Des petits bouts d'éternité

De prime abord, Maggie intrigue. Le film de Zombie traité comme un drame pour emmener ce genre vers un grand public peu amateur de sensations fortes au cinéma, c'est un pari intéressant, qui peut donner un film très réussi ! Malheureusement lorsque l'on découvre un complet inconnu (Henry Hobson signe là son premier film) aux commandes d'un film au budget conséquent et avec Schwarzenegger à l'affiche... on comprend rapidement qu'il s'agit là d'un film de studio, ce qui n'augure pas du meilleur...

Loin de moi l'idée qu'on ne puisse pas faire de bon film ciblé grand public ! Il y a d'excellents blockbusters qui prouvent le contraire et dans la catégorie zombie familial, World War Z était vraiment excellent. Seulement il faut en général quelqu'un de solide aux commandes, pour imposer sa patte et résister au calibrage des studios.

Avec Maggie, Hobson tente donc d'emmener l'univers des morts-vivants vers un public plus large et pour cela il base son intrigue non pas sur l'apocalypse ni sur les attaques de zombie mais sur la période de transition de son personnage. Maggie est contaminée et vivra ses derniers jours dans un entre-deux hésitant, entre le monde des vivants dont elle se détache et celui des morts qu'elle n'a pas encore rejoint.

Dit comme ça on comprends aisément qu'il s'agit d'une métaphore assez peu subtile de l'adolescence, et en effet le film affiche ces airs éthérés et mélancoliques que l'on a pas mal vu sur les écrans ces derniers temps pour des films du même genre et avec divers degrés de réussite (on pense au très beau How I Live Now, à The Spectacular now ou encore à Electrik Children dont on retrouve ici la palette de couleurs un peu délavées). L'idée est bonne et le contexte intéressant. Et puis Abigail Breslin est vraiment parfaite en ado désabusée et le bourru Schwarzie est étonnamment très à sa place dans le rôle du père pas encore tout à fait résigné à laisser partir sa fille.

Malheureusement il devient assez rapidement évident que le réalisateur n'a rien à dire... Trop jeune ? Trop cadré par les studios ? Peu importe en définitive mais on regrette ce manque de propos et de profondeur pour un film qui aurait pu exprimer tellement plus que ça. On se retrouve finalement devant un film qui tourne en rond et recycle ses propres scènes à défaut de faire progresser ses personnages. La vaine tentative d'insuffler du suspense quant au sort de Maggie, que l'on sait pourtant inéluctable et qui dès lors repose uniquement sur la façon dont elle mourra, est au mieux complètement vain, au pire de très mauvais goût.

Déception mitigée pour ce film un peu raté qui, de l'ambiance douce et mélancolique au talent de ses acteurs, avait toutes les cartes en main pour devenir autre chose que cette fable tiède.

Dans la catégorie Zombies adolescents, Warm bodies avait au moins le mérite d'être drôle !

★★☆☆☆

Maggie, Henry Hobson (sortie le 27 mai 2015)
Avec Abigail Breslin, Arnold Schwarzenegger, Joely Richardson - USA - 1h35

Synopsis
Alors qu'une terrible pandémie se propage à travers les États-Unis, le gouvernement impose de placer les malades infectés par le virus en quarantaine, où ils se transformeront en zombies, totalement retranchés du monde. Lorsque Maggie, 16 ans, apprend qu'elle a été contaminée, elle s'enfuit. Mais son père, Wade Vogel, est déterminé à la retrouver et à la protéger coûte que coûte, même s'il lui faut affronter les forces de police...

Le sujet est polémique mais Bellefroid évite judicieusement les écueils de la revendication frontale pour naviguer entre émotion et naïveté. Avec beaucoup de subtilité, il raconte l'histoire de deux destins plus qu'il n'illustre un sujet d'actualité.

On comprend à demi-mot au travers de l'histoire des deux femmes tout l'imbroglio légal et émotionnel qui entre en jeu lorsque l'on a recours à une mère porteuse. Les actrices, filmées en plans serrés dans le huis clos au sein duquel évoluent leurs personnages, restent justes et pleines de pudeur. Et c'est ainsi que Melody nous happe dans son histoire...

Jeune paumée pleine de rêves, elle propose de louer son corps pour gagner de quoi financer son salon de coiffure. De l'autre côté de la manche, Emily tente de se remettre du cancer qui lui a coûté son utérus. Les deux femmes sont unies par l'enfant de l'une que porte l'autre et pour toutes les deux la maternité comme planche de salut.

