Archive for 2015

Je n'ai pas eu beaucoup de temps pour rédiger mes articles ciné ici ces dernières semaines, mais je continue à fréquenter les salles obscures.

Voici donc une petite revue abrégée des films en salles ce mois-ci, en attendant Star Wars le 30 dans mon ciné arts et essai préféré (Disney a eu le bon goût de refuser aux salles arts et essai françaises la diffusion du blockbuster de l'année ; ces dernières devront se contenter d'une diffusion en différé, le 30 décembre pour la salle près de chez moi. Je résiste à ma manière en attendant 15j de plus pour découvrir le film).

A voir !

Back Home ★★★★☆
Parce que Joachim Trier a un talent fou et que son film affleure d’une émotion qui oscille en permanence entre douceur et douleur. Un film juste, sobre et magnifiquement humain!

Le Nouveau ★★★★☆
Parce que c’est la bonne surprise de ces vacances de Noël : une comédie touchante et drôle qui nous rappellera à tous quelque chose !

La Vie très privée de Monsieur Sim ★★★★☆
Parce que cette comédie dramatique à la française sonne juste, qu’on a toujours plaisir à retrouver Jean-Pierre Bacri et que le sourire de Mathieu Amalric est communicatif !

Demain ★★★★☆
Parce que ce documentaire aurait certes été plus marquant sous forme de fiction futuriste po-si-ti-ve mais l’éventail de solutions qu’il présente donne de l’espoir et l’envie d’entreprendre. On sort de la salle reboosté ; un sacré défi, relevé !

Macbeth ★★★★☆
Parce que Shakespeare et parce que le film est absolument splendide ! - Coup de coeur du trimestre -

Mia Madre ★★★★☆
Parce que c'est un film juste, émouvant, et dur. Comme la vie. Mais préparez les mouchoirs.

Le Fils de Saul ★★★★☆
Pour l'audace de ses choix narratifs.

Blade Runner ★★★★☆
Parce que revoir ce chef d'euvre sur grand ecran fait toujours son petit effet !

Spectre ★★★☆☆
Pour l'ouverture grandiose à Mexico !

El Club ★★★☆☆
Parce que bien que très éprouvant, ce film est une véritable oeuvre de cinéma.

Crazy Amy ★★★☆☆
Parce qu'un peu d'humour ça fait du bien, surtout quand les rôles féminins échappent (presque) à leurs carcans.

Suffragettes ★★★☆☆
Pour comprendre que les luttes polies ça ne marche pas super bien et que même pour le droit de vote on disait aux femmes qu'il y avait d'autres combats...

Le Pont des Espions ★★★☆☆
Parce que Spielberg déçoit rarement, même quand il fait dans l'ultra-classique.

Béliers ★★★☆☆
Parce que l'Islande est belle même en hiver et que cette histoire d'amour/haine fraternelle est quasi universelle.

A mettre de côté sans regrets !

Au Coeur de l’Océan ★★☆☆☆
Un film épique dont on ne retiendra que les quelques scènes virtuoses sur le bateau. Gestes et chorégraphies des marins sont mis en valeur. Le combat contre la nature et l’affrontement avec le cachalot est en revanche décevant. Un hommage raté.

Taj Mahal ★☆☆☆☆
Parce que l'otage dont on raconte l'histoire n'a environ rien à dire.

Docteur Frankenstein ★★☆☆☆
Parce que le tour du sujet a déjà été fait. Vaguement divertissant toutefois.

Vue sur Mer ★★☆☆☆
Parce que trop de scènes complètement ridicules et beaucoup trop d'ennui. Mais il y a matière pour un bon court-métrage.

Hunger Games ★★☆☆☆
Parce que 1h30 qui ne servent à rien pour 45mn de final qui vaut vraiment le coup, c’est pas très rentable... Le DVD suffira.

Strictly Criminal ★★☆☆☆
Parce que décliner toujours les mêmes histoires de gangsters et flics ripoux ça lasse un peu...

Ne se prononce pas...

Les derniers jours de Yitzak Rabin
Un film historique intéressant et très documenté, qui restera malheureusement beaucoup trop hermétique à qui n’est pas familiers des enjeux politiques israéliens. A voir sans aucun doute ! Mais réviser ses références et le contexte politique d’Israël en 1995.

D'habitude j'aime bien les thrillers religieux, moi. Les sectes, les possessions, les démons tout ça, ça m'a toujours donné l'impression d'une espèce de retour aux racines, de réminiscences de peurs vieilles comme le monde. Ou alors tout simplement une sorte de nostalgie pour un cinéma d'horreur disons plus "traditionnel".

Amenabar a un vrai talent pour ces films de genre et pour les histoires de faux-semblant. Il remet le couvert avec un double combo pour régression, mais sans grand succès cette fois.

Jamais effrayant, même pas vaguement angoissant, Regression traite plus d'une certaine méfiance quant à la psychanalyse et d'une méthode qui a pris de l'ampleur dans les années 70/80. Le sujet évidemment est alléchant mais l'angle très étonnant choisi pour l'illustrer ainsi que le traitement du film sont particulièrement déroutants.

Difficile d'en dire plus sans en dire trop aussi je vous invite à ne pas en lire d'avantage si vous n'avez pas vu le film, la suite contient un spoiler.

Les faux souvenirs induits sont un sujet en soi, un sujet plein de promesses d'ailleurs. Choisir de les illustrer sous l'angle du satanisme est d'ailleurs plutôt original et sacrément bien vu. Le problème avec le film d'Amenabar, c'est qu'il a en permanence le cul entre deux chaises, et que la position est assez inconfortable pour le spectateur.

On n'est jamais vraiment plongé dans l'enquête : elle semble au coeur du film mais ne l'est pas vraiment. On sent bien qu'il y a plus que ça mais le film ne prend jamais de virage franc et reste dans un entre deux sur tous les plans. Difficile de se prendre au jeu dans ces conditions.

De même, les manifestations surnaturelles dont les personnages et le spectateur sont témoins sont traitées avec circonspection et ça se sent. Jamais le réalisateur ne parvient à faire un enjeu de cette sensation de "est-ce que c'est vrai ou non" qu'il provoque.

