a surtout pour conséquence de faire passer Diana pour une demeurée. Ce ressort était utilisé également dans le premier Thor, mais lorsque Thor passait pour l'idiot du village, il avait perdu ses pouvoirs et il a gagné le respect dès la seconde où il les a retrouvés, ce qui n'est pas le cas de Diana, puisqu'elle n'avait jamais perdu les siens...

En revanche, le personnage de Wonderwoman est particulièrement attachant et ses scènes de combat sont vraiment euphorisantes ! On sort du film avec la banane et l'envie de démolir le premier malandrin qui croisera notre chemin, une sensation qui fait diablement du bien !

Mais du coup, comme si ces débats avaient occupé l'équipe trop longtemps, plusieurs aspects du film sont carrément négligés et on a l'impression que ça a été fini à la va-vite. Certaines scènes de baston sont vraiment dégueulasses au niveau du rendu. Il y a des effets ridicules et des erreurs de raccord grossières (le must : lors de son combat final, elle tue un ennemi mais laisse son épée dans le corps et lorsque arrive Arès il y a une espèce d'ellipse pour qu'elle la récupère, comme si l'équipe CGI ou le monteur avait oublié de lui remettre l'épée en main à temps. Franchement ça saute tellement aux yeux que c'est douloureux).

Je n'ai que peu de souvenirs de films dotés d'un budget aussi conséquent qui donnent l'impression d'être aussi mal finis, et pourtant ce premier volet des aventures de Wonderwoman dégage un franche impression de sympathie qui compense bizarrement la plupart de ses nombreux défauts. La raison tient certainement à l'actrice, Gal Gadot incarne son personnage de façon si sincèrement attachante qu'elle parvient à détourner l'attention du spectateur de tous les éléments qui clochent. Exploit !

★★☆☆☆

Wonderwoman, Patty Jenkins (sortie le 7 juin 2017)

Avec Gal Gadot, Chris Pine, Connie Nielsen, Robin Wright, David Thewlis, Saïd Taghmaoui, Eugene Brave Rock, Ewen Bremmer - USA - 2h21

Synopsis

C'était avant qu'elle ne devienne Wonder Woman, à l'époque où elle était encore Diana, princesse des Amazones et combattante invincible. Un jour, un pilote américain s'écrase sur l'île paradisiaque où elle vit, à l'abri des fracas du monde. Lorsqu'il lui raconte qu'une guerre terrible fait rage à l'autre bout de la planète, Diana quitte son havre de paix, convaincue qu'elle doit enrayer la menace. En s'alliant aux hommes dans un combat destiné à mettre fin à la guerre, Diana découvrira toute l'étendue de ses pouvoirs… et son véritable destin. 

A lire aussi

J'ai vu le film plusieurs semaines après sa sortie et j'ai donc eu le loisir de lire un peu partout la haine qui s'est déversée sur ce pauvre Ridley Scott. Mais mue par un enthousiasme démesuré, j'ai malgré tout foncé en salles dès que j'en ai eu l'occasion, pour me faire une idée sur le désastre que constitue cette suite de prequel (post-prequel ?). Et je vois venir votre déception mais il se trouve que j'ai plutôt aimé ce que j'ai vu.

Enfin disons que dans l'absolu, non je n'ai pas tout à fait aimé : ce n'est pas un Alien, c'est grossièrement explicatif et démonstratif et les bestioles sont mochasses. Mais bon, j'ai vu Prometheus, et je m'attendais donc plus à Prometheus2 qu'à Alien -1, si vous voyez ce que je veux dire.

Et puis Prometheus a ouvert des portes et qu'on aime ou pas ce qu'il y avait derrière, eh bien les portes sont ouvertes et il va falloir faire avec ce qu'elles ont révélé. Les 4 premiers volets de la saga avaient tous plus ou moins soigneusement évité de poser des questions, se contentant de mettre en scène ce que Scott avait mis en place dans le 1er volet. Ça fonctionnait très bien comme ça et les films sont tous, avec leurs qualités et leurs défauts, des réussites.

Mais ça ne pouvait pas durer. A un moment il faut être lucide, on ne pouvait pas continuer à décliner sans fin les quelques règles de base dictées par Ridley Scott il y a pas loin de 40ans ! Tout le monde en demandait plus, et on en a eu plus. Et sans surprise, cela ne correspond pas à l'imaginaire qu'on s'était créé chacun pour soi, évidemment : on a eu 40 ans pour s'imaginer les origines de tout ça alors forcément on aurait voulu autre chose que Prometheus...