La réussite du réalisateur tient à son parti-pris et sa volonté de s'ancrer dans la fiction : loin de théoriser un sujet pourtant brûlant de controverse, il raconte ici une histoire singulière, comme le sont certainement toutes celles des personnes pouvant avoir recours à la GPA. Il fait ainsi de Melody un film juste et sensible, qui questionne moins le concept de grossesse pour autrui, qui est bel et bien une réalité depuis fort longtemps, légale ou non, que celui de la maternité, de l'identité et de la façon dont on se construit.

Émouvant et jamais lourd, une jolie découverte.

★★☆☆☆

Melody, Bernard Bonnefroid (sortie le 6 mai 2015)

Avec Rachael Blake, Lucie Debay, Don Gallagher - Belgique - 1h32

Projeté à Strasbourg dans le cadre du Festival du Film LGBTI 2015

Synopsis

Melody, modeste coiffeuse à domicile, est prête à tout pour réaliser son rêve : ouvrir son propre salon de coiffure. Contre une importante somme d'argent, elle accepte de porter le bébé d'une autre et rencontre Emily, riche Anglaise qui cherche désespérément à en avoir un...

Assez peu familière du cinéma de Philippe Garrel je me suis dit que son Ombre des Femmes serait l'occasion de confronter mes préjugés à la réalité. Eh ben autant le dire tout net, je n'ai pas été déçue !

Je n'avais vu que des commentaires élogieux au sujet du film, présenté à Cannes cette année (15aine des réalisateurs) et puis j'aime beaucoup Clotilde Courau qui se fait très rare sur les écrans, j'y allais donc avec un esprit plutôt positif. A moi le grand cinéma français !

Autant dire que le revers fut brutal... Le cinéma français d'exception aujourd'hui, c'est ça ? Un vieux réalisateur qui nous sort une histoire d'adultère de 1965 comme si c'était la vie, en déroulant un cliché par minute dans un noir et blanc fadasse ?! Non mais vraiment les bras m'en tombent ! Une vraie caricature : tout y est, même la voix off monocorde

Un homme, une femme, des artistes, la bohème, il la trompe, elle le trompe aussi, il l'apprend, il fait un scandale, elle encaisse, ils se séparent, il mange du riz nature parce que c'est ce que mangent les hommes quand leur femme n'est pas là, ils s'aiment, ils se réconcilient parce que quand même c'est trop bête. C'est pathétique de bout en bout tant le vide scénaristique est comblé avec des lieux communs.

Je ne sais pas ce qui est le plus affligeant, du scénario tout droit sorti de la poche d'hibernatus ou de l'interprétation des acteurs, qui déambulent mollement avec un air inspiré / torturé / pensif. Le noir et blanc ne fait que rajouter une couche : on filme la misère avec un noir et blanc délavé, sans personnalité ni relief, tandis que les femmes dont il est question dans le titre affichent, bouche entrouverte de préférence, un regard enamouré qui frôle la catatonie.

Bref le seul point positif de ce film pompeux et insupportable, c'est qu'il ne dure qu'1h13...

★☆☆☆☆

L'Ombre des Femmes, Philippe Garrel (sortie le 27 mai 2015)

Avec Stanislas Merhar, Clotilde Courau, Lena Paugam et la voix de Louis Garrel - France - 1h13

Synopsis

Pierre et Manon sont pauvres. Ils font des documentaires avec rien et ils vivent en faisant des petits boulots. Pierre rencontre une jeune stagiaire, Elisabeth, et elle devient sa maîtresse. Mais Pierre ne veut pas quitter Manon pour Elisabeth, il veut garder les deux. Un jour Elisabeth, la jeune maîtresse de Pierre, découvre que Manon, la femme de Pierre, a un amant. Et elle le dit à Pierre… Pierre se retourne vers Manon parce que c’est elle qu’il aimait. Et comme il se sent trahi, il implore Manon et délaisse Elisabeth. Manon, elle, rompt tout de suite avec son amant. On peut supposer que c’est parce qu’elle aime Pierre.

Les films catastrophe et moi, c'est une grande et longue histoire d'amour, qui a commencé très jeune avec La Tour Infernale et n'a fait que croitre depuis au fur et à mesure que les effets spéciaux permettaient des scènes de plus en plus impressionnantes. Ah Twister et ses tornades, Deep Impact et ses météorites, Le Pic de Dante et son volcan, Le Jour d'Après et sa tempête de glace... Quel bonheur !

Le 2012 d'Emmerich quant à lui n'est que caricature grossière, mais la scène de destruction de Los Angeles et son donut fou vaut à elle seule le visionnage du film !

Bref, impossible donc de ne pas jeter un œil avide du côté du dernier venu, dont le titre annonce rien de moins que le Big One, auquel il semblait jusqu'ici difficile de se frotter.