Le personnage d'Emma Watson enfin, est à la fois trop présent pour n'être que ce qu'elle parait et trop peu pour que l'on s'intéresse vraiment à elle.

Tous les aspects du flm sont dosés de façon aussi bancale et mettent le spectateur en porte-à-faux. Maintenu à distance des personnages et de l'intrigue, on ne sera finalement pas surpris de voir arriver la révélation finale, pas plus que l'on ne s'est passionné par l'enquête.

Bref un film qui avait tous les atouts pour emporter le spectateur dans une grande illusion manipulatrice mais qui en renonçant à assumer une direction, s'éparpille de trop et perd son public en route. Quel dommage !

★★☆☆☆

Regression, Alejandro Amenabar (sortie le 28 octobre 2015)

Avec Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis - Espagne - 1h47

Synopsis

Minnesota, 1990. L'inspecteur Bruce Kenner enquête sur un crime révoltant dont la jeune Angela accuse son père, John Gray. Lorsque John avoue sa culpabilité de façon tout à fait inattendue et sans garder le moindre souvenir des faits, le docteur Raines, un célèbre psychologue, est appelé à la rescousse. Il va devoir aider John à retrouver la mémoire, mais ce qu'ils vont découvrir cache un terrifiant mystère qui concerne le pays tout entier...

Baigné tout entier dans l'encre et la plume de Tardi, Avril et le monde truqué séduira adultes comme enfants et convertira tous ceux qui n'auraient pas déjà savouré les albums du dessinateur à son univers inimitable.

Uchronie dystopique, Avril est avant tout un vrai régal pour les yeux et l'imagination ! Dans un monde alimenté par la vapeur qui étouffe sous ses propres cendres, les aventures de la jeune Avril constituent tout autant un récit initiatique plein de charme qu'une mise en garde quant à l'épuisement de nos ressources et la corruption des idéaux par le pouvoir. Parfaitement d'actualité avec la Cop21, c'est le film à ne pas rater en ce moment !

Voici une jolie fable, originale et piquante, qui transpire la personnalité des interprètes, de Jean Rochefort à Philippe Catherine en passant par Marion Cotillard. Entre gaieté et gravité, on savoure un vrai petit bijou, l'occasion de réaliser s'il en était besoin, que l'animation de qualité peut exister en dehors des grands studios, Disney ou Pixar !

★★★★☆

Avril et le monde truqué, Franck Ekinci, Christian Desmares (sortie le 4 novembre 2015)

Avec (les voix de) Jean Rochefort, Marion Cotillard, Philippe Katerine, Marc-André Grondin - France - 1h45

Synopsis

1941. Le monde est radicalement différent de celui décrit par l’Histoire habituelle. Napoléon V règne sur la France où, comme partout sur le globe, depuis 70 ans, les savants disparaissent mystérieusement, privant l’humanité d’inventions capitales. Ignorant notamment radio, télévision, électricité, aviation, moteur à explosion, cet univers est enlisé dans une technologie dépassée, comme endormi dans un savoir du XIXème siècle, gouverné par le charbon et la vapeur.
C’est dans ce monde étrange qu’une jeune fille, Avril, part à la recherche de ses parents, scientifiques disparus, en compagnie de Darwin, son chat parlant, et de Julius, jeune gredin des rues. Ce trio devra affronter les dangers et les mystères de ce Monde Truqué. Qui enlève les savants depuis des décennies ? Dans quel sinistre but ?

Notre petite soeur est un film absolument délicieux ! A tous les sens du termes puisque comme souvent dans le cinéma japonais, la nourriture tient une grande place, et qu'on y mange beaucoup.

A l'instar de ce qu'il explorait dans ses films précédents, Kore-Eda s'intéresse à la famille, dont il décortique les liens. Le quatuor de soeurs, complémentaires et soudées, font front face au reste du monde qui semble les avoir abandonnées. Entre un père absent et une mère démissionnaire, elles se sont recrées une cellule familiale fonctionnelle et tendre. L'accueil parmi elles d'une 4e demi-soeur ne perturbera pas ce schéma mais viendra au contraire le renforcer. Entre liens du sang et liens affectifs, le réalisateur montre avec beaucoup de douceur et de tendresse ce qui nous unit aux autres.

Si les précédents films du réalisateurs s'appuyaient tous une rupture (la séparation de deux frères pour I Wish, un échange d'enfants pour Tel Père Tel Fils), c'est nettement moins le cas ici, même si le film démarre sur un décès. On a l'impression, qu'à l'instar de ses personnages, le réalisateur a trouvé une forme de sérénité qu'il a voulu mettre en image. Le film aurait certes probablement gagné à être un peu raccourci pour plus de dynamisme mais le calme qu'il dégage et la beauté des images fera rapidement oublier les quelques longueurs.

Un joli film familial, parfaitement adorable et plein de douceur, pour une séance de cinéma dont on sortira avec le sourire.

★★★☆☆

Notre Petite Soeur, Hirokazu Kore-Eda (sortie le 28 octobre 2015)

Avec Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho - Japon - 2h07

Synopsis

Trois sœurs, Sachi, Yoshino et Chika, vivent ensemble à Kamakura. Par devoir, elles se rendent à l’enterrement de leur père, qui les avait abandonnées une quinzaine d’années auparavant. Elles font alors la connaissance de leur demi-sœur, Suzu, âgée de 14 ans. D’un commun accord, les jeunes femmes décident d’accueillir l’orpheline dans la grande maison familiale…

Voilà, dans les jours qui ont suivi les attentats, je suis allée me planquer au ciné (ya pas les infos au ciné, c'est bien, c'est paisible). Alors j'aurais pu choisir n'importe quel film et faire genre je suis en plein acte de résistance culturelle, mais bon je suis allée voir Lolo.

Oui, je sais...

Enfin circonstance atténuante (ou pas en fait) le film est signé Julie Delpy, caution intellectuelle bobo et puis moi j'avais vraiment envie de voir Vincent Lacoste et son style décalé.