Reste que c'est la vision de Scott inspirée de ses propres règles et de la mythologie qu'il a lui-même mise en place alors qu'on aime ou pas, comment contester ça ! Surtout après l'avoir réclamé à corps et à cris depuis des années...

Et puis il faut dire que mine de rien, la vision de Ridley Scott, elle fait tout de même sacrément bien la blague. Alien Covenant amène plusieurs explications de contexte qui étaient posées par Prometheus, et du film d'horreur on passe doucement à un film qui évoque des questions philosophiques plus sombres, sur notre humanité, sur notre volonté de domination, sur le concept de divinité.

C'est troublant car au fond c'est vraiment assez éloigné des huis clos des films Alien, mais en tant que film en soi, ça se tient plutôt bien et non seulement ce n'est pas la cuisante déception à laquelle je m'étais préparée.

Alien Covenant, Ridley Scott (sortie le 10 mai 2017)

Avec Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup - USA - 2h02

Synopsis

Les membres d’équipage du vaisseau Covenant, à destination d’une planète située au fin fond de notre galaxie, découvrent ce qu’ils pensent être un paradis encore intouché. Il s’agit en fait d’un monde sombre et dangereux, cachant une menace terrible. Ils vont tout tenter pour s’échapper.

Le film de Barbet Schroeder est parfaitement glaçant. Sidérant. Tant il malmène nos préjugés (positifs pour le coup) envers la religion bouddhiste...

La genèse du film, présentée dans un court-métrage projeté avant le film, pose le cadre : empli de haine envers son voisin qui a ratiboisé les arbres de sa propriété d'Ibiza, Schroeder est interpellé par la violence de ses sentiments. Il cherche alors à comprendre le fonctionnement de la haine et ce qui l'alimente. Il interroge notamment un philosophe et finira par décider de se rendre en Birmanie, où il avait été initié au Bouddhisme, pour renouer avec l'essence de sa croyance. Et c'est à l'endroit où il pensait trouver sérénité et apaisement, qu'il va découvrir une haine autrement plus dévastatrice que la sienne. Triste ironie.

Le documentaire de Schroeder est saisissant en cela qu'il laisse s'exprimer le moine, sans jugement, dans un discours frontal, face caméra. La violence des paroles qu'il assène, avec un sourire désarmant de candeur et dans un langage apaisé est sidérante. L'influence de cet homme sur les citoyens Birmans, à 90% bouddhistes, qu'il parvient à persuader que les quelques 4% de Rohingyas, minorité ethnique de confession musulmane, représentent une menace pour leur "race" fait froid dans le dos.

Emprunt d'une sérénité redoutable, le film retrace les actions menées par Wirathu depuis plus de 20 ans et leurs conséquences sur la société Birmane. C'est réellement passionnant même si ça met le moral à terre tant l'espoir d'une cohabitation pacifique entre les peuples est mis à mal...
Le film est néanmoins indispensable dans la mesure où il met en lumière tout un pan de l'histoire internationale qui n'avait absolument pas franchi les frontières françaises, alors que la seule personnalité Birmane dont on ait entendu parler ici, Aung San Suu Kyi, semble avoir des positions assez peu claire sur le sujet... Désespérant je vous dis...

★★★☆☆

Le Vénérable W, Barbet Schroeder (sortie le 7 juin 2017)

Documentaire avec les voix de Barbet Schroeder, Bulle Ogier - France/Suisse - 1h40

Synopsis

En Birmanie, le « Vénérable W. » est un moine bouddhiste très influent. Partir à sa rencontre, c’est se retrouver au cœur du racisme quotidien, et observer comment l'islamophobie et le discours haineux se transforment en violence et en destruction. Pourtant nous sommes dans un pays où 90% de la population est bouddhiste, religion fondée sur un mode de vie pacifique, tolérant et non-violent.

On découvre aux commandes de ce petit film d'horreur intimiste le réalisateur du génial Troll Hunter, ce qui a de quoi piquer la curiosité des connaisseurs.seuses. Curiosité doublement attisée par la petite réputation que le film se dessine au gré des festivals et le thème qui semble audacieusement original.