Et force est de constater que Brad Peyton a beau être inconnu au bataillon, il n'y va pas par quatre chemins ! Tremblements de terre, destructions massives, du Hoover Dam à San Francisco tout entière : tout y passe, y compris un tsunami géant déferlant sur le Golden Gate Bridge ! Les effets sont saisissants (pas évident de montrer la terre qui tremble, mais c'est ici très réussi !) et laissent le spectateur la mâchoire béante de contentement.

L'enthousiasme est malheureusement freiné par plusieurs incartades au genre, qui agaceront les inconditionnels comme moi.

Le choix du héros en premier lieu : si Dwayne Johnson a depuis quelques films montré que la taille de son humour dépasse largement celle de ses muscles et prouvé qu'il était capable d'interpréter autre chose que du gros bourrin musculeux, reste que son gabarit hors normes tranche un peu avec le rôle de monsieur-tout-le monde qui se révèle héroïque lorsque la catastrophe survient. Ici le personnage est déjà un héros héroïque (non seulement il est sauveteur de l'extrême mais en plus c'est un ancien soldat), on s'attend donc à ce qu'il sauve la moitié de la planète, et les doigts dans le nez qui plus est. Rien de bien intéressant de ce côté-là, alors que cet héroïsme révélé est quand même supposé être l'un des ressors-clés du film catastrophe.

L'intrigue ensuite, est tout aussi inadaptée. Cela manque singulièrement de personnages ! On suit en effet une famille qui s'auto-sauve, pendant que le reste du monde peut bien crever (ce qu'il fait allègrement d'ailleurs). Ni morceaux de bravoure ni solidarité soudain exprimée : l'altruisme du héros héroïquement héroïque a des limites : celles de sa famille (il consent toutefois à sauver 3/4 personnes qui se trouvent sur son chemin, c'est bien urbain de sa part). Si l'individualisme atteint même les films catastrophe, le monde court à sa perte, sachez-le !

Même le sort réservé aux méchants, s'il est délectable à souhait, est lui aussi trop vite expédié. Ah quel dommage, ah quel gâchis !

Ainsi malgré les effets impressionnants qui raviront les connaisseurs, on se retrouve devant ce qui restera probablement (je l'espère en tout cas) le film catastrophe le plus raté de l'histoire.

★☆☆☆☆

San Andreas, Brad Peyton (sortie le 27 mai 2015)

Avec Dwayne Johnson, Carla Gugino, Alexandra Daddario, Hugo Johnstone-Brut, Art Parkinson - USA - 1h54

Synopsis

Lorsque la tristement célèbre Faille de San Andreas finit par s'ouvrir, et par provoquer un séisme de magnitude 9 en Californie, un pilote d'hélicoptère de secours en montagne et la femme dont il s'est séparé quittent Los Angeles pour San Francisco dans l'espoir de sauver leur fille unique. Alors qu'ils s'engagent dans ce dangereux périple vers le nord de l'État, pensant que le pire est bientôt derrière eux, ils ne tardent pas à comprendre que la réalité est bien plus effroyable encore…

Voici un film au concept intéressant : banni des pellicules par un régime dictatorial pour avoir dénoncé une réélection contestable, Jafar Panahi prouve que lorsqu'on a quelque chose à dire, on trouve toujours un moyen de s'exprimer. Après plusieurs films tournés discrètement en intérieur, il se risque à braver les autorités iraniennes en filmant la société sur laquelle il n'a plus le droit de s'exprimer, grâce à un astucieux procédé pour dissimuler un tournage aux yeux des autorités : équiper un banal taxi de caméras cachées et filmer l'incursion du réel dans ce huis-clos de fiction.

On ne sait trop jamais si les personnages qui défilent dans le taxi sont de vrais anonymes ou bien des acteurs jouant un rôle mais finalement peu importe puisque ce n'est pas tant qui ils sont que ce qu'ils ont à dire ou à montrer qui nous intéresse.

Ce huis-clos mobile, qui évoque notamment le Cosmopolis de Cronenberg, arpente les rues de la capitale iranienne au gré des rencontres et évoque à demi-mots une société gangrénée par la censure mais finalement dynamique, enjouée et très habile à concevoir mille stratagèmes pour contourner les lois et accéder à la culture ou une certaine forme de liberté.

Si le spectacle donné à voir n'est jamais ennuyeux et embarque le spectateur dans un dédale d'histoires qui s'entremêlent au fil des courses, le regard porté sur cette société reste finalement très simple. Pour un film clandestin, on se demande parfois si le jeu en valait la chandelle tant on reste sur ce sentiment mitigé d'avoir réussi à se faufiler par une entrée dérobée pour finalement assister à un spectacle assez banal.