D'ailleurs ça tombe bien parce que vraiment, c'est la seule chose de bien dans tout le film. Le rôle de Vincent Lacoste et ses poses improbables en slip. Le reste, absolument tout le reste est parfaitement puant de cet humour parisien (je caricature là) de merde, faussement second degré qui se veut vaguement 'shocking' et qui transpirait déjà de tous les pores de 2 Days in New York (que je suis allée voir pour Chris Rock, oui je suis faible ; et j'aime bien les hommes en slip).

Je ne sais d'ailleurs pas pourquoi je m'obstine avec les films de Julie Delpy parce que vraiment je ne supporte pas son humour. C'est bourré d'une espèce d'autodérision vulgaire complètement ratée et qui empile le politiquement incorrect tout en réussissant le tour de force de ne choquer absolument personne. La scène dans le train ou Julie Delpy et Karin Viard devisent des bienfaits d'un homme qui lèche est à ce titre une véritable torture tant elle tombe à plat.

Bref Lolo est parfaitement con mais en toute honnêteté on ne s'y ennuie pas, grâce évidemment à la fabulosité de Vincent Lacoste, qui parvient même à déteindre un peu sur Danny Boon qui réussit à se montrer plutôt attachant. On va dire que pour un lavage de cerveau post cuite (de quelque nature que ce soit) par exemple, ça fait plutôt bien l'affaire en somme.

★★☆☆☆

Lolo, Julie Delpy (sortie le 28 octobre 2015)

Avec Julie Delpy, Vincent Lacoste, Dany Boon, Karin Viard - France - 1h39

Synopsis

En thalasso à Biarritz avec sa meilleure amie, Violette, quadra parisienne travaillant dans la mode, rencontre Jean-René, un modeste informaticien fraîchement divorcé. Après des années de solitude, elle se laisse séduire. Il la rejoint à Paris, tentant de s'adapter au microcosme parisien dans lequel elle évolue. Mais c’est sans compter sur la présence de Lolo, le fils chéri de Violette, prêt à tout pour détruire le couple naissant et conserver sa place de favori.

Bon je voulais parler de Mon Roi depuis un petit moment mais en fait j'avais un peu de mal à savoir ce que je voulais en dire...

Le film représente plutôt bien mon rapport à Maïwenn d'ailleurs. D'un côté j'aime beaucoup sa force et sa capacité à livrer des choses intimes et justes mais d'un autre côté franchement elle a souvent une analyse des choses un peu fastoche et limite con-con parfois. Genre Polisse voyez, c'était bien OK mais c'était surtout d'une facilité à faire pleurer un saule quoi !

Eh ben ya un peu de ça dans Mon Roi.

D'un côté un sujet formidable, rude, violent et dont j'attendais beaucoup : la force destructrice qui se déguise en amour pour tout ravager. J'avais vraiment envie de voir ça, cette réalité brute.

Et puis d'un autre côté non, Mon Roi tombe sans son propre piège et ne montre qu'un personnage certes destructeur mais surtout complètement irréaliste, presque méprisant par rapport à la réalité de la vraie vie tant il est édulcoré !

On se retrouve donc devant l'histoire de cet homme, un gentil égoïste flamboyant qui rêve trop grand et se brûle les ailes et d'une femme qui se laisse envoûter par des rêves qui ne sont pas les siens. Evidemment elle finit par s'en rendre compte et oh elle lutte bien un peu parce que merde il était beau ce rêve quand même, mais elle abandonne vite, sur blessure accidentelle.

Mais c'est pas ça qu'il fallait montrer, pas ce couple un peu hystérique qui se déchire à force de superficialité ! Il fallait creuser, aller voir au fond du trou et dénicher la perversion et la manipulation et cette pourriture douceâtre qu'on finit par prendre pour de l'amour. C'est ça qu'il fallait exposer au grand jour, dans un grand bûcher, exorcisme public de la dépendance à la souffrance ! Il fallait décortiquer l'attachement à son bourreau, les mécanismes inconscients de l'emprise, les rouages de la domination qui se mettent en marche. Il fallait regarder au-delà des apparences et de la facilité pour pouvoir tenir un discours qui dépasse un peu la caricature mièvre du couple qui "se détruit par amour". Bon sang c'est tellement cliché qu'on se croirait dans les pages psycho d'un magazine féminin...

Mais ça, creuser, Maïwenn a vraiment du mal à le faire et elle se contente ici d'explorer la surface et l'histoire d'amour malheureuse qu'elle raconte n'a finalement pas grand intérêt.

C'est dommage parce que vraiment le film est très loin d'être mauvais ! Et puis c'est un sujet qui n'a que très peu été abordé sous un angle autre que thriller et Maïwenn avait, sur le papier, tous les éléments pour faire un film du feu de dieu ! A commencer par un talent de conteuse et une maîtrise de l'image assez phénoménale. Alors oui là aussi ça reste simple, pas de fioritures ni vraiment de style au fond, mais ça fonctionne si bien que pourquoi chercher plus loin ?

Au final on se retrouve devant un film pas déplaisant, que l'on regarde sans vraiment s'y plonger mais avec plaisir tout de même. Il faut dire qu'il doit beaucoup à ses interprètes, que ce soit Vincent Cassel dans son éternel rôle de connard narcissique ou Emmanuelle Bercot, tous deux absolument parfaits dans des rôles à l'alchimie évidente. Et Louis Garrel qui apporte une touche de comédie bienvenue avec le meilleur personnage du film ! Ils entraînent le spectateur dans l'exubérance d'une histoire d'amour perdue d'avance que l'on reconnaîtra tous un peu ; et c'est déjà pas mal...

★★★☆☆

Mon Roi, Maïwenn (sortie le 21 octobre 2015)

Avec Vincent Cassel, Emmanuelle Bercot, Louis Garrel - France - 2h04

Synopsis

Tony est admise dans un centre de rééducation après une grave chute de ski. Dépendante du personnel médical et des antidouleurs, elle prend le temps de se remémorer l’histoire tumultueuse qu’elle a vécue avec Georgio. Pourquoi se sont-ils aimés ? Qui est réellement l’homme qu’elle a adoré? Comment a-t-elle pu se soumettre à cette passion étouffante et destructrice ? Pour Tony c’est une difficile reconstruction qui commence désormais, un travail corporel qui lui permettra peut-être de définitivement se libérer …

Dans l'Allemagne de la fin des années 60 la jeunesse s'émancipe et se rebelle pendant que la génération de leurs parents se raccroche comme elle peut à des valeurs et un mode de vie bientôt dépassés. C'est ce que vivent Ruby (Rosemarie) et Martin, un jeune couple plein de rêves de musique et de liberté que leurs parents, ceux de la jeune fille en particulier, voient d'un mauvais oeil.