Las, ce projet qui, sur le papier tout du moins, devait se situer entre le huis-clos, le film de possession et l'horreur pure, ne tient pas ses promesses et vire doucement mais surement vers un vague gloubiblouga sans saveur dont le seul piquant repose sur de trop faciles (et surtout trop nombreux) jump-scare, et notamment le traditionnel premier de la série qui finit invariablement désamorcé par un "hihihihohoho mais non regarde c'est le chat" (non mais sérieusement, on en est encore là ?!)...

L'histoire démarre plutôt bien avec ce mystérieux corps intact mais néanmoins trépassé, que la police retrouve au milieu d'un véritable carnage dans une tranquille petite ville des États-Unis. L'intrigue est alors déportée dans la morgue du coin, isolée et située comme il se doit dans le sous-sol d'une vieille bicoque flippante à souhait dont les murs et les sols craquent. L'autopsie est assurée par un attachant duo père-fils qui se remet difficilement du suicide de la mère, lorsque rapidement, des phénomènes étranges vont survenir...

Évidemment le spectateur va comprendre assez vite (instantanément on va dire) de quoi il en retourne et les nombreux effets de manches espérant retarder la révélation finale ne réussissent jamais à faire diversion. Jamais le film ne devient ne serait-ce que vaguement effrayant, à tel point que les scénaristes, définitivement à cours d'idées doivent recourir ad nauséam à des effets de type "BOUH!" pour atteindre le quota de flipouille dans la salle.

Bref, un loupé. Et c'est d'autant plus regrettable qu'il y avait absolument tous les éléments pour aboutir à un grand film de genre ! Le début du film est à ce titre un vrai petit bijou :  le père et son fils enquêtent à l'intérieur du corps de l'inconnue et découvrent des éléments qui ne correspondent pas à ce qu'ils voient à l'extérieur. L'opposition entre science et croyance aurait pu être un ressort intéressant, de même que le parallèle avec la mère suicidée et les secrets que l'on garde au fond de soi. Mais aucune de ces pistes n'est développée et on reste sur sa faim, réservant un dernier soupir pour la conclusion über-facile avant de rendre les armes plutôt que l'âme et quitter la salle...

★☆☆☆☆

Jane Doe Identity (The Autopsy of Jane Doe), Andre Ovredal (sortie le 31 mai 2017)

Avec Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond - USA - 1h39

Synopsis

Quand la police leur amène le corps immaculé d’une Jane Doe (expression désignant une femme dont on ignore l’identité), Tommy Tilden et son fils, médecins-légistes, pensent que l’autopsie ne sera qu’une simple formalité. Au fur et à mesure de la nuit, ils ne cessent de découvrir des choses étranges et inquiétantes à l’intérieur du corps de la défunte. Alors qu’ils commencent à assembler les pièces d’un mystérieux puzzle, une force surnaturelle fait son apparition dans le crématorium...

Message from the King aurait pu n'être qu'un énième film de vengeance et n'aurait probablement pas retenu mon attention s'il avait été réalisé par un autre. Mais c'est Fabrice du Welz aux commandes et j'avais très envie de voir ce que sa réalisation, déjà rageuse lorsqu'il s'attaquait à une histoire d'amour, pouvait donner avec une histoire aussi sèche.

Eh bien cela donne à peu près ce à quoi on pouvait s'attendre. Un film très sombre, sec et tendu qui explore les bas-fonds de la ville aux étoiles comme si tout n'était que pur désenchantement. On s'attache très vite à ce personnage mutique en quête de vengeance et à sa trajectoire tranchée au rasoir, malgré une intrigue franchement limite. Mais l'ambiance est parfaite, intimiste et glauque comme un délicieux polar des années 70 remis au goût du jour. Le héros solitaire incarne une version modernisée du détective ou du flic, héros romantiques emblématiques des films noirs de jadis.

On pensait cette époque révolue et devoir se contenter des rétrospectives pour goûter à nouveau à cette atmosphère putride des caniveaux de Los Angeles, mais c'était sans compter du Welz et son talent certes très référencé mais surtout ancré dans notre époque. Car si son film évoque l'ambiance de ces films des années 70, il ne sent jamais la naphtaline et reste parfaitement contemporain.

Son héros venu d'un autre continent permet d'élargir un tableau jadis très autocentré ; il apporte un élément extérieur intéressant et si la réalité ne semble pas plus jolie ailleurs, elle chamboule en tout cas les rapports de domination tels qu'on les connaissait jusqu'ici.