Mais sans doute était-ce là le but de Panahi : montrer que cette société qui croit avoir tant à cacher n'est finalement guère différente des autres...

★★★☆☆

Taxi Teheran, Jafar Panahi (sortie le 15 avril 2015)

Avec Jafar Panahi - Iran - 1h22

Synopsis

Installé au volant de son taxi, Jafar Panahi sillonne les rues animées de Téhéran. Au gré des passagers qui se succèdent et se confient à lui, le réalisateur dresse le portrait de la société iranienne entre rires et émotion...

Ne vous fiez pas au titre français cucul à souhait ni à l'affiche un peu planplan mais regardez plutôt qui est aux commandes de cette épopée futuriste rétro (Brad Bird et son talent imbattable pour rockiser les blockbusters !) et filez en salle pour une plongée revigorante dans le futur des années 70 !

Car comme le dit George en ouverture du film : "quand j'étais gamin, le futur était différent", et il a sacrément raison ! En une trentaine d'années on a perdu en route les voitures volantes, les cités luxuriantes et surtout le FUN, remplacé par un déclin à base de destruction et de fin du monde...

"Why can't it just be fun ?" demande le gamin du film, that's a damn good question que Tomorrowland (préférons-lui son titre original) s'attache à mettre en image de la meilleure des façons.

Ludique et inventif, le film débute avec un jet pack artisanal et s'achève avec une fusée rétro inventée par Jules Verne himself ! Brad Bird s'amuse et il n'y a bien que la mine renfrognée de Clooney, quasi seul adulte du film, pour nous rappeler que non, aujourd'hui le futur n'a plus grand chose d'amusant.

La petite morale à base de "c'est sûr que si on n'imagine que le pire on ne risque pas d'inventer le meilleur", qui est loin d'être idiote (1), vient placer un contexte philosophique pendant que l'aventure initiatique de l'héroïne nous fera passer avec elle par tous les états d'un ascenseur émotionnel réussi.

Pour peu que l'on parvienne à laisser notre cynisme sur le siège d'à côté, Brad Bird et sa façon si enjouée et virevoltante de filmer, nous emmènera tout droit vers le futur d'antan. Une ballade délicieusement fun et vraiment drôle, à partager en famille (+10ans environ) pour rappeler aux plus jeunes autant qu'à nous qu'à une époque, on y croyait encore...

★★★☆☆

A la Poursuite de Demain (Tomorrowland), Brad Bird (sortie le 20 mai 2015)

Avec Britt Robertson, Raffey Cassidy, George Clooney, Hugh Laurie - USA - 2h10

Synopsis

Casey, une adolescente brillante et optimiste, douée d’une grande curiosité scientifique et Frank, un homme qui fut autrefois un jeune inventeur de génie avant de perdre ses illusions, s’embarquent pour une périlleuse mission. Leur but : découvrir les secrets d’un lieu mystérieux du nom de Tomorrowland, un endroit situé quelque part dans le temps et l’espace, qui ne semble exister que dans leur mémoire commune... Ce qu’ils y feront changera à jamais la face du monde… et leur propre destin !

(1) cette idée sous-tend le projet de Luc Schuiten et ses cités végétales, un autre futur possible pour 2115. Pour les strasbourgeois, l'exposition est à découvrir au Shadock jusqu'au 7 juin 2015 (clic).

30 ans après le Dôme du Tonnerre, George Miller revient à ses premiers amours et rebooste sa trilogie culte avec une nouvelle version moderne et étincelante, dans une atmosphère toujours aussi furieuse.

Comment ne pas être emballé par cette Fury Road et la fuite en avant déjantée de ses héroïnes ?

Certes l'intrigue tient sur une feuille de papier à cigarette, dialogues inclus, mais il n'est parfois pas nécessaire de plus de quelques mots et beaucoup d'images pour faire un grand film et en dire beaucoup : Miller livre ici son opus le plus abouti et le plus flamboyant de la trilogie, entre nihilisme, écologie et féminisme.

Car le film a beau s'intituler Mad Max, la véritable héroïne, c'est bien Furiosa, rebelle en quête de rédemption et d'espoir. Charlize Theron éclipse complètement Tom Hardy qui pourtant ne démérite pas dans son interprétation mutique et malgré tout sensuelle du personnage légendaire et torturé.

Mais c'est bel et bien Charlize Théron qui mène la danse dans le rôle de cette incroyable guerrière badass comme on aimerait en voir plus souvent sur les écrans ! Enfin un personnage féminin à la hauteur, ni sur-testostéroné ni en attente d'être sauvée : une héroïne riche et construite, pleine de failles et paradoxes et dont le charisme irradie la pellicule. Nicholas Hoult de son côté, grimé et méconnaissable, est franchement enthousiasmant dans ce personnage de guerrier fou furieux et attendrissant tout à la fois.