Après une tentative de fugue ratée, les deux adolescents sont placés par leurs familles dans deux de ces centres de réinsertion pour mineurs qui sont encore légion en Allemagne à cette époque. Sous la tutelle de l'église, ces centres relèvent plus de centres de détention et de rééducation morale où les jeunes subissent humiliations et travaux forcés.

Le film de Christian Frosch n'est pas le seul à traiter de ces centres de détention, dont l'existence a persisté en Allemagne, mais aussi dans d'autres pays d'Europe, du 19e siècle jusqu'au milieu des années 70 (voir aussi Freistatt, projeté dans le cadre du Festival Augenblick également). D'une manière générale, il semblerait que les réalisateurs allemands, après s'être penchés sur la guerre et le nazisme, s'intéressent maintenant à l'après et à la reconstruction. Ce n'est certainement pas un hasard si nombre des productions allemandes de ces dernières années se situent dans les années 60. Le signe probablement, d'une transition vers une nouvelle génération de réalisateurs, nés après-guerre.

De ce point de vue-là, le film de Chirstian Frosh est vraiment intéressant. La première partie notamment, qui traite le choc générationnel entre parents et adolescents est particulièrement parlante. La suite, dans les centres de redressement constitue un témoignage essentiel pour de nombreuses victimes qui n'ont à ce jour toujours pas été reconnues en tant que telles. L'épilogue en revanche, manque un peu de consistance et aurait mérité d'aller un peu plus loin que la simple évocation par sous-entendus des liens qui ont pu se faire entre les enfants sortis des centres et la mouvance d'extrême gauche et notamment la filière terroriste de la RAF.

Cinématographiquement parlant, le film de Christian Frosch est tourné dans un noir et blanc lumineux et certaines scènes sont tout bonnement fabuleuses, comme celle du Diner où les amoureux vont se réfugier et danser. Globalement les 2 premiers tiers du film sont une vraie réussite tant visuelle que narrative. Malheureusement tout se délite un peu dans le dernier tiers, qui se perd dans un format épilogue un peu convenu, où l'on passe du noir et blanc à la couleur au rythme de (trop) nombreux flash-backs.

Von jetzt an kein Zurück est en tous les cas un film à voir, pour le sujet dont il traite avant tout, et pour les deux jeunes acteurs qui sont particulièrement touchants.

★★☆☆☆

Von jetzt an kein Zurück, Christian Frosch (pas de date de sortie France)

Avec Victoria Schulz, Anton Spieker - allemagne - 1h48

Synopsis

Allemagne, 1968. Ruby et Martin sont jeunes, ne veulent que s’aimer et poursuivre leurs rêves. Une seule issue face à la rigueur ou l’incompréhension de leurs familles, fuguer ensemble vers Berlin. Mais ils échouent et le prix à payer est cher : Ruby est placée dans un couvent et Martin se retrouve dans le prétendu centre éducatif de Freistatt, soumis aux travaux forcés. Que peuvent-ils endurer pour leur amour ?

Projection dans le cadre du Festival Augenblick
En présence du réalisateur Christian Frosch

Je ne suis pas forcément fan de Kheiron et quand j'ai vu le matraquage promotionnel dont il a fait l'objet ses dernières semaines, j'avais décidé que je n'irai pas. Et puis je me suis retrouvée de manière imprévue devant le cinéma et le seul film qui n'avait pas commencé c'était celui-là, alors j'ai tenté le coup.

Bien m'en a pris parce que ce film fait vraiment du bien ! Alors OK une comédie sur fond d'immigration ça avait un peu de quoi rebuter, surtout avec la jurisprudence Intouchables/Samba... Mais Nous Trois ou Rien n'a rien d'une boursoufflure au pathos bien calibré pour faire vibrer les bonnes consciences, c'est au contraire un film tout simple et très juste.

Avec beaucoup de tendresse et un sens du rythme évident, Kheiron raconte la vie de ses parents, de leur lutte pour la démocratie en Iran à leur exil forcé en France. Dans une mise en scène pleine d'humour, il enchaine les trouvailles réjouissantes et drôles. A l'image d'Alexandre Astier incarnant un Chah d'Iran despotique mais hilarant, le film de Kheiron se moque avec talent de toutes les oppressions.

De l'Iran à la France, son film transpire de cette légèreté grave et aborde sur un ton badin des sujets bien plus lourds. C'est vraiment bien vu !

Avec cette tragi-comédie parfaitement dosée, Kheiron raconte la diversité et la richesse d'une France ouverte. Nous Trois ou Rien est un joli petit film, feel good movie dont on sortira le sourire aux lèvres, ce qui par les temps qui courent, n'est pas franchement du luxe...

★★★☆☆

Nous Trois ou Rien, Kheiron (sortie le 4 novembre 2015)

Avec Kheiron, Leïla Bekhti, Gérard Darmon, Zabou Breitman, Alexandre Astier - 1h42

Synopsis

D’un petit village du sud de l’Iran aux cités parisiennes, Kheiron nous raconte le destin hors du commun de ses parents Hibat et Fereshteh, éternels optimistes, dans une comédie aux airs de conte universel qui évoque l’amour familial, le don de soi et surtout l’idéal d’un vivre-ensemble.

Mais quelle bonne surprise que ce nouveau stagiaire ! Je n'en attendais vraiment pas tant (j'en attendais à peu près rien pour être honnête). Attirée dans la salle dans un de ces moments de léger blues où l'on a juste envie d'un film "facile" pour se changer les idées, je m'attendais à une petite romance un peu bébête à consommer comme un bol de guimauve.

En réalité Un Nouveau Stagiaire est bien moins bête qu'il n'y parait, mais en jetant un oeil plus attentif au générique, j'aurais pu m'en douter. Nancy Myers est certes spécialiste des romances mais aussi des bonnes surprises puisqu'elle parvient toujours à donner ce petit je ne sais quoi qui donne une alchimie réussie à ses films.