Alors on ne va pas se mentir et prétendre que c'est du cinéma agréable et reposant, mais Message from the King, déstabilisant et rêche, incarne un cinéma indépendant comme on aimerait en voir plus souvent : inspiré, référencé, radical. Préparez-vous à adorer... ou à détester.

★★★☆☆

Message from the King, Frabrice du Welz (sortie le 10 mai 2017)

Avec Chadwick Boseman, Luke Evans, Teresa Palmer - Belgique/France - 1h42

Synopsis

En provenance de Cape Town, Jacob King débarque à Los Angeles à la recherche de sa sœur disparue. Avec un billet retour pour l’Afrique du Sud sept jours plus tard, et 600 dollars en poche.
Au bout de 24 heures, il découvre que sa sœur est morte dans des circonstances étranges…

Présenté un peu partout comme le Jason Bourne au féminin, probablement parce que son réalisateur est un habitué des films d'action des 90's (on lui doit notamment un James Bond version Brosnan ou Jour de Tonnerre avec Tom Cruise), Conspiracy est un film d'espionnage plutôt sympathique, emmené par une Noomi Rapace parfaitement à son aise.

Le rythme est soutenu, les rebondissements nombreux et on passe un bon moment devant ce film dont le classicisme assumé ne plombe pas l'ambiance, bien au contraire.

Si Noomi Rapace est juste formidable dans son rôle d'agent de la CIA infiltrée à Londres, la comparaison avec Jason Bourne est toutefois sans doute un peu usurpée en particulier avec un scénario complètement bancal. Les rebondissements portent le spectateur d'une révélation à l'autre et finissent par se muer en effets de manche un peu pompeux. Relativement prévisibles, les aventures d'Alice Racine valent surtout pour le charisme de son interprète, même si on aurait plaisir à retrouver le personnage dans de futurs volets, rien que pour le dépaysement de voir une femme aux commandes et qui n'hésite pas à mouiller la chemise.

Orlando Bloom en sidekick impénétrable en fait un peu trop mais il se débrouille comme il peut avec un personnage mal écrit. Globalement l'ensemble du film souffre d'un gros défaut d'écriture, permettant au spectateur un poil attentif d'avoir toujours un train d'avance sur l'action. Même si le film reste plaisant, on regrette vraiment ce manque d'épaisseur, qui placerait plutôt le film largement en dessous de Jason Bourne finalement, du côté de Jack Reacher sans doute...

★★☆☆☆

Conspiracy (Unlocked), Michael Apted (sortie le 31 mai 2017)

Avec Noomi Rapace, Orlando Bloom, Michael Douglas, Toni Collette, John Malkovitch - USA - 1h38

Synopsis

Alice Racine est une ancienne interrogatrice de la CIA. Traumatisée par un échec professionnel deux ans plus tôt, elle a préféré se retirer, mais son ancien directeur la contacte pour déjouer une attaque imminente sur Londres. Elle est chargée d'interroger un homme suspecté d'être le messager de terroristes djihadistes. Pour appréhender son adversaire, Alice reçoit l’aide de son ancien mentor, Eric Lasch, et d’un membre des forces spéciales, Jack Alcott. Trahie et manipulée, elle va rapidement s'apercevoir que l’agence a été infiltrée et va devoir déjouer cette conspiration.

Bon voilà je suis allée voir le dernier Pirates des Caraïbes, pas plus enthousiaste que ça mais j'avais 2h à tuer et la seule séance qui correspondait à mes horaires c'était celle-là.

Et donc quoi de neuf au royaume des mers du sud ? Bah pas grand chose, sans grande surprise puisque la série tourne en rond depuis le 2e épisode et survit sur son image de marque et sur les pauvres imbéciles comme moi qui persistent à aller dans les salles pour constater l'ampleur du désastre...

Je ne saurais dire si ce volet est moins pathétique que le précédent ou si c'est moi qui me suis habituée, mais le sang neuf injecté par les jeunes acteurs qui rejoignent la troupe permet un léger regain de vigueur qui fait illusion quelques instants. Après, comme d'habitude, on regarde nos héros s'ébattre à l'écran sans ennui grâce à un rythme plutôt efficace, mais les intrigues sont toujours les mêmes (le jeune héros qui veut sauver son père d'une malédiction, l'aventurière que personne ne prend au sérieux, à tort et Sparrow qui cabotine à n'en plus finir...) et commencent à sentir le renfermé, au même titre que le Black Pearl qui moisit dans sa bouteille.
Pas de scène de bravoure épique pour sauver la mise et ce n'est pas la présence d'un Johnny Depp (mal) rajeuni qui va sauver les meubles.