Bref voici un film qui déborde de fureur, un road movie halluciné et hallucinant dont les personnages, enfin !, ne se limitent pas à une caricature ambulante ! A près de 70 ans, apporter un tel vent de fraîcheur, c'est revigorant !!

L'intérêt du film, ceci dit, tient tout autant à sa galerie de personnages délicieusement barrés, qu'à l'imagerie incroyable dans laquelle ils évoluent ! Les morceaux de bravoure pleuvent et les clins d'oeil se multiplient : la mythologie apocalyptique dans toute sa splendeur, déchéance ravagée contre fol espoir de renaissance...

Et pour sauver ce monde, dont les ruines sont entre les mains d'un groupe d'hommes qui se sont approprié les ressources pour exploiter les peuples, c'est bien un groupe de femmes qui se lève. Hésitantes, incertaines et doutant de leurs capacités, c'est épaulées de quelques hommes qu'elles se dressent contre la domination (patriarcale) pour libérer les opprimés et instaurer un système équitable et mixte. Ni remplacer ni asservir mais repenser des rapports équilibrés, quelle meilleure illustration du féminisme ?

"Who killed the world ?" si cela restera un mystère, reste à savoir... qui le sauvera !

★★★★☆

Mad Max : Fury Road, George Miller (sortie le 14 mai 2015)
Avec Charlize Theron, Tom Hardy, Zoe Kravitz, Nicholas Hoult, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Hugh Keays-Byrne - Australie - 2h

Synopsis
Hanté par un lourd passé, Mad Max estime que le meilleur moyen de survivre est de rester seul. Cependant, il se retrouve embarqué par une bande qui parcourt la Désolation à bord d'un véhicule militaire piloté par l'Imperator Furiosa. Ils fuient la Citadelle où sévit le terrible Immortan Joe qui s'est fait voler un objet irremplaçable. Enragé, ce Seigneur de guerre envoie ses hommes pour traquer les rebelles impitoyablement…

Près de 15 ans après la fin de la guerre, l'Allemagne se reconstruit peu à peu, dans le déni le plus complet. La nouvelle génération, trop jeune pour avoir été témoin des événements, a grandi en ignorant tout de la réalité des camps. Des soldats, une guerre, des morts, rien de plus...

Le Labyrinthe du Silence raconte le douloureux éveil d'un jeune procureur qui ôte les confortables oeillères qu'il porte et se confronte à une réalité dont il ne soupçonnait pas l'existence.

Le Labyrinthe du Silence est un film grave mais plein d'humanité, avec tous ses défauts et son panache. Mêlant habilement personnages réels et figures fictives afin de construire son récit de manière synthétique et rythmée, cette fiction du réel retrace le prologue du procès de Francfort et la quête du jeune procureur qui, tel le Neo de Matrix, a ouvert les yeux et ne peut désormais plus faire marche arrière et oublier ce qu'il sait. Petit à petit dévoré par sa quête et accablé par les les atrocités qu'il découvre et la résistance de ses concitoyens, il n'aura de cesse de tenter d'ouvrir les yeux de ceux qui l'entourent.

On découvre avec ce film à quel point il est aisé d'occulter une réalité que l'on ne veut pas voir. Et on réalise l'importance du devoir de mémoire, qui peut parfois paraître anodin de nos jours. Car le film de Ricciarelli sonne juste et avec un style qui n'est pas sans évoquer les grands films d'enquête historique, met en lumière un aspect rarement abordé de l'histoire allemande : la difficile cohabitation, au lendemain de la guerre, entre victime et bourreaux...

★★★☆☆

Le Labyrinthe du Silence (Im Labyrinth des Schweigens), Giulio Ricciarelli (sortie le 29 avril 2015)

Avec Alexander Fehling, André Szymanski, Frederike Becht - Allemagne - 2h03

Synopsis

Allemagne 1958 : un jeune procureur découvre des pièces essentielles permettant l’ouverture d’un procès contre d’anciens SS ayant servi à Auschwitz. Mais il doit faire face à de nombreuses hostilités dans cette Allemagne d’après-guerre. Déterminé, il fera tout pour que les allemands ne fuient pas leur passé.

Projeté à Cannes la semaine dernière et tout auréolé d'un prix d'interprétation pour Vincent Lindon, le moins qu'on puisse dire c'est que La Loi du Marché gratouille aux entournures tant il rend le spectateur mal à l'aise sur son siège...