Ici, on retrouve Robert de Niro, que l'on découvre depuis quelques années dans le registre de la comédie, qu'il maitrise à merveille, dans un rôle qui semble fait pour lui. Sympathique patriarche qui essaie de rester en phase avec son temps et distille la sagesse que lui confère son âge auprès d'une Anne Hathaway qui jongle tant bien que mal entre son rôle de femme d'affaire, de mère et d'épouse.

En plus du choc des générations et des gags qui en découlent, le films de Nancy Myers surprend par son côté moderne et discrètement féministe.

C'est assez rare pour être remarqué et ça fait énormément de bien de voir de temps en temps des personnages féminins sur les écrans qui ressemblent aux femmes de la vraie vie (enfin avec 3 ou 4 tailles de fringues en moins mais bon chaque chose en son temps...). Ici le personnage de Anne Hathaway galère franchement pour assurer tous ses rôles de front et elle y parvient grâce à l'aide de son conjoint, qui s'occupe de la maison et de la famille. Mais jamais son conjoint n'est présenté comme un héros, ni comme un sous-homme d'ailleurs, mais simplement comme un partenaire qui épaule naturellement sa femme. A aucun moment non plus le personnage de Anne Hathaway n'est blamé pour ses décisions, et ce même dans les coups durs. Le film s'attache plutôt à ses doutes et à ses choix, se servant du personnage de Robert de Niro pour faire avancer ses réflexions.

Plus qu'une comédie générationnelle sur la modernité, qui se moque gentiment des hipsters et des méthodes de travail modernes, Le Nouveau Stagiaire est un marqueur indéniable de l'évolution de notre société, un film acutel, drôle et attachant.

★★★☆☆

Le Nouveau Stagiaire (The Intern), Nancy Myers (sortie le 7 octobre 2015)

Avec Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo - USA - 2h01

Synopsis

Ben Whittaker, un veuf de 70 ans s'aperçoit que la retraite ne correspond pas vraiment à l'idée qu'il s'en faisait. Dès que l'occasion se présente de reprendre du service, il accepte un poste de stagiaire sur un site Internet de mode, créé et dirigé par Jules Ostin.

Ridley Scott aux commandes d'un space movie qui se déroule sur Mars... Je ne pense pas être la seule cinéphile à avoir salivé abondamment devant la perspective de cette séance de cinéma !
Et pourtant, il faut bien admettre que le film est à des années-lumières de tout ce que j'aurais aimé voir ! De là à dire qu'il est raté, il y a un pas que je ne franchirai pas, mais c'est en tous les cas un film étonnant !

Tout d'abord, et contrairement à la façon dont il a été vendu sur toutes les ondes, il ne s'agit pas franchement de science-fiction. Alors OK on n'est, à ce jour, pas encore allés sur Mars, m'enfin on en est tellement proche que la science évoquée dans le film est grosso modo celle d'aujourd'hui. Avec quelques invraisemblances pour servir le scénario mais ça reste à la marge.

Un peu à l'image de Gravity, qui pour le coup n'avait absolument rien à voir avec de la SF, Seul sur Mars incarne un nouveau genre, qui sera probablement voué à se développer : le survival spatial. Sauf que dans ce registre, Gravity a posé d'emblée un jalon si haut qu'il sera à mon sens difficile de le surpasser avant un moment. Et sans surprise, Seul sur Mars n'y parvient pas.

Le personnage de Matt Damon, isolé sur une planète hostile sur laquelle il ne peut pas vivre sans un lourd dispositif scientifique, lequel a en plus été pensé pour n'être que provisoire, est toutefois très intéressant. Cette espèce de McGyver galactique que rien n'arrête et qui peut résoudre n'importe quel problème grâce à la science, quitte à regagner la Terre en décapotable, est une jolie trouvaille. On ne développe quasiment aucune empathie pour lui mais on passe quand même 2h rudement fun en sa compagnie.

C'est là toute la limite du film de Ridley Scott, qui aborde du coin de la caméra, bien planqué dans l'angle mort, toute la question de ce qui fait notre humanité. L'homme, cet animal social, peut-il rester humain dans un isolement complet ? Quel lien permet de conserver cet état de conscience ? Si ces questions ne datent pas d'hier (on pense à Robinson Crusoé évidemment) et ont notamment été abordée par Zemekis dans Seul au monde (à revoir en parallèle !), on s'attache ici à déterminer la place de la technologie dans ce processus. Si sur son île Tom Hanks avait fini par humaniser un ballon de foot, sur Mars c'est grâce à la caméra - et son public imaginaire - que Matt Damon échappe à la folie.

Malheureusement cet aspect, et l'évocation du colonialisme d'ailleurs, est balayé d'un revers de manche pour s'attacher au côté spectaculaire. Et très vite, le manque de doutes et de failles du personnages de Matt Damon en font un héros si lisse et si parfait qu'on peine à saisir le propos du film.
On a ainsi l'impression de basculer dans une vision un peu guimauve et niaise de l'espace, qui en deviendrait presque accueillant. C'est cet aspect, de la part de l'homme qui a fait le huis clos spatial le plus angoissant qui soit (Alien, le 8e passager), qui surprend le plus.

Visuellement par ailleurs, le film est une tuerie ! Les images sont sublimes, les scènes de paysages désertiques de la planète rouge sont absolument magnifiques et donneraient presque envie de prendre son billet pour Mars One... C'était peut-être ça l'idée, finalement...

On dirait bien que Seul sur Mars, avec sa BO entrainante, son héros insubmersible et ses images somptueuses, est en réalité le premier feel good movie spatial...

★★★☆☆

Seul Sur Mars (The Martian), Ridley Scott (sortie le 21 octobre 2015)

Avec Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Pena, Sean Bean - USA - 2h24

Synopsis

Lors d’une expédition sur Mars, l’astronaute Mark Watney est laissé pour mort par ses coéquipiers, une tempête les ayant obligés à décoller en urgence. Mais Mark a survécu et il est désormais seul, sans moyen de repartir, sur une planète hostile. Il va devoir faire appel à son intelligence et son ingéniosité pour tenter de survivre et trouver un moyen de contacter la Terre. A 225 millions de kilomètres, la NASA et des scientifiques du monde entier travaillent sans relâche pour le sauver, pendant que ses coéquipiers tentent d’organiser une mission pour le récupérer au péril de leurs vies.