Bref, si vous avez comme moi une carte illimité et 2h à tuer avant un train ou un rendez-vous, ça pourra faire l'affaire, sinon... je pense que n'importe quelle activité sera plus enrichissante que regarder ce pur produit marketing.

Pirates des Caraïbes : la Vengeance de Salazar (Dead Men Tell No Tales), Joachim Rønning, Espen Sandberg (sortie le 24 mai 2017)
Avec  Johnny Depp, Javier Bardem, Brenton Thwaites, Kaya Scodelario, Geoffrey Rush, Orlando Bloom - USA - 2h09

Synopsis

Les temps sont durs pour le Capitaine Sparrow lorsque le terrifiant Capitaine Salazar, s’échappe du Triangle du Diable pour assouvir une vieille vengeance et anéantir Sparrow et tous les flibustiers écumant les flots. Seul espoir de survie du Capitaine Sparrow : retrouver le Trident de Poséidon. Pour cela, il doit forger une alliance précaire avec Carina Smyth, une astronome aussi belle que brillante, et Henry, un jeune marin de la Royal Navy. Sparrow va tout entreprendre pour contrer ses revers de fortune, mais aussi sauver sa vie face au plus implacable ennemi qu’il ait jamais eu à affronter…

A lire aussi :
Les autres films de la saga 

Après un film franchement déprimant il y a quelques années, on retrouve avec soulagement un Zach Braff un peu plus joyeux avec ce feel-good movie version seniors.

Alors certes le sujet prétexte à cette comédie enjouée est assez loin d'être drôle puisqu'il s'agit du sort réservé aux ouvriers à la retraite aux USA (ou ailleurs...), qui peinent à survivre entre les fonds de pension dissouts et les magouilles bancaires dont ils sont victimes. Mais on ne perd jamais le sourire et l'entrain dans cette chouette comédie de peu d'envergure mais malgré tout très amusante.

Les trois acteurs sont parfaits dans leur rôle de papy braqueurs et ils insufflent au film une vivacité et un humour bienvenu. Les bons mots fusent, la salle rit, notamment devant les singeries de Christopher Lloyd dont le personnage semble inspiré du Professeur Tournesol.

Si l'ensemble manque probablement d'un peu d'originalité ou de fantaisie, on ne boude pas son plaisir devant cette fable joyeuse et insolente. Après tout, c'est dans les veilles marmites qu'on fait les meilleures soupes alors pourquoi se priver d'une recette classique mais efficace ?

Braquage à l'ancienne (Going in Style), Zach Braff (sortie le 3 mai 2017)

Avec Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin, Ann-Margret, Christopher Lloyd, John Ortiz, Matt Dillon - USA - 1h36

Synopsis

Pour Willie, Joe et Al, trois amis octogénaires – ou presque –, la retraite, c'est du passé. Quand ils apprennent que leurs pensions sont parties en fumée, ils décident de passer à l'action. Bousculant tous leurs principes, ils tentent l'impensable : braquer la banque qui les a ruinés !

Voici un objet cinématographique étrange à côté duquel il serait bien dommage de passer !

Le film d'animation de Pedro Rivero et Alberto Vazquez est un conte noir, violent et cauchemardesque (à déconseiller absolument aux enfants!), dont l'imagerie pleine de rondeurs des petits personnages se mue soudain, dans des accès de fureur surprenants, en une vision apocalyptique de notre monde et ceux qui l'habitent.

Cette narration dont le récit très sombre s'accroche à des vagues de colère et de désespoir, raconte mieux que n'importe quel teen movie les soubresauts de l'âme adolescente.

Les héros du film, de mignons petits animaux (souris, lapins, oiseaux, renards), sont piégés sur une île à laquelle ils craignent de ne pouvoir échapper avant de finir par se muer inéluctablement dans des copies conformes de leurs parents. Pour seuls échappatoires à un monde sur le déclin qui semble les dévorer : la drogue, le vol, la fugue et la violence. La poésie aussi, et l'amitié avant tout.

Très court, très dense et porté par une animation épurée mais saisissante, Psiconautas déroutera le spectateur le plus averti. Mais la fraicheur désespérée qui se dégage du film saura séduire les plus réfractaires !