L'histoire de Thierry, tout le monde la connaît : la cinquantaine, un licenciement pseudo-économique, le chômage qui s'éternise et le parcours du combattant qui s'en suit pour retrouver un boulot. On se souvient du Couperet. On en est loin.

Car ce que l'on n'imaginait pas réellement, ce qu'on préférerait ranger gentiment sous le tapis alors que d'aucuns aiment à se persuader que les chômeurs ne sont que des profiteurs qui vivent sur le dos du système, c'est la façon dont le système justement, s'attache à démolir pour mieux exploiter...

Renversement de situation.

Car ce à quoi on assiste devant La Loi du Marché, ce n'est pas tant le pénible parcours d'un père de famille en quête de travail que l'humiliation systématique et organisée d'un individu, jusqu'à le faire entrer de son propre chef dans les cases les plus abjectes de l'exploitation. Le chômage comme outil au service du marché.

Dans le rôle du pion qui résiste comme il peut, Vincent Lindon est exceptionnel de sobriété et de justesse. Il mérite mille fois son prix d’interprétation cannois, car il n'est pas aisé de montrer et d'incarner un homme qui finit par se soumettre, sans tomber dans le pathos et le ridicule.

C'est là toute la force de Lindon mais aussi de Brizé qui, s'il s'éparpille un peu en voulant parfois trop en dire (beaucoup de sujets sont à peine effleurés et n'apportent pas forcément grand chose en l'état - le handicap du fils, le suicide, la banque -), livre un film qui dans son ensemble dégage une force dérangeante très efficace et propice au questionnement.

Un portrait glaçant mais réaliste de l'industrie du chômage qu'a créé la société d'aujourd'hui...

★★★☆☆

La Loi du Marché, Stéphane Brizé (sortie le 19 mai 2015)

Avec Vincent Lindon, Karine de Mirbeck, Yves Ory - France - 1h33

Synopsis

À 51 ans, après 20 mois de chômage, Thierry commence un nouveau travail qui le met bientôt face à un dilemme moral. Pour garder son emploi, peut-il tout accepter ?

Le nom de Bogdanovich semble familier, et pour cause : c'est un vieux briscard du cinéma qui tourne, certes peu, depuis les années 70 et qu'on pensait retiré des affaires depuis des années. C'est donc à un retour surprise, et en fanfare s'il vous plait, auquel on assiste avec Broadway Therapy (encore un titre "traduit" avec les pieds...), une comédie hollywoodienne joyeuse et délicieusement rétro.

Broadway Therapy, c'est le parfait feel good movie à la mode d'antan. Un classique qui aurait traversé le temps pour remettre au goût du jour tous les codes savoureux d'un âge d'or hollywoodien depuis longtemps révolu et où la légèreté était de mise.

On pense à Woody Allen évidemment, pour son côté grinçant et cet humour noir lorsque rien ne fonctionne comme il faudrait, mais c'est avant tout à Lubitsch et ses comédies romantiques qu'il est fait référence (une citation de La Folle Ingénue est notamment au coeur du film). Et Bogdanovich tient la comparaison haut la main !

Chez lui tout est travaillé, jusqu'aux arrière-plans et aux personnages secondaires, riches et détaillés, qui bénéficient chacun d'une trame narrative propre. En résulte une impression de fouillis organisé, de joyeux bordel (c'est le cas de le dire !) où tout finalement est à sa place. C'est de la dentelle !

Tous les éléments sont réunis ici pour faire de cette comédie désuète une réussite tant visuelle que narrative. Un vrai délice à tous point de vue, dont on sortira le sourire vissé aux lèvres et le coeur léger.

Peut-être le titre n'est-il pas si mal traduit en définitive, puisqu'il s'agit bien en quelque sorte pour le spectateur... d'une petite Broadway Therapy !

★★★★☆

Broadway Therapy (She's Funny That Way), Peter Bodganovich (sortie le 22 avril 2015)

Avec Imogen Poots, Owen Wilson, Ileana Douglas, Rhys Ifans, Jennifer Aniston - USA - 1h33

Synopsis

Lorsqu’Isabella rencontre Arnold, un charmant metteur en scène de Broadway, sa vie bascule. À travers les souvenirs – plus ou moins farfelus – qu’elle confie à une journaliste, l’ancienne escort girl de Brooklyn venue tenter sa chance à Hollywood, raconte comment ce « rendez-vous » lui a tout à coup apporté une fortune, et une chance qui ne se refuse pas... Tous ceux qui se trouvent mêlés de près ou de loin à cette délirante histoire vont voir leur vie changer à jamais dans un enchaînement de péripéties aussi réjouissantes qu’imprévisibles. Personne n’en sortira indemne, ni l’épouse d’Arnold, Delta, ni le comédien Seth Gilbert, ni le dramaturge Joshua Fleet, pas même Jane, la psy d’Isabella...