La seule chose qui ne nous réserve plus aucune surprise chez Woody Allen, c'est la régularité avec laquelle il enchaine ses films. Un par an, depuis des décennies. On ne s'en plaint pas, ô loin de là, d'autant que pour tout le reste, il demeure, même auprès des connaisseurs les plus avertis, plein de surprises !

Après un film lumineux l'an dernier (le délicieux Magic in the Moonlight) il revient en 2015 avec une vraie tragi-comédie, un conte noir dont il a le secret.

C'est une première collaboration avec un Joaquin Phoenix parfait pour l'emploi, dans un rôle de prof de philo désabusé et cynique, dont l'aura délétère attire de façon aussi franche qu'incompréhensible, toutes les femmes qui croisent son chemin. De cet homme paumé, en passe de renoncer faute de parvenir à en profiter, à ce que peut offrir la vie, sortira comme d'une chrysalide un véritable héros aux certitudes adolescentes, persuadé d'avoir saisi le sens profond de la vie.

Cette métamorphose est provoquée par l'idée, folle, d'un homme qui n'a plus rien à perdre : commettre un crime à but humanitaire et tuer un homme qui nuit à ses pairs. Mais alors qu'il pensait tout perdre suite à cet acte désespéré, l'inverse se produit et sa vie reprend du sens.

Si la pensée philosophique distillée par Abe dans ses cours et ses actions peut paraître un brin futile, elle cache toutefois une réflexion pas si sotte sur la valeur d'une vie ou sur le côté un peu simpliste d'une définition manichéenne du bien et du mal. Il interroge la morale et les valeurs que l'on porte en soi, en opposition à celles que l'on prône, dans un cynisme grinçant.
Mais loin d'être dévoré par ce cynisme, le film de Woody Allen trouve son équilibre grâce au personnage d'Emma Stone, disciple loin d'être aveuglée par les certitudes de son maître et qui questionnera sa légitimité.

L'Homme irrationnel n'est certes pas le plus subtil des films d'Allen mais il est justement dosé et oscille sans jamais basculer, entre romance, drame, comédie et polar. On s'amuse autant qu'on s'agace auprès de ces personnages imparfaits, sans jamais regretter d'avoir mis le pied dans la salle.

★★★☆☆

L'Homme Irrationnel (Irrational Man), Woody Allen (sortie le 14 octobre 2015)

Avec Emma Stone, Joaquin Phoenix, Parker Posey - USA - 1h35

Synopsis

Professeur de philosophie, Abe Lucas est un homme dévasté sur le plan affectif, qui a perdu toute joie de vivre. Il a le sentiment que tout ce qu'il a entrepris n’a servi à rien. Peu de temps après son arrivée dans l’université d’une petite ville, Abe entame deux liaisons. D’abord, avec Rita Richards, collègue en manque de compagnie. Ensuite, avec Jill Pollard, sa meilleure étudiante, qui devient aussi sa meilleure amie. Tandis que les troubles psychologiques d'Abe s’intensifient, Jill est de plus en plus fascinée par lui.

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Si le premier volet du Labyrinthe ne m'avait déjà pas follement convaincue, il avait en tout cas suffisamment éveillé ma curiosité pour que j'aille voir la suite, dans le secret espoir que le film prenne un peu de corps.

Ô naïveté, que ne me fais-tu espérer...

Évidemment, et la fin du 1er film l'annonçait déjà clairement, le labyrinthe est évacué vite fait et avec lui tout l'intérêt qu'il restait dans le film. La suite garde les mêmes personnages et leur course effrénée, mais désormais sans but : ils ne savent pas plus que nous ce qu'ils fuient ni vers où ils courent (vers un 3e volet aussi insipide que les 2 précédents, sans aucun doute...). Leur échappée est ponctuée de rencontres convenues et introduit une nouvelle menace : des espèces de zombies.

Car après l'univers verdoyant autour du labyrinthe, on échoue dans un monde post apocalyptique complètement désertique dont les héros n'ont aucun souvenir et où apparemment l'humanité a été décimée par un virus zombie. Ou quelque chose d'approchant.

Là aussi, Wes Ball (toujours un sombre inconnu) pêche à droite à gauche l'inspiration dans les films emblématiques pour nous en recracher une version sans âme et sans personnalité.

Si les plus jeunes spectateurs (enfin pas trop jeunes non plus, disons autour de 14 ans), vierges de ces prestigieuses références, y trouveront peut-être (provisoirement) leur compte, c'est malgré tout un cinéma très pauvre, pur produit commercial sans âme. Dommage de ne pas donner un peu plus d'épaisseur à un univers avec lequel avait pourtant matière à faire quelque chose d'intéressant.

★☆☆☆☆

Le Labyrinthe : la terre brûlée, Wes Ball (sortie le 7 octobre 2015)

Avec Dylan O'Brien, Ki Hong Lee, Kaya Scodelario - USA - 2h13

Synopsis

Dans ce second volet de la saga épique LE LABYRINTHE, Thomas et les autres Blocards vont devoir faire face à leur plus grand défi, rechercher des indices à propos de la mystérieuse et puissante organisation connue sous le nom de WICKED. Or le monde qu’ils découvrent à l’extérieur du Labyrinthe a été ravagé par l’Apocalypse. Leur périple les amène à la Terre Brûlée, un paysage de désolation rempli d'obstacles inimaginables. Plus de gouvernement, plus d'ordre… et des hordes de gens en proie à une folie meurtrière qui errent dans les villes en ruine. Les Blocards vont devoir unir leurs forces avec d'autres combattants pour pouvoir affronter WICKED et tenter de défier son immense pouvoir.

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Denis Villeneuve s'est imposé en quelques films dans la cour des grands cinéastes, maître du thriller, spécialiste de la tension et des montées d'adrénaline. Le sujet de Sicario était prometteur et son introduction, intervention des forces spéciales dans une maison de trafiquants semblait donner le ton et orienter le spectateur vers la traque. Malheureusement le film change de ton petit à petit.