Psiconautas,  Pedro Rivero, Alberto Vázquez (sortie le 24 mai 2017)

Avec (les voix de) Andrea Alzuri, Eva Ojanguren, Josu Cubero - Espagne - 1h15

Synopsis

La seule usine d'une île a explosé. Après ce désastre écologique, les habitants et les animaux qui ont subi des mutations essaient de survivre comme ils peuvent, tandis que les policiers tentent d'imposer leurs lois. De son côté, l'étrange Birdboy, qui aimerait surmonter ses traumatismes psychologiques, dont la disparition de son père, entreprend de reconstituer la forêt. Accompagnée de deux amis, l'aventureuse Dinky tente de s'échapper de ce lieu funeste en espérant que Birdboy fera le voyage avec elle...

Les comédies françaises c'est toujours un genre un peu dangereux... personnellement quand je vais en salle pour en voir une j'ai un peu l'impression de marcher au milieu d'un champs de mines à louvoyer entre le truc raciste beauf à ma droite, le truc misogyne relou à ma gauche et, disséminés un peu partout entre les buissons, des trucs qui n'ont fait rire personne depuis 1492. Mais heureusement il y a quand même tout un tas de pépites portant le label Made in France et on est d'autant plus ravi quand on tombe dessus par hasard.

Enfin par hasard pas tout à fait puisque Eric Judor porte tout de même le sceau de son complice Quentin Dupieux, adepte de l'humour absurde et autres comédies grinçantes de bon aloi.

Si Problemos est franchement plus accessible et plus frontalement drôle que les films de Dupieux, il n'en reste pas moins une comédie à l'humour méchamment acerbe qui se moque volontiers de nos travers les plus ridicules. Sur le mode "faites ce que je dis mais pas ce que je fais", Judor met aux prises un petit groupe d'utopistes (on dit ZADistes de nos jours) avec la réalité de leurs convictions. Lesquelles vont voler en éclat de la façon la plus cruelle mais aussi la plus drôle.

Blindé d'humour noir et régressif à souhait, Problemos frôle en permanence la bêtise crasse, sans jamais s'y vautrer. Après une première partie très réussie et ancrée dans l'actualité, qui se moque de façon acerbe des clichés qui entourent le monde militant, le film bascule dans une seconde partie à la vision de la nature humaine plus sombre où l'humour toujours aussi grinçant est servi par des répliques tranchantes.

Une comédie très actuelle et vraiment drôle, portée par une troupe d'acteurs peu connus dans une ambiance qui évoque l'univers absurde auquel Judor nous a habitués : l'affiche ne paie pas de mine mais Problemos est sans doute l'un des films les plus drôles à l'affiche en ce moment !

★★★☆☆

Problemos, Eric Judor (sortie le 10 mai 2017)

Avec Eric Judor, Blanche Gardin, Youssef Hajdi, Celia Rosich, Michel Nabokov, Claire Chust - France - 1h25

Synopsis

Jeanne et Victor, jeunes Parisiens de retour de vacances, font une halte pour saluer leur ami Jean-Paul, sur la prairie où sa communauté a élu résidence. Le groupe lutte contre la construction d’un parc aquatique sur la dernière zone humide de la région, et plus généralement contre la société moderne, la grande Babylone. Séduits par une communauté qui prône le « vivre autrement », où l’individualisme, la technologie et les distinctions de genre sont abolis, Jeanne et Victor acceptent de rester quelques jours. Lorsqu’un beau matin la barrière de CRS qui leur fait face a disparu, la Communauté pense l’avoir emporté sur le monde moderne. Mais le plaisir est de courte durée… à l’exception de leur campement, la population terrestre a été décimée par une terrible pandémie. Ce qui fait du groupe les derniers survivants du monde.

Le film le plus surcoté de la sélection cannoise de cette année ne s'est pas fait attendre, il est sorti en salles au lendemain de sa projection sur la croisette : il s'agit du dernier Ozon, qui nous livre une espèce de film sans âme qui se veut glaçant mais qui s'avère juste pompeux.

Réalisateur inégal, François Ozon consacre depuis des années son œuvre aux faux-semblants et aux détours que prend la perversion humaine pour s'exprimer. Parfois simplets (Ricky) parfois pervers (Jeune et Jolie) parfois très réussis (Sous le sable, Une nouvelle amie) mais toujours malsains, ses films sont autant de facettes d'une perversité qui couve sous le vernis de chacun de ses personnages.