Ce petit film discret n'aurait probablement pas attiré mon attention si je ne l'avais pas remarqué dans l'avion lors de mon dernier voyage. Intriguée car je n'en avais pas entendu parler, j'ai failli le lancer mais j'ai pour principe de ne regarder en video que les films qui ne sont plus à l'affiche chez moi ou qui n'ont pas de date de sortie France. Mais ma curiosité était piquée et m'a conduit tout droit dans la salle ce week-end.

Le thème, un peu cocasse (un homme hérite d'un appartement à Paris et découvre avec dépit qu'il s'agit d'un viager occupé par une nonagénaire en pleine forme) cache certes une comédie plutôt réussie mais aussi un film un peu plus subtil que ce à quoi on pouvait s'attendre en lisant le pitch.

Derrière la comédie se cache en effet un drame familial très juste et qui doit beaucoup au jeu tout en nuances de Kevin Kline, toujours aussi parfait en bougon attachant. L'ensemble du casting est joyeusement décalé et le film se tient parfaitement, entre bons mots qui fusent (à voir en vost) et émotion à fleur de peau.

My Old Lady est un petit film sympathique très réussi sur la résilience et le poids des secrets de famille. On apprécie de retrouver un casting de quasi sexagénaires qui se battent toujours avec leurs démons, preuve que la vie est rarement un long fleuve tranquille.

En bref, une comédie dramatique pétillante et très justement dosée, qui faute de rester gravée dans les annales du cinéma, saura séduire un public en quête de légèreté.

★★★☆☆

My Old Lady, Israel Horowitz (sortie le 6 mai 2015)

Avec Kevin Kline, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Dominique Pinon - USA / France - 1h42

Synopsis

Mathias, la cinquantaine, new-yorkais, divorcé et sans ressources, débarque à Paris pour vendre la maison qu'il a héritée de son père. Il découvre alors que ce magnifique hôtel particulier du Marais est habité par une vieille dame de 92 ans, Mathilde, et sa fille, Chloé. Un hôtel particulier que Mathilde a placé il y a bien longtemps en viager, coutume typiquement française que ne comprend évidemment pas cet Américain pragmatique, qui, non seulement se retrouve en plus à devoir payer une rente.

Les films de classe, c'est souvent un peu casse-gueule, même s'il en ressort la plupart du temps une réflexion très intéressante. L'Ennemi de la classe n'échappe pas à la règle et ne parvient jamais vraiment à trouver son équilibre entre pédagogie et intensité dramatique.

Ici, comme dans La Vague, il est question de l'influence des masses et de l’auto-manipulation au sein d'un groupe. Mais le parallèle s'arrête là, car on se concentre chez Bicek sur la naissance et l'impact d'une rumeur tout autant que sur la force centrifuge d'un groupe, à laquelle les éléments en périphérie ont bien du mal à échapper.

Un prof austère qui débarque dans un environnement déjà constitué, un suicide, des "on-dit",... et l'adolescence fera le reste...

La réflexion est intéressante et le sujet empreint d'une force que Rok Bicek ne parvient malheureusement pas à restituer. On reste dans le recul sage et démonstratif au lieu d'aller vers la fougue parfois dévastatrice de l'adolescence. On aurait aimé aller jusqu'au point de rupture (c'est un film que diable, osons !) et en expérimenter les ravages plutôt que se contenter d'un didactisme bien fade.

Le film, de bonne facture et bien interprété, constituera sans aucun doute un point de départ intéressant à un débat de classe ou familial.

★★☆☆☆

L'Ennemi de la classe, Rok Bicek (sortie le 4 mars 2015)

Avec Igor Samobor, Natasa Barbara Gracner, Tjasa Zeleznik - Slovénie - 1h52

Synopsis

À l’arrivée de leur professeur principal remplaçant, une classe de sympathiques lycéens se trouve confrontée à une discipline accrue et à un enseignement plus austère. Ce professeur d’allemand concentre vite toutes les critiques. Les élèves mènent ouvertement la fronde. La tension monte, et quand une jeune fille de la classe se suicide, la responsabilité du professeur parait indiscutable aux yeux de ses camarades. L’escalade des provocations ne fait alors que commencer, laissant les autres enseignants dépassés par les événements et les élèves face à toutes leurs violentes contradictions.

Quel surprenant mélange des genres que voilà ! On n'attendait pas Marjane Satrapi dans un registre gore et pourtant, cette comédie horrifique pop lui va comme un gant !