Car assez rapidement Sicario bascule du côté des magouilles +/- teintées d'un arrière-goût de géopolitique et des rapports de force pas toujours très moraux et encore moins légaux, dans la guerre contre les cartels. On pense à Traffic, évidemment. Et le film de Soderbergh prend assez vite l'avantage. Le personnage d'Emily Blunt se dissoud petit à petit dans ceux de ses superviseurs masculins et le film perd pied.

Il y a bien quelques scènes phénoménales qui donnent à voir ce qu'aurait pu être le film s'il avait pris une direction différente. Le passage de frontière notamment est tout bonnement exceptionnel. La tension qui monte dans les voitures, la caméra qui alterne les vues aériennes et de terrain, tantôt partie prenante tantôt telle une voix off visuelle, tout est maîtrisé et réussi à la perfection. Du grand art ! Du grand art aussi la traque dans le tunnel et les effets très visuels que procure la caméra en vision nocturne. Silhouettes fantomatiques se détachant dans le noir, une vraie bonne idée !

Malheureusement on a le sentiment que Villeneuve ne trouve jamais l'équilibre et hésite en permanence entre les directions à donner à son film. On y retrouve pêle-mêle des éléments qui n'ont pas grand chose à faire ensemble et on finit par se demander (un peu comme elle au final) ce que le personnage principal fabrique dans ce film tant elle se fait dévorer par les autres. Le territoire des loups, nous explique-t-on à la fin. Certes. Mais avait-on besoin de tout ça pour une démonstration si rudimentaire ?!

Villeneuve veut-il parler de l'impact du trafic de drogue sur les gens qui y participent ? De la pauvreté qui ne laisse pas tellement de choix à une population exsangue ? De pouvoir et d'argent, pour lesquels on serait prêt à tout ? Il aborde un peu tout à la fois, sans jamais s'y attarder, comme des bulles d'air le long d'un canal que l'on remonte, machinalement, sans trop se demander où l'on va.

C'est dommage, car c'est un sacré tour de force, ce canal !

★★★☆☆

Sicario, Denis Villeneuve (sortie le 7 octobre 2015)

Avec Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Daniel Kaluuya - USA - 2h02

Synopsis

La zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique est devenue un territoire de non-droit. Kate, une jeune recrue idéaliste du FBI, y est enrôlée pour aider un groupe d’intervention d’élite dirigé par un agent du gouvernement dans la lutte contre le trafic de drogues. Menée par un consultant énigmatique, l'équipe se lance dans un périple clandestin, obligeant Kate à remettre en question ses convictions pour pouvoir survivre.

Le Pan de Joe Wright est plutôt une bonne surprise en fin de compte. Enfin tout du moins une bonne surprise relative, par rapport à ce qu'annonçait la première partie, pendant laquelle j'ai eu le plus grand mal à rester dans la salle...

Parce que déjà, Pan est laid. Pas le môme hein, le film.

Alors je ne sais pas si c'est la 3D qui est dégueulasse (je serais allée le voir en 2D si j'avais eu le choix, mais je ne l'ai pas eu) ou si c'est "juste" le post-traitement qui crade tout, mais il est vraiment très laid. Pour tout dire au début j'ai cru que c'était un film d'animation tellement ça suinte le numérique. En voyant les premiers plans dans les rues de Londres où la mère de Peter l'abandonne devant un orphelinat et les images du bébé à la peau si lisse, je me suis dit en voyant son bonnet "oh tiens ils ont super bien réussi la texture du bonnet" avant de réaliser que c'était un vrai bonnet.

Bref le film est vraiment moche et ça ne va pas en s'améliorant. Par contre, on s'habitue.

Ensuite, le gamin qui a le rôle principal est, comme beaucoup trop souvent, horripilant à souhait. Il surjoue et n'a à peu près rien de l'espièglerie qu'on connaît à Peter Pan. Sans compter que la guerre dans laquelle il fait irruption (Barbe Noire vs les Fées) est complètement saugrenue (pour preuve, la bataille finale, après laquelle on se demande bien quel était tout le fuss autour de cette guerre gagnée en 10mn). Mais bon ce n'est que la 1ere partie d'un prequel (oui-oui il y aura des suites...), on n'est pas encore dans la féérie alors laissons une chance à ce pauvre enfant.

J'ai donc laissé sa chance au produit malgré la lourdeur de la grosse machinerie mis en branle par un Joe Wright complètement lourdaud qui égrène un à un les poncifs des gros films d'action estampillés jeunesse. Entre la musique qui évoque de manière à peine voilée celle des Pirates des Caraïbes et les décors qui sembleront familiers tantôt aux fans d'Avatar tantôt à ceux de la Terre du Milieu (même le campement des indiens m'a rappelé le village des Ewoks...) on est assez loin d'une quelconque originalité. Quant à l'utilisation de Feels Like Teen Spirit, entonné A Capella par les esclaves de Barbe Noire pour le saluer, j'en ai eu des frisson en imaginant le pauvre Kurt Cobain faire des loopings dans sa tombe. Reste que cette scène est probablement la plus réjouissante du film et que le personnage absolument fabuleux de Barbe Noire est assez emballant.

Bon dit comme ça, je suppose qu'on a un peu de mal à la voir, la bonne surprise...

Et pourtant, malgré un cargo entier de défauts gros comme des voiliers volants, on se laisse finalement pas mal prendre au jeu. La faute sans doute à Hugh Jackman qui vaut à lui seul de se farcir l'ouverture à Londres. Il est vraiment parfait en pirate vilain-vilain-vilain qui prend quand même la peine de dire à ses victimes de penser à quelque chose d'agréable avant de les occir.

Les bateaux volants sont plutôt sympatoches et la relation Crochet / Peter Pan est assez intrigante pour qu'on ait envie d'en savoir plus. Dommage, trois fois dommage, qu'une fois de plus les studios aient préféré tirer les choses en longueur pour étaler l'histoire sur une à deux suites au lieu de bien ficeler un seul récit qui aurait été plus cohérent.

Bref j'irai sans doute voir les éventuelles suites, car mon envie de quitter la salle s'est complètement évaporée une fois l'intrigue posée à Neverland.