Dans ce contexte, il est assez étonnant qu'il ne se soit pas penché plus tôt sur le film "Faux semblants" justement, réalisé par Cronenberg dans les années 80... Avec L'Amant Double, il a choisi de revisiter ce thème en s'inspirant non pas du film de Cronenberg mais du livre qui en est à l'origine et dont il propose ici une nouvelle adaptation.

Le thème lui sied parfaitement et collait de surcroit tellement bien à sa façon froide et éthérée de filmer, qu'on s'attendait à un vrai chef d’œuvre, un thriller érotico-horrifique qui aurait secoué un peu le cinéma français d'ordinaire plutôt frileux dans ce registre. Hélas. Ozon se perd complètement et finit par se regarder filmer plutôt que de proposer sa propre conception de ce jeu de séduction trouble et sensuel. Son film finit par empiler les poncifs et se contentera de jouer les provocations sans fondement (la scène d'ouverture, plongée littérale dans un vagin est à l'image du film : faussement provocatrice), tout en négligeant la narration. Il parvient ainsi à éventer complètement sa grande révélation qu'on aura vue venir depuis plus d'1h et qu'on n'en finissait plus d'attendre avec un ennui indécent, pour filmer à la place une ribambelle de scènes de viol plus ou moins caractérisé, sans autre prétention que de choquer le chaland cannois.

Il en faut hélas plus que ça pour remuer vraiment l'âme et ce film, qui avait pourtant beaucoup d'atouts, notamment une photographie sublime et des acteurs troublants, s'avère un ratage complet.

★★☆☆☆

Avec Marine Vacth, Jérémie Renier, Jacqueline Bisset - France - 1h47

Synopsis

Chloé, est en pleine dépression, entreprend une psychothérapie. Elle tombe rapidement amoureuse de son psychiatre, Paul. Ses sentiments sont partagés et la jeune femme paraît enfin épanouie. Quelques mois plus tard, le couple décide de s'installer dans un appartement commun. Chloé découvre alors que Paul lui a caché une partie de son identité.

Je suis en général plutôt friande de biopics et j'attendais celui-ci sur l'un des plus célèbres hommes britanniques du siècle avec d'autant plus d'impatience que j'avais dévoré la série The Crown avec avidité.

Eh bien autant le dire tout de suite, le film de Teplitzky n'arrive pas à la cheville de la série, son acteur non plus et sa réalisation encore moins. Pour tout dire je cherche encore, quelques jours après la séance, un intérêt à ce film...

Centré sur les 2 jours qui ont précédé le débarquement, auquel s'opposait farouchement le 1er ministre britannique, le film illustre une fin de carrière difficile et un fossé des générations qui se creuse inéluctablement. Churchill est accusé de faire de la vieille politique quand lui suspecte les américains de vouloir sacrifier une génération entière sur les plages normandes. Cette opposition est intéressante et l'aurait été d'autant plus si le film n'avait évacué d'un revers de manche les réticences de Churchill en les mettant sur le compte d'un vieux traumatisme, et ce dès la scène d'ouverture. Cette surexplication simpliste pose le ton du film : même si la scène est touchante le propos n'en reste pas moins grossier.

Le reste du film sera malheureusement à l'avenant : un enchaînement de scènes purement illustratives, répétitions sans fin de grognements, de verres de brandy, de discussions en voiture ou de colères dirigées tantôt sur sa secrétaire tantôt sur sa femme. La mise en scène d'un classicisme mou n'élèvera jamais le niveau et persistera à aligner pendant 1h45 des anecdotes parfaitement inutiles visant à dépeindre Churchill comme un vieil homme bougon et caractériel mais néanmoins au coeur gros comme ça. 

On s'ennuie ferme devant ce portrait pesant et sans relief qui n'apprendra finalement pas grand chose au spectateur même le moins averti. Vous pouvez passer votre chemin sans crainte et reporter tous vos espoirs sur Darkest Hour, qui abordera sensiblement le même thème en janvier 2018...

★☆☆☆☆

Churchill, Jonathan Teplitzky (sortie le 31 mai 2017)

Avec Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, Richard Durden, Ella Purnell, James Purefoy - GB - 1h46

Synopsis

Juin 1944. 48 heures avant le débarquement de Normandie, Winston Churchill s'oppose à la stratégie Omaha Beach soutenue par le général américain Dwight Eisenhower.