Thriller macabre coloré, The Voices est surtout une vision très décalée de la maladie mentale. Si elle reste certes très en surface et ne s'aventure jamais bien loin dans l'analyse, Satrapi propose néanmoins, avec un humour noir très justement dosé, une plongée entre moi et surmoi dans l'inconscient malade d'un apprenti tueur en série romantique...

Romance gore et hilarante ou thriller dramatique et noir ? On navigue en permanence entre les genres, entre le rose flashy du milieu professionnel de Jerry et le noir glauque de son appartement.

Ryan Reynolds d'ailleurs est vraiment fabuleux. Bien loin de l'image fade qu'il avait pu afficher jusque là, il incarne à merveille le bellâtre bas de plafond dans un rôle complètement déjanté. C'est lui également qui interprète les voix de son subconscient, incarnées par Bosco le chien débonnaire et Mr Whiskers, chat dont le savoureux accent écossais tranche avec le cynisme froid qu'il affiche.

A la fois drôle et tragique, The Voices est délicieusement déroutant. Une surprise bienvenue dans un paysage ciné souvent très formaté, y compris du côté des films de genre. Marjane Satrapi s'amuse avec son matériau, ça se sent et c'est communicatif !

A découvrir en vost absolument !

★★★★☆

The Voices, Marjane Satrapi (sortie le 11 mars 2015)

Avec Ryan Reynolds, Anna Kendricks, Gemma Arterton - USA - 1h59

Synopsis (Avertissement - 12 ans)

Jerry vit à Milton, petite ville américaine bien tranquille où il travaille dans une usine de baignoires. Célibataire, il n’est pas solitaire pour autant dans la mesure où il s’entend très bien avec son chat, M. Moustache, et son chien, Bosco. Jerry voit régulièrement sa psy, aussi charmante que compréhensive, à qui il révèle un jour qu’il apprécie de plus en plus Fiona - la délicieuse Anglaise qui travaille à la comptabilité de l’usine. Bref, tout se passe bien dans sa vie plutôt ordinaire - du moins tant qu’il n’oublie pas de prendre ses médicaments...

Je suis allée voir Selma, sans trop le faire exprès, un jour d'élection.
Un timing ma foi plutôt approprié pour garder en mémoire, en ces jours où près de la moitié de la population s'abstient, la lutte qu'a constitué et constitue encore pour beaucoup l'accès à la liberté essentielle qu'est le droit de vote.

Au-delà de la journée thématique que le film permet en ce moment, Selma est avant tout un film historique précis et dense. Assez étonnamment c'est aussi le premier biopic sur Martin Luther King, ce qui fait de ce focus sur une seule de ses batailles (l'accès au droit de vote pour les noirs des états du sud) un parti-pris plutôt surprenant.

Si cet angle balaie tout un pan de la vie et de la personnalité du pasteur, il permet néanmoins de se concentrer sur un aspect historique précis, d'en développer les enjeux et disséquer les stratégies qui l'entourent.

En cela, Selma est un film habile et passionnant, sur la méthode non-violente des activistes de la SCLC et les limites qu'elle pose. Les stratégies politiques et intérêts personnels de chaque protagoniste sont analysés avec justesse et posent une vision d'ensemble éclairante, qui fera probablement le bonheur des profs d'histoire pour illustrer leurs cours.

Du côté cinématographique par contre, on regrettera un aspect un peu trop académique souvent proche de la dissertation filmée. Malgré des acteurs, David Oyelowo en tête, vraiment excellents (à l'exception de Tim Roth qui Marion-Cotillarde avec son imitation presque ridicule de l'accent du sud), Selma manque de ce feu qui animait les manifestants et souffre d'une trop grande rigueur. Souvent bavard, le film n'échappe pas au formalisme un peu surfait qui entoure les scènes d'émotion.

Selma reste néanmoins une indispensable piqûre de rappel. Mis en scène par une réalisatrice débutante, l'une des seules femmes noires derrière la caméra qui plus est, on ne peut que se réjouir de son existence et encourager la réalisatrice à poursuivre sa carrière en allant voir le film !

★★☆☆☆

Selma, Ava Duvernay (sortie le 11 mars 2015)

Avec David Ayelowo, Tom Wilkinson, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, Cuba Gooding Jr, Oprah Winfrey - USA - 2h08

Synopsis

Selma retrace la lutte historique du Dr Martin Luther King pour garantir le droit de vote à tous les citoyens. Une dangereuse et terrifiante campagne qui s’est achevée par une longue marche, depuis la ville de Selma jusqu’à celle de Montgomery, en Alabama, et qui a conduit le président Jonhson à signer la loi sur le droit de vote en 1965.

Des petits bouts d'éternité

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