Reste que le film est bien loin de la réussite qu'il aurait pu être entre les mains que quelqu'un pourvu d'un peu plus de personnalité (ou sans la pression des studios, voire les deux) et qu'il gagnera probablement à être vu sur une TV (il semblera très certainement moins laid en plus petit...).

★★☆☆☆

Pan, Joe Wright (sortie le 21 octobre 2015)

Avec Hugh Jackman, Levi Miller, Rooney Mara, Garrett Hedlund - USA - 1h51

Synopsis

Proposant un nouveau regard sur l'origine des personnages légendaires créés par J.M. Barrie, le film s'attache à l'histoire d'un orphelin enlevé au Pays Imaginaire. Là-bas, il vivra une aventure palpitante et bravera maints dangers, tout en découvrant son destin : devenir le héros connu dans le monde entier sous le nom de Peter Pan.

A lire aussi :

Le Petit Poucet, Marina de Van (2010)
Blancanieves, Pablo Berger (2012)
Blanche-Neige, Tarsem Singh (2012)
Hansel et Gretel, Tommy Wirlola (2012)
Jack, chasseur de géants, Bryan Singer (2013)
La Belle et la Bête, Christophe Gans (2014)
Maléfique, Robert Stromberg (2014)
Into the Woods, Rob Marschall (2015)
Le Livre de la Jungle Jon Favreau (2016)
La Belle et la Bête, Bill Condon (2017)

Ah ça Rappeneau c'est quelque chose ! Notre petit Lubitsch à nous en quelque sorte...

Avec sa grâce et sa virevoltance habituelle, il nous livre avec Belles Familles un film joliment enlevé, un trésor de rythme et d'équilibre. Les dialogues chantent et claquent, les mouvements des personnages et des caméras, tout est étudié avec soin et placé au millimètre. Ah quel régal un film construit comme une pièce montée, un travail d'orfèvre sur une partition dorée !

Belles familles est un film à tiroirs, dont les ouvertures/fermetures paraissent au départ un peu énigmatiques avant que l'on se laisse emporter sans résistance à la suite de Mathieu Amalric au chevet de sa jeunesse provinciale en passe d'être vendue (la maison familiale, une allégorie). Les mystères et autres secrets de polichinelle qu'il découvre ne sont eux aussi que prétexte à plus de mouvement et à une plongée plus profonde dans l'intimité de cette famille.

La maison trône au centre de tout et de tout le monde, pilier immuable autour duquel tout s'articule et qui détermine la santé des relations entre chacun, et c'est elle qui révèle les désirs et rancoeurs enfouis depuis des années.

Belles Familles parle de filiation, d'hérédité, de construction de soi entre ce que l'on est et ce que l'on donne à voir. Il parle de rapports fraternels et d'amitié ; d'amour aussi, et de ce qu'on a caché. Avec Belles Familles Rappeneau parle de la vie et de tout les petits bâtons qui se calent entre les roues.

Quel dommage avec autant de talent de gâcher en partie la crédibilité de son film en mettant en image, encore et encore, des hommes de 50 ans en couple avec des femmes de même pas 25ans. C'est tellement récurrent et omniprésent que ça en devient une norme visuelle. Nicole Garcia, qui joue la mère d'Amalric a moins de différence d'âge avec lui que l'actrice qui joue sa compagne. Et après on s'étonne que passé 40 ans les actrices disparaissent des écrans...

★★★☆☆

Belles Familles, Jean-Paul Rappeneau (sortie le 14 octobre 2015)
Avec Mathieu Amalric, Karin Viard, Gilles Lellouche, Marine Vacth, Nicole Garcia, André Dussilier - France - 1h53

Synopsis
Jérôme Varenne, qui vit à Shanghai, est de passage à Paris. Il apprend que la maison de famille d’Ambray où il a grandi est au cœur d’un conflit local. Il décide de se rendre sur place pour le résoudre. Cette échappée provinciale changera sa vie…

Je suis allée voir le film d'Emma Luchini sans trop savoir où je mettais les pieds (pas vu de bande annonce et à peu près rien lu sur le film) mais avec, je dois bien l'admettre, un petit apriori négatif en mode "fille de" qui titre en plus son film comme une manchette de presse.

Sauf que les a prioris sont rarement fondés et que j'ai tout bonnement adoré le film !

Il est plein de fraicheur et de gaité, de joie de vivre malgré les aspects désabusés de certains personnages. Plein de rythme et d'entrain, il redonnera le sourire à qui en manquait un peu. Bref, c'est un beau petit film de rentrée (tardive).

Veerle Baetens illumine le film, toujours aussi juste que dans le magnifique Alabama Monroe où on l'avait découverte. Joyeuse et dure à la fois, son personnage vit au jour le jour et nourrit pendant une brève parenthèse une histoire de coeur avec un trio familial à la dérive.

Les trois hommes du film incarnent les différentes étapes d'une vie et trois rapports à l'amour. Alors que le plus jeune, le rayonnant Zacharie Chasseriaud (à suivre!) plonge plein de fougue dans ce qu'il pense à chaque fois être l'amour de sa vie, son frère alcoolique en pleine rupture (touchant Manu Payet) est d'un cynisme désabusé plein de tendresse cachée. Leur père, incarné par un Luchini plein de tendresse, tente de se sortir d'un deuil par une obsession horticole.

Le ton est enjoué et on s'amuse beaucoup avec ce quatuor improbable, qu'on regrette de lâcher après un début si prometteur...

A voir absolument pour contrer la grisaille !

★★★☆☆

Un début prometteur, Emma Luchini (sortie le 30 septembre 2015)

Avec Veerle Baetens, Manu Payet, Zacharie Chasseriaud, Fabrice Luchini - France - 1h30

Synopsis

Martin, désabusé pour avoir trop aimé et trop vécu, retourne chez son père, un horticulteur romantique en fin de course. Il y retrouve Gabriel, son jeune frère de 16 ans, exalté et idéaliste, qu’il va tenter de dégoûter de l’amour, sans relâche. Mais c’est sans compter Mathilde, jeune femme flamboyante et joueuse, qui va bousculer tous leurs repères...